jueves, 30 de diciembre de 2010

Dos por el precio de uno: Sunflower y Cruel Winter Blues

Seguro que después de ver The Man From Nowhere tienes ganas de saber algo más acerca de su director,  Lee Jeong-beom. En CineAsia hemos buceado nuestro fondo documental para rescatar la que en el 2006 se convirtió en la ópera primera del realizador coreano: Cruel Winter Blues. Y además os proponemos un programa doble, junto al Sunflower. El resultado no es tan adrenalínico como el film interpretado por Won Bin, pero si se trata de dos sólidos thrillers que apuestan por dotar de componente dramático a sus protagonistas. ¡Una buena recomendