lunes, 28 de febrero de 2011

La frase de la semana: Brillante Mendoza, la cara del cine filipino

Cuando en el año 2009 el Festival de Cine de Cannes otorgaba la Palma de Oro como mejor director a Brillante Mendoza, muchos debieron sorprenderse. Si la prensa especializada se sorpendió, en España, donde la última película filipina que se había estrenado comercialmente en salas databa del año 1996, no fue sorpresa, sino estupefacción: ¿Pero quién demonios es Brillante Mendoza?

Brillante Mendoza (San Fernando, Filipinas 1960) estudia Publicidad en la Universidad de Santo Tomás de Manila y se inicia dentro de este mundo hasta que una amigo le propone rodar una película para el mercado del vídeo Masahista, en el año 2005 (curiosamente esta película está editada en España en DVD). Como publicista, vendo ideas. En mis películas cuento historias. Y quiero que sean lo más auténticas posible, lo más cercanas a la vida real, a mí y a mi entorno. Y, sobre todo, que transcurran aquí y ahora".

Cuando Brillante Mendoza presesenta en Cannes Kinatay, ya lleva sobre sus espaldas seis largometrajes (además de otros tantos cortos), en los que ha ido definiendo su estilo narrativo, componiendo su lenguaje cinematográfico. No surge por generación espontánea, como muchos pudieran pensar. Estamos hablando de una de las grandes (y más desconocidas) cinematografías asiáticas y que tan sólo hoy, al amparo de lo que conocemos como World Cinema (Cines del Mundo), parece por fin empezar a “descubrirse”. En la actualidad, el cine filipino goza de gran popularidad en los circuitos de festivales europeos, donde nombres como Brillante Mendoza, Lav Diaz o Raya Martin parecen abonados a los mismos.

Lola es la primera oportunidad que tiene el aficionado español de seguir a este director, y a una cinematografía como la filipina, en las pantallas comerciales. Una excelente manera de contemplar la radiografía de una ciudad, Manila, donde reina una amalgama de contradicciones, donde conviven la ironía, lo atroz y lo magnífico. Este viernes se estrena en toda España. Estais invitados a verla.

Box office Japón 18-20 Febrero: Gantz, Gantz,Gantz.

Como no podía ser de otra manera, el fenómeno Gantz sigue copando el primer puesto de nuestro ranking en la cartelera japonesa. El film basado en el manga escrito por Hiroya Oku está gustando y mucho en las plateas niponas, que esperan ansiosas a que llegue la próxima primavera para poder disfrutar del estreno de la segunda parte: Gantz Perfect Answer. Como dato curioso comentar que la distribuidora Toho estrenó Gantz en Estados Unidos una semana antes que en Japón, con 300 copias dobladas al inglés. Por otra parte, sus guapos protagonistas, Kazunari Ninomiya (conocido como Nino, uno de los miembros del grupo de J-pop Arashi) y Kenichi Matsuyama (quien ya alcanzara fama con su papel de L en la película Death Note) han visto incrementada su popularidad de manera meteórica.
En segundo lugar encontramos el estreno de Más Allá de la Vida, dirigida por Clint Eastwood, un director muy querido en estos lares desde que filmara la maravillosa Cartas de Iwo Jima. Cierra el cuadro de honor el primer estreno japonés de la quincena: Oba: the Last Samurai, basada en la novela de mismo título escrita por el soldado estadounidense Don Jones, quien aquí también ejerce labores de guionista. La historia se centra en Oba, un capitán del Ejército Imperial Japonés que durante la Segunda Guerra Mundial organizó una guerra de guerrillas para luchar contra el imperio estadounidense en la isla de Saipán. Acabada la guerra, él y sus hombres, de los que sólo 46 eran soldados, siguieron resistiéndose durante meses hasta que recibieron órdenes directas de sus superiores. Dirige el film Hideyuki Hirayama (Beging for Love), mientras que Yutaka Kaneouchi (actor conocido sobretodo por sus dramas televisivos) da vida al bravo capitán.

En cuarta posición otra novedad japonesa, Tomorrow’s Joe, otro film basado en un exitoso manga que gira entorno al mundo del boxeo. Los protagonistas de la cinta, Tomohisha Yamashita y Yusuke Iseya se tomaron tan en serio sus respectivos papeles, que incluso se programaron combates reales para que se enfrentaran a púgiles profesionales y dar así más publicidad al film. Justo en mitad del top sobreviven los abuelos metidos a espías de Red, mientras que el sexto lugar es para la autóctona Kaasan Mom´s Life, a la que ya nos referimos en el pasado box office japonés. Comentar tan sólo que existe un film rodado en 2010, Wandering Home, cuyo protagonista era Tadonobu Asano en el que ya se anticipaban las mismas tramas y personajes que aparecen en Kaasan Mom´s Life.

Puestos séptimo, octavo y noveno para tres producciones yankis que aguantan como pueden entre las diez primeras: Paranormal Activity 2, Wall Street 2: el Dinero Nunca Duerme y La Red Social. Cierra nuestro box office de esta quincena tras seis semanas en cartel 1778 Stories of Me and my Wife, el lacrimógeno drama dirigido por Mamoru Hoshi (Tales of the Unusual).

Francisco Nieto

domingo, 27 de febrero de 2011

Bedevilled (Corea del Sur, 2010)


Año: 2010
País: Corea del Sur
Director: Jang Cheol-soo
Duración: 115 minutos.
Género: Drama, Thriller, Slasher, Terror.
Protagonistas: Seo Yeong-Hee,
Ji Seong-won, Baek Soo-ryeon.

El debut en la dirección de Jang Cheol-soo, quien fuera ayudante de dirección de Kim Ki-duk, es una sólida y sórdida película que levantará ampollas con su tratamiento de la violencia, tanto física como psíquica en el entorno rural de Corea.

Indiferente a todo lo que le rodea, Hae-won, empleada de banca, se ha visto inmersa casi simultáneamente en un intento de homicidio y un conflicto laboral. Obligada a tomarse un descanso, decidirá relajarse pasando unos días en otro ambiente, en una apartada isla donde vivieron sus abuelos y permanece todavía su amiga de la infancia, Bok-nam. Sorprendentemente con su vuelta verá cómo el resto del pueblo trata a su amiga como a una auténtica esclava y ahí dará comienzo este espeluznante relato de la Corea más negra y profunda en la que la venganza se sirve a pleno sol. Bok-nam, desesperada, le pide a Hae-won que la ayude a escapar de allí junto con su hija, a la que no quiere ver vivir como lo está haciendo ella, pero Hae-won prefiere no involucrarse. Esa decisión terminará con una Bok-nam desesperada que tendrá que tomar una drástica decisión.

¿Existe gente amable? Es una de las frases más significativas de esta película. Nos situamos en una inhóspita isla que, al igual que ocurría en El Bosque de M. Night Shyamalan, esconde -en base a una serie de factores y elementos- un secreto. El maltrato, abusos sexuales y de poder, vejaciones y desprecio son sólo parte de ese secreto. Todo acompañado de una atmósfera que se va tornando cada vez más oscura, a base de malos rollos y situaciones que así lo propician -incluidos los cambios climáticos-. Muy logrado todo, de verdad que consigue transmitir tanto el sufrimiento como la fortaleza de la protagonista.

Nuestra protagonista, Bok-nam, tiene una gran necesidad de afecto, debido al abandono que tiene por parte del resto de los habitantes de la isla, quienes la maltratan, tanto física como psicológicamente y la tratan como si fuera su esclava. Ya esté sucia, desaliñada, harapienta, no importa, sólo es un elemento de uso (para labores rurales y deseos carnales -si no hay otra opción-). Es, en definitiva, una persona ‘acosada' (bedevilled) literalmente, que no tiene otra opción que aguantar lo que le viene encima por su hija, a la que no quiere que le pase lo mismo. Su única esperanza es viajar a Seúl, donde poder empezar una nueva vida. Y para ello necesita de la ayuda de su amiga, con la que ha mantenido contacto por carta. Descubriremos y asimilaremos los sentimientos (y su evolución) metiéndonos de lleno en la mente de Bok-nam, para poder imaginar -y desear, todo sea dicho de paso- un desenlace acorde con el malestar que el personaje logrará transmitirnos.

Por lo que habéis leído hasta el momento, podéis imaginar que es una película dura y cargada de emociones. Y así será durante la primera parte, donde en un ritmo bastante distinto de lo que será la segunda parte, se nos presenta a los personajes, con su forma de ser y de relacionarse -y donde podremos hacernos idea de la razón y el pensamiento de cada uno, algo que está muy logrado-, para luego cambiar, en la segunda parte, hacia el verdadero slasher. No añadiré mucho más porque prefiero que, aunque suene un tanto sádico, "disfrutéis" tanto con esos grandes momentos de violencia -con alguna que otra frase de humor negro, pero muy elocuente- como lo hice yo.

Unas interpretaciones que traspasan la pantalla. En Bedevilled más allá de las grandes producciones y los grandes decorados nos encontraremos con una película donde lo que brillan son interpretaciones de todo el elenco, el cual consigue que nos posicionemos desde el primer momento y observemos esa faceta por encima de todo. Si habéis visto La Niebla (2008) de Frank Darabont, podréis entender el odio y la impotencia que se siente ante uno de los personajes, que me recordó muchísimo al papel de Marcia Gay Harden como la Sra. Carmody (aquella odiosa santurrona que, por gracia divina, dictaba lo que había que hacer).

La protagonista de esta historia seguramente os suene si habéis visto otra magnífica ópera prima titulada The Chaser. Así es, aunque la encontréis algo cambiada en este papel, es la mismísima Seo Yeong-hee. Si las interpretaciones femeninas son geniales, no sería justo obviar los papeles del elenco masculino de la película, pues desde el primer momento observamos cómo en esa isla sigue habiendo diferenciación por sexos. Las mujeres se dedican a las labores manuales del campo, y los hombres sólo ayudan aportando su "fuerza bruta" y sus conocimientos de bricolaje. Algo que hoy día parece increíble, pero que por desgracia en muchos lugares sigue ocurriendo. Una magnifica fotografía y recreación del ambiente rural completan esta desgarradora Bedevilled que seguro, no os dejará indiferentes en un curioso contraste entre lo rural y lo urbano.

Lo mejor: La interpretación y el desarrollo de los personajes, sobre todo de la protagonista (Bok-nam, la amiga que siguió viviendo en la isla). La "buena" atmósfera que rodea al film, que consigue que empaticemos con Bok-nam y vivamos su experiencia.
Lo peor: No consigo encontrarle nada negativo.

Pusan Film Festival presents...

En Octubre de 2009, durante la celebración del Festival de Cine de Busan, su director (ahora jubilado) Kim Dong-ho anunció que el propio certamen se implicaría en la producción de un omnibus film (película de segmentos), con la sureña ciudad coreana como protagonista, y la participación de tres directores asiáticos: el surcoreano Jang Joon-hwan (Save the Green Planet), el japonés Isao Yukisada (Go) y el tailandés Wisit Sasanatieng (Nang Nak). Lo que entonces se denominó, provisionalmente, “Proyecto Busan”, ya tiene título, Camellia, en referencia a la flor que es símbolo del municipio. También se ha anunciado ya el reparto, que cuenta con nombres importantes de cada una de las cinematografías representadas. Kang Dong-won (The Taoist Wizard) y Song Hye-kyo (Hwangjin-y) protagonizan Love for Sale, el segmento dirigido por Jang Joon-hwan, que trata sobre un futuro cercano en el que los recuerdos amorosos pueden ser extraídos de la mente y vendidos como mercancía. Por su parte, Seol Kyeong-gu (Oasis) y Yuriko Yoshitaka (Gantz) aparecen en Kamome (gaviota, en japonés), la parte de Yukisada, un melodrama fantástico en el que un director de cine se enamora que una mujer de otra dimensión. Finalmente, Kim Min-joon (Never to Lose) y Michael Shaowanasai (Mak Tae) encarnan a los personajes de Iron Pussy, de Sasanatieng, un travesti tailandés que viaja a Corea en calidad de espía y el hombre con el que se relaciona románticamente.
El propósito del film, cuyo rodaje se llevó a cabo hace un año y a pesar de ello aún no tiene fecha de estreno, era el de promover a Busan como centro neurálgico de la producción cinematográfica en Asia. Se acaba de presentar un tráiler del film que podéis ver aquí, con lo que es de suponer que pronto llegue a las pantallas.

viernes, 25 de febrero de 2011

Mother, a la venta en DVD a partir del 1 de Marzo

Título: Mother
Director:
 Bong Joon-ho

Guión: Lee Chang-dong
Con: Kim Hye-ja, Won Bin, Jin Ku,
Jun Mi-sun, Yun Je-mun
Género: Thriller-Drama
Editado: Mediatres Estudio
Fecha venta/alquiler: 1 Marzo

Si alguien ha contribuido a dar a conocer el cine sur-coreano de los últimos años al resto mundo han sido: Park Chan-wook, Kim Jee-won y quien dirige la película que nos ocupa, Bong Joon-ho, que desde que durante 2003 pasease la excelente Memories of Murder por diversos festivales internacionales nos ha tenido ojo avizor. Poco después ya se encargaría de demostrar que aquel éxito no fue una casualidad, coescribiendo el guión de la genial y misteriosa Antarctic Journal (Yim Pil-sung, 2005), y volviendo a ponerse detrás de las cámaras con la tremendísima The Host en 2006. Tanto una como la otra las pudimos ver en el Festival de Cine de Sitges, al igual que su segmento de Tokyo! (2008). Siento no poder deciros nada de su ópera prima Barking Dogs Never Bite (2000), pero no la he visto.
Aunque la elegancia narrativa ya es un factor común en su, de momento, breve obra, si tuviéramos que relacionar Mother con alguna de sus anteriores películas, yo la emparentaría directamente con Memories of Murder. Ambas son thrillers con un fuerte componente de suspense, muy humanas (sobre todo Mother), y en las dos queda notablemente patente la crítica a las fuerzas de la ley, siempre ineficaces, de dudosos métodos y que sólo necesitan un cabeza de turco que pague los platos rotos, sin importar demasiado si es realmente culpable o no. Esa inoperancia de la policía hará que la madre protagonista de nuestra historia inicie una investigación para exculpar de un asesinato a su hijo disminuido psíquico. La madre (Kim Hye-ja) no sólo da título al largometraje sino que con su soberbia interpretación es el pilar que sostiene gran parte del peso dramático y hace que avancemos dentro de una trama que siempre irá un poco más allá de lo que esperamos (resulta curioso que esta pedazo de actriz no tenga casi experiencia más que en un par de largos y una serie de televisión).
No puedo profundizar en la esencia, en el alma del relato si no hablo del desenlace, pero tampoco os lo puedo desvelar, así que solamente diré que llega un punto en que ese desenlace vuelve a crear otro nudo y todo cambia de rumbo. Una articulación inteligente del guión que se sirve de un nuevo punto de vista para conseguir que Mother no se trate sólo de un buen thriller convencional, sino de algo que va más allá.
Os la recomiendo encarecidamente y os aseguro que, además de pasar un buen rato enganchados a la pantalla disfrutando de su saber hacer, os va a dar para unas cuantas reflexiones de carácter humano, ético y moral. Una delicia.
Lo mejor: La actriz protagonista, la fotografía y que no sea sólo un envoltorio bonito sino que lleva mucha miga dentro.
Lo peor: Que no se haya estrenado en nuestro país.

Características técnicas.
Idiomas: Coreano Idiomas (VO): Coreano  Sonido: Coreano dolby digital 5.1  Subtítulos: Castellano  Extras: No. Zona:Formato (pantalla): Panorámica 16/9 Formato (imagen): 1.85:1 Formato (DVD): 25 Duración: 129 Fecha (lanzamiento): 01/03/2011


Enlace de interés:
¿Quieres conseguir un dvd de Mother?

Óscar Sueriro

miércoles, 23 de febrero de 2011

Nosolocine: B.S.O. Space Battleship Yamato

Autor: Naoki Sato
Año: 2010

Debo reconocer que hay ganas de ver esta Space Battleship Yamato. Como ya sabéis, se trata de la adaptación a imagen real de la famosa serie de anime creada por Leiji Matsumoto a mediados de los años 70. El director Takashi Yamazaki (el de Returner o Always) se ha gastado nada menos que 22 millones de dólares para rodar la película, desembolso que se ha traducido en un enorme éxito de taquilla en Japón a finales del año pasado, logrando asimismo contentar a los fans de la serie clásica.

Para poner banda sonora a esta superproducción, Yamazaki ha recurrido a los servicios de Naoki Sato, con quien se ve que le une una buena amistad ya que ya han trabajado juntos en las dos partes de Always y en Ballad, el anterior film del realizador. Lo cierto es que Sato es un estupendo compositor y un todoterreno, capaz de ponerse intimista para historias nostálgicas como la citada Always, volverse épico para otras como Ballad o The Last Princess, luego pasar a componer música superheroica para K-20, alternar con el anime en Sword of the Stranger e incluso meterse en series de TV como Eureka Seven. Así que no debería extrañarnos que Sato se desenvuelva como pez en el agua a la hora de dar acompañamiento musical a un mega-espectáculo como promete ser Space Battleship Yamato.

Mientras escuchamos la banda sonora, cualquiera pensaría que Takashi Yamazaki haya decidido que si su película iba a ser espectacular, la música no podía ser menos. Y así, le ha concedido a Naoki Sato la oportunidad de trabajar con una gran orquesta sinfónica y acompañamiento de coros, todo con tal de aumentar la impresión de gran espectáculo de la historia. Y desde luego que lo consigue. Esta es una de esas bandas sonoras que da gusto escuchar en esas ocasiones en que te apetece meterte un buen chute de adrenalina musical: épica, espectacular, dinámica, rebosante de fuerza, energía... Pocos momentos hay para la calma durante la escucha, la mayoría de los cortes son momentos de acción uno detrás de otro, en que podemos apreciar los diferentes leit motivs compuestos por Sato, alternándose, dedicados a magnificar las acciones heroicas de los protagonistas (¡realmente, a falta de poder ver la película eso es lo que nos imaginamos!). También es de destacar cómo Naoki Sato ha respetado el tema original de la serie antigua, compuesto por Yasushi Miyagawa. Podemos escucharlo varias veces a lo largo del CD: se trata de un lánguido, romántico, hermoso tema interpretado por una voz femenina solista. La verdad es que era de inclusión obligatoria para mantener la vinculación con el anime y el reconocimiento de los fans. Aunque no sea original de Sato, hay que reconocer que es un excelente tema que ayuda a redondear el disco (da algo de respiro frente a tanta música frenética) y es estupendamente re-interpretado por la orquesta y el coro.

Para terminar el comentario, ¿recomendaríamos el disco? Sí, sin dudarlo. Se trata de uno de esos discos que lo escuchas y te meten la velocidad en el cuerpo: música sinfónica, apabullante, dinámica, sin descanso y variado en temas y melodías heroicas, de esas fáciles de retener y tararear. Y no nos olvidamos del tema principal de la serie clásica, que además de contentar a los nostálgicos del anime, puede ser también todo un descubrimiento para aquéllos que no habían oído antes esta estupenda melodía.

Puntuación: 8/10

Felipe Múgica

martes, 22 de febrero de 2011

Mc Dull Kungfu Ding Dong Ding (2009, HK) - Especial Semana de cine de Hong Kong

Directores: Brian Tse.
Año: 2009.
País: Hong Kong.
Género: Animación, comedia, drama.
Duración: 77 minutos.
Reparto (voces): Sui-man Chim, Sandra Ng,
Mrs. Mc, Kwong Wan y Anthony Wong.
Inauguración: 25 de Febrero 17 horas.

Nueva entrega de las aventuras del cerdito más popular de Hong Kong. Después de una serie de malos acontecimientos, donde las deudas hacen acto de presencia, la madre de McDull decide hacer las maletas y empezar una nueva vida en Wuhan, la ciudad más poblada de la zona central de China. Un lugar idóneo donde poder aprender a llevar un negocio con su especialidad, el pollo chamuscado. Por su parte, McDull es enviado a una escuela de kung fu para niños en la montaña de Wudang, con preciosos paisajes, donde junto con un grupo de pequeños y un misterioso y nuevo amigo ‘oso panda’ deberá convertirse en todo un maestro.

En McDull Kung Fu Ding Ding Dong, el cerdito con más poco coeficiente intelectual del mundo vuelve a hacer de las suyas, y aunque esta tercera entrega de la saga McDull no sea tan contundente como las dos anteriores, sí que continúa con esa sátira local a la ciudad de Hong Kong, a la vez que sigue demostrando su cariño por la misma. En esta tercera parte, Brian Tse, que en las primeras dos películas hizo de productor y de guionista, toma las riendas también de la dirección del film. Así pues, esta vez, y con diferencia de las anteriores, la relación madre-hijo, McDull y su madre, no está tan explotada y centra su atención, sobre todo, en el niño-joven-adulto McDull y sus relaciones con los demás y en su relación consigo mismo (esa búsqueda de quién soy, el espíritu de superación, el compartir, la responsabilidad… todo serán cosas que aprenda en la escuela de la montaña de Wudang). También, y como debe ser, Hong Kong, está presente, quizá esta vez en contraposición con la China continental, a donde “emigrarán” McDull y su madre en busca de una vida mejor. La crítica a la administración local, a las instituciones educativas (el experimento Mozart es de lo mejor de la película), a los medios de comunicación de la excolonia, todo vuelve a recordarnos esa incisiva y crítica ironía que siempre ha sido seña de identidad de la saga de nuestro cerdito más tonto… y más entrañable a la vez.

En definitiva, una bonita historia, donde destaca sobretodo la variedad cromática y la fusión entre animación 3D y 2D. La moraleja de la película es bastante clara: la vida es tal y como se presenta y para conseguir mejorar no hay más remedio que el esfuerzo personal y la autosuperación. Compartir y ponerse en el lugar de los demás. Todo ello además, aderezado con una preciosa y melódica banda sonora compuesta por Steve Ho Sung-Chi.

Salvador Navarro (Blog Visual)

12 motivos para no perderse la Semana de cine de Hong Kong


Cuatro días quedan para que dé inicio una nueva edición, la sexta ya, de la Semana de Cine de Hong Kong en Barcelona. Casa Asia, la Filmoteca de Catalunya y el Hong Kong Economic and Trace Office de Bruselas (con la colaboración especial del Festival de Sitges) organizan esta nueva edición que contará con la proyección de una selección de doce largometrajes. De éstos, siete corresponden a producciones destacadas del año 2009, y las restantes constituyen una retrospectiva del cine de acción (1984-2007), uno de los géneros más representativos del cine de Hong Kong.

Siguiendo la estela de Tele 5 y sus 12 meses, 12 causas, desde CineAsia queremos ofrecerte un abanico de motivos con el fin de que te acerques durante estos días por la Avenida de Sarriá, nº 33, sede de la muestra. ¡Pero cuidado! Leer lo que viene a continuación puede provocar que tu estancia en la Filmoteca se prolongue más allá de lo que te habías imaginado. Es bueno que os comente este punto, antes de que empezéis a leer y podáis desencadenar una crisis familiar. Ya estáis avisados.

Si eres cineasiático, te suena el nombre de Jackie Chan más que el de Ferran Mascarell, este año has visto alguna película de Johnnie To, y en Sitges no te perdiste 14 Blades ni Fire of Conscience, es posible que no tengas que seguir leyendo: seguro que sabes mucho más que yo, y es más que probable que vayas a acudir a más de una proyección. Pero bueno, si quieres seguir leyendo, no soy quién para decirte nada. Para el resto de los mortales, que no os desaniméis, sois/somos la gran mayoría, os dejo con estos doce motivos para terminar amando la Semana de Cine de HK por encima incluso que el Sálvame Delux.

Motivos gastronómicos.
Mucho se habla de las muestras gastronómicas en estos últimos días: que si de tapas por Barcelona, que si empieza la Semana Gastronómica de Segovia. Yo os recomendaría conocer una nueva cocina: la hongkonesa. Por tanto, si el cine no es que te entusiasme pero eres un gourmet de primera división, no te puedes perder el próximo viernes 25 a eso de las 12 de la mañana la presentación de la Semana de Hong Kong en Casa Asia. El cóctel de inauguración es todo un lujo. Y lo mejor, es completamente gratis. Eso sí: tendrás que ser madrugador: la entrada es gratuita, pero hasta completar el aforo.

Por la economía sostenible.
Zapatero habla de la edad de jubilación. Rajoy del estado de la economía familiar. Montserrat Tura se refiere a lo bajo del salario medio (aunque la cifra se le fuera un poco de las manos). Por suerte o por desgracia la economía es uno de los puntales de nuestra vida diaria. La Semana de Cine de Hong Kong ha pensado en ello. Y la Filmoteca también. Tranquilos, no hay ninguna película en 3D, por lo que no habrá sorpresas en la taquilla. Por lo que cuesta una entrada convencional de cine, aquí podréis disfrutar de 3 películas: una de Johnnie To, una de Jackie Chan, y otra de animación. ¿Alguien da más?

Porque es la única semama (junto a la Semana Santa) que dura más de siete días.
A saber, de momento. En la Semana de Cine de Hong Kong: comes, las proyecciones están a un precio reducido... Y para acabar de rematarlo, en lugar de durar siete días (la semana estándar), van y nos sorprenden, pasando a durar diez días. Del 25 de Febrero al 6 de Marzo. No, no me he confundido al contar (mis clases de trigonometría por fin me han servido de algo). Y, además, con la posibilidad de recuperar alguna película que te hayas perdido, con un segundo pase.

Porque mi médico de cabezera me ha recomendado tranquilidad.
¿Sometido a mucho estrés laboral? ¿Cuando llegas a casa tus hijos no parar de llorar... o son tus padres los que te agobian con sus "sabios" consejos? Si cuando llega el viernes tus niveles de "aceleración" superan a los del Ferrari de Alonso o al de cualquiera de los Audis de los Mourhino's boys (léase jugadores del R. Madrid) hemos encontrado la solución. 5 mg de Overheard (Felix Chong, Alan Mak): Domingo 27 a las 22 horas. Invisible Target (Benny Chan) en cápsulas cada 8 horas: Sábado 3 de Marzo a las 19:30. Y por si tienes una recaída: Rebellion (Herman Yau), el sábado 26 a las 17:00 horas.


Porque me gusta Bob Esponja.
Puede que seas como yo, que he dejado de ver TV1, Tele 5, Antena 3, Cuatro y la Sexta (Intereconomía la dejo para cuando estoy deprimido y no tengo a mano ningún especial de Faemino y Cansado) para conectarme directamente con Clan TV. Si es así no puedes perderte la inauguración de esta Semana de Cine de Hong Kong. Ya son muchos los padres que cantan el tema principal de Bob Esponja en los karaokes familiares, un hit que seguro que nos hubiera colocado en mejor posición en el Festival de Eurovisión que la tremenda "Que me quiten lo Bailao". Pues bien, la animación hongkonesa en forma de cerdito también tiene su espacio en la Filmoteca. Mc Dull Kungfu Ding Dang Dung (Brian Tse). Viernes 25 a las 17 horas.

Por Ann Hui: una de las referentes de la Nueva Ola del cine de Hong Kong.
Ann Hui (nacida en el norte de China y de madre japonesa) es una de las realizadoras más representativas del cine de Hong Kong. Pertenece a la llamada Nueva Ola (que eclosiona a finales de los años setenta), ingeniosamente definida por el cineasta Allen Fong como una “generación que tuvo suerte”: nacida tras la guerra, en un periodo de auge cultural y económico, alimentados de cine (la única diversión de la época), y los primeros en estudiar cine en el extranjero (concretamente en Londres) y en aprovecharse del desarrollo de la televisión. Y ahí fue donde Hui realizó sus primeros pasos como directora, aunque previamente ya se había empapado de la maestría de King Hu, con el que estuvo trabajando como ayudante de dirección. Ahora lleva una polifacética vida entre la actuación, producción, dirección y escritura cinematográfica. Night and Fog (Ann Hui): Sábado 26 a las 19:30. Segundo pase: Lunes 28 a las 21:45.

Porque apoyo la Ley del Tabaco
A pesar de lo que diga la ministra de Sanidad, Leire Pajín (esas frases que tan bien le sientan al teatro en estos tiempos de crisis y en concreto al musical "Hair"), en el fondo estoy de acuerdo con la ley. Dejé de fumar hace quince años y no voy a empezar a hacerlo ahora. Pero qué le vamos a hacer, no puedo dejar de empatizar con Johnie To, cuando aparece en las ruedas de prensa con el puro en los labios. To nos visita en esta edición con uno de sus thrillers más elegantes: Running Out of Time. No os lo perdáis. Domingo 27 a las 19:30. Segundo pase: Sábado 5 de marzo a las 17:00.

Porque al fin descubriré dónde está la Filmoteca... antes de que cambie de localización.
A los barceloneses muchas veces nos pasa. Andamos tanto por nuestra ciudad, y con tanta prisa, que al final, como vamos con la cabeza agachada, no nos enteramos muy bien de dónde se encuentran ciertos lugares de interés. ¿Dónde está Zara? Todos lo sabemos. No una, sino la totalidad de las tiendas. El problema llega cuando preguntamos por la Filmoteca. (silencio total, como cuando toca el quesito amarillo en el Trivial). A pesar de que en la primera quincena de Marzo está previsto que la Filmoteca de Cataluya cambie de sede, no estaría mal pasarse por la Avenida Sarriá nº 33, para despedirse durante la Semana de Cine de Hong Kong de la que ha sido hasta ahora la sede de la Filmo.

Me encanta que me sorprendan.
Muchos asocian Hong Kong con el cine de evasión, y no están equivocados. Otros lo asocian a patadas y piruetas a gogó, también tienen razón. En Honk Kong tiene cabida la fantasía, cierto. Y la animación... ¡cómo no! Desde que Hong-Kong acogiera en 1896 su primera proyección cinematográfica, ha sido el centro neurálgico del cine asiático hasta hace bien poco. Como colonia británica que fue, se benefició de grandes dosis de libertad política y económica, cosa que benefició a su cine, que también tuvo la influencia de numerosos cineastas chinos exiliados. Durante décadas Hong Kong fue considerada la tercera potencia cinematográfica (por detrás de India y Hollywood) y su influencia llegó prácticamente a toda Asia del Este. Gracias a la mezcla de originalidad y comercialidad, en Occidente el cine proveniente de Hong Kong llegó como material de culto, sobre todo su cine de acción y artes marciales que forma parte ya de su mainstream cultural y que ha sido imitado durante mucho tiempo. Algunos films seleccionados por la muestra, como Soundless Windchime (Kit Hung), The Long Arm of the Law (Johnny Mak) o Written By (Wai Kai-Fai) te van a sorprender. ¡Estás avisado!

Porque así podré criticar a los Pang Brothers.
A pesar de nacer en Hong Kong, los Pang Brothers desarrollaron parte de su carrera inicial en Tailandia (Bangkok Dangerous), pasando después a Hong Kong (con su hit, The Eye). Amados y odiados a tiempo parcial por sus admiradores y detractores, la Semana de Cine de Hong Kong nos ofrece la oportunidad de que siga aumentando su leyenda. En este caso sólo disponéis de una oportunidad pues no hay repetición. The Storm Warriors (Pang Brothers), sábado 26 a las 22 horas.

Porque quiero convertirme en especialista (stunt).
Hasta una de las realizadoras más artísticas del star system de Hong Kong, Ann Hui, empezó su carrera como asistente de dirección del especialista en cintas de artes marciales, King Hu. Más tarde recogería todas sus experiencias en su film Ah Kam, acerca del mundo de los stunts (dobles para las secuencias de acción). Este año la Semana de Cine de Hong Kong dedica su retrospectiva a las películas de acción. Son tan sólo cinco películas, pero yo no dejaría pasar la oportunidad de contemplar en pantalla grande películas como: Iceman Cometh (Clarence Fok): Sábado 5 de marzo a las 19:30, Crime Story (Kirk Wong): sábado 5 de marzo a las 22 horas, o por descontado Invisible Target (Benny Chan): domingo 6 de marzo a las 19:30 h.

Y si todavía no has tenido suficientes motivos: te doy doce más.
Las 12 críticas de las películas que se proyectan dentro de la Semana de Cine de Hong Kong. ¡Disfrutadla!

Night and Fog (122’) 2009, Ann Hui.
Soundless Windchime (100') 2009, Kit Hung
Written by (85') 2009, Wai Ka-fai
Iceman Cometh (114') 1989, Clarence Fok
The Storm Warriors (110') 2009, Danny y Oxide Pang
Rebellion (100') 2009, Herman Yau
Mc Dull Kungfu Ding Ding (77') 2009, Brian Tse
Overheard (100') 2009, Felix Chong, Alex Mak
Invisible Target (130’) 2007, Benny Chan
Running Out of Time (93') 1999, Johnnie To
Crime Story (104') 1993, Kirk Wong
The Long Arm of the Law (110') 1984, Johnny Mak´

Box office China: Primera quincena Febrero. Amor para el Nuevo año chino

Un total de siete películas chinas fueron programadas para ser exhibidas en los cines locales coincidiendo con el recibimiento del Año del Conejo, cinco de las cuales, What Women Want, Mr. And Mrs Incredible, Under the influence, The Aroma City y Little Big Panda compartieron la misma fecha de estreno, el 3 de febrero (el primer día del Año Nuevo chino). Nada de violencia, y sí mucho romanticismo, comedia y animación para unas fechas idóneas para acudir al cine con la familia. Comentemos un poco estos títulos: Adaptada de la comedia romántica de Hollywood de 2000 ¿En qué Piensan las Mujeres?, protagonizada por Mel Gibson y Helen Hunt What Women Want nos cuenta como un hombre tiene la capacidad de escuchar todo lo que discurre por el cerebro de una mujer, lo que le servirá para entender el camino que ha de recorrer para encontrar el amor verdadero. Dos pesos pesados del cine chino dan vida a los protagonistas: Gong Li y Andy Lau, quien aquí retoma su típico rol de conquistador nato.

Otra pareja perteneciente a la constelación de estrellas de cine chinas, Louis Koo y Sandra Ng protagonizan la comedia Mr. And Mrs Incredible, film que nos cuenta la historia de una pareja de mediana edad con superpoderes que se ve obligada a combatir el mal después de permanecer en el anonimato durante décadas. La película es una mezcla de Sr. Y Sra Smith, Superman y la historia de artes marciales Divine Eagle, Gallant Knight, escrita por Jin Yong. Under the Influence supone el debut en pantalla del conocido comediante Zhu Shimao, y se centra en la crisis matrimonial, la infidelidad y otros temas propios de parejas de mediana edad, mientras que The Aroma City es otra película romántica con ribetes fantásticos, que nos explica el romance entre un hada que tiene un olor dulce pero no puede hablar, y un joven de familia acomodada al que salva la vida.

El estreno animado de la quincena, aunque parezca mentira, tiene parte de catalán, pues Little Big Panda, que así se llama este film donde un oso panda es rechazado por los de su especie a causa de sus ideas extravagantes, ha sido producido en parte por la empresa de Cerdanyola del Vallés Acció!, especializada en producir películas de animación de dos y tres dimensiones. Un último estreno que acaba de asomar la cabeza en la cartelera china: Eternal Moment,  la adaptación cinematográfica de una popular serie de televisión romántica que se emitió con éxito hace doce años. Los protagonistas vuelven a retomar sus respectivos roles años después para deleite de sus ya crecidos fans, en una apuesta clara de hacer coincidir los últimos coletazos de la celebración de Año Nuevo con la fiesta del Día de San Valentín, ya que el film lleva en cartelera a partir del 13 de febrero. Y para el que no se limite a consumir producción propia, también se exhiben estos días blockbusters hollywoodienses como The Tourist, The Green Hornet o Armored.

Francisco Nieto

lunes, 21 de febrero de 2011

La frase de la semana: Jafar Panahi

La silla vacía que se vio en medio del escenario del Berlinale Palast tan solo hace unos días, se ha convertido en una de las imágenes de la Berlinale. "El simple hecho de invitar a Panahi para formar parte del jurado, aun sabiendo que había la posibilidad de que no estuviera aquí, ha sido una señal clara por parte de la organización a favor de la libertad de expresión", comentó Isabella Rossellini, presidenta del jurado de la Sección Oficial.

Jafar Panahi, realizador de cine que en 1995 ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes por la película El Globo Azul y en 2000 el León de Oro en Venecia por El Círculo, pasará los próximos seis años en la cárcel. Así lo decidió un tribunal iraní que además le prohíbe abandonar el país y hacer películas durante los próximos 20 años.

En una edición del certamen marcada desde el principio por la ausencia de Panahi,  la película Nader y Simin, una Separación, del director iraní Asghar Farhadi, se convirtió en la absoluta protagonista de la noche de la clausura, al llevarse tres de los mayores premios: el Oso de Oro como mejor película y los Osos de Plata para las mejoras interpretaciones masculinas y femeninas. Muchos verán este galardón como un premio político. La verdad es que la cinta iraní fue, de lejos, lo mejor que pudo verse en la Berlinale dentro de la Sección Oficial.

Es cierto que habrá quienes podrán silenciar las voces disonantes. Tan cierto como que, por desgracia, siempre existirán regimenes dictatoriales. Pero tenemos un arma muy importante. El cine. Nadie podrá impedir que Panahi... con su ausencia... mantenga la lucha por los derechos de muchas personas en Irán. Porque el cine es magia. Y los dictadores no saben de estas cosas.

domingo, 20 de febrero de 2011

Y el Bambú de Oro es para...

Ocho son las letras que forman la palabra CineAsia. Y exactamente ocho son los días que restan para que se celebre la I edición de los Premios CineAsia. Los preparativos para la gala se han iniciado esta misma tarde, y ya os podemos aelantar que contaremos con los comentarios en directo de Gloria Fernández (a la que hemos repescado tras su pase por Berlín, y ante la negativa de Carlos B. a comentar una gala en la que sólo se hablara de cine asiático). Una gala que podréis seguir en riguroso directo el lunes 28 de Febrero a partir de las 20:00 a través de nuestro twitter.

A fecha de hoy ya son 175 cineasiáticos los que han emitido su voto. Ya son 175 personas las que de forma directa entran en el sorteo de:

-5 DVD del film coreano Mother de Bong Jong-ho
-5 DVD del film coreano Poetry de Lee Chang-dong
-14 Blades
-Ip Man 3: The Legend is Born
-Además de una sorpresa final, que desvelaremos tras la celebración de la gala de los Premios CineAsia.

¿Y cómo marchan las cosas a esta hora de la tarde? La verdad es que todo puede pasar. Las cuatro categorías estrella: película, director, actor, y actriz están tan igualadas entre sí, que mucho nos tememos que al final todo se decida por un par de votos.

Película: Corea, Japón, Hong Kong pueden alzarse con el ansiado Bambú de Oro. I Saw the Devil, la venganza interpretada hasta la última expresión, The Man From Nowhere, donde Won Bin borda su papel de solo ante el peligro, la poética mirada al vacío que desprende Poesía, el regreso de Kitano mal que le pese a unos pocos, Outrage. Son junto a la revelación de Sitges 2011, Confessions y las hongkonesas Bodyguards and Assassins y Dream Home, las que hasta el momento encabezan el listado a la mejor película.

Director: El tailandés Apichatpong Weerasethakul ha perdido fuelle en su lucha por el premio a la mejor direccion. Cinco son los nombres que más suenan a día de hoy. Los coreanos Lee Chang-dong (el 23 de Febrero sale a la venta Poesía), y Kim Ji-woon (por su magnífica I Saw the Devil). Los japoneses Tetsuya Nakashima (que acaba de ganar el premio como mejor director en los Premios de la Academia de cine de Japón) y Takeshi Kitano (por Outrage). Entre ellos se han colado los hongkoneses Pang Ho-cheung (con una Dream Home que está apretando fuerte en estos últimos días) y Wilson Yip (el director de orquesta de Ip Man 1 y 2).

Actor: Después del paso de Hyun Bin por la Berlinale, los actores coreanos están de moda. Si no lo remedia nadie, tres candidatos coreanos son los mejor colocados para disputarse el triunfo final: Choi Min-sik y Lee Byung-hun por su duelo interpretativo en I saw the Devil, además de Won Bin en la brillante The Man from Nowhere. Nick Cheung (The Stool Pigeon) y Beat Takeshi (Outrage) les siguen a distancia.

Actriz: La lucha en esta categoría se extiende entre Japón, Corea y Hong Kong: Yun Jung Hee, que encarna de forma magistral a Mija en la coreana Poesía, Takako Matsu (Confessions) y las jovenes Yeon-Hie Seo (Bedevilled) y Josie Ho (Dream Home), son las que mejor mantienen el pulso de cara a la semana final de votaciones.

Y así está la situación.
Buenas tardes, cineasiáticos y buena votación.

Enlaces relacionados:
Papeleta de Votación
I actualización de resultados
II actualización de resultados

Mirar al vacío: Poesía a la venta en DVD a partir del 23 de febrero

Título: Poetry-Poesía
Director:
 Lee Chang-dong

Guión: Lee Chang-dong
Con: Yun Jeong-hie, Lee Da-wit,
Ahn Nae-sang, Kim Hira.
Género: Drama

A pesar de su escasa filmografía, el director surcoreano Lee Chang-dong se ha convertido en uno de los más sagaces exploradores del género del melodrama en la actualidad. Sus películas se internan en los más profundos mecanismos emocionales del ser humano, indagan en sus debilidades y en sus miedos y lo enfrentan a lo insondable: a la pérdida, a la desolación, a la impotencia, al macabro destino. Sus historias son trayectos de largo recorrido que nos acercan a la fragilidad de unos personajes que deben asumir situaciones al límite, marcadas por la fatalidad y que devienen en auténticas pesadillas cotidianas.

Si en Secret Sunshine una mujer debía aceptar la pérdida de su hijo en circunstancias traumáticas, la anciana de Poesía, carga sobre sus hombros una angustia vital doble: por una parte sufre un deterioro físico irreversible ya que es diagnosticada de Alzheimer, y por otro, ha de asumir el desconsuelo de ver convertido al nieto que ha criado en un pequeño monstruo sin escrúpulos. Ambas mujeres ven cómo su mundo de repente se tambalea, deja de tener sentido y han de buscar un consuelo que las reconcilie consigo mismas. En el caso de la anciana Mija (Jeong-hie Yun), su tabla de salvación serán unas clases de poesía a las que se ha apuntado y en las que intenta descubrir si es capaz de abrir su alma y encontrar el elemento poético en su interior. Sin embargo, dentro de su mente sólo hay confusión. Mija iniciará un camino de búsqueda de la belleza dentro de un mundo hostil en el que no encuentra más que ingratitud y egoísmo. Ese itinerario, aunque profundamente tortuoso, será filmado por Lee Chang-dong a través de una cámara reposada, plácida, inundada de serenidad, luminosa. El director sitúa a su personaje en una cuerda floja constante. No sabemos en qué momento va a flaquear, si va a encontrar fuerzas para seguir adelante. La inestabilidad, el vacío más insondable, parece esperarle en cada esquina. Mija mira hacia el torrente de agua que pasa por debajo del puente donde se suicidó una compañera de colegio de su nieto. Cuánto dolor debe albergar una persona que toma la decisión de terminar con su vida de ese modo. A lo largo del film, Chang-dong perfila a través de trazos precisos a Mija, pero también a toda la pequeña sociedad de provincias que la rodea. Así, la búsqueda de significados trascendentes se alía con la disección mordiente de la hipocresía y la mezquindad humana.

Poesía se erige así como una obra poderosa, aparentemente sosegada y apacible, pero que esconde en realidad ríos de aguas turbulentas en su substrato. Chang-dong ha conseguido con cada película situar al espectador en un estadio moral frente a las imágenes que compone. Su estilo, zigzagueante entre el distanciamiento y la carnalidad de las emociones, provoca una turbación que impide que se desplieguen los elementos de la tragedia de la manera catártica a la que estamos acostumbrados. En ese sentido, Poesía supone un ejercicio de modulación dramática impecable. Y erige a su director, como un autor imprescindible de nuestro tiempo, de esos que, con una mirada o un espacio vacío, es capaz de cartografiar mapas de sentimientos humanos.

Características técnicas.
Idiomas: Coreano Idiomas (VO): Coreano  Sonido: Coreano dolby digital 5.1  Subtítulos: Castellano  Extras: Tráiler, Ficha artística, Ficha técnica, Filmografías destacadas Zona:Formato (pantalla): Panorámica 16/9 Formato (imagen): 1.85:1 Formato (DVD): Bluray 25 Duración: 133 Fecha (lanzamiento): 23/02/2011


Enlace de interés:
¿Quieres conseguir un dvd de Poesía?
Reportaje sobre la obra de Lee Chang-dong

Beatriz Martínez (Cahiers du Cinema)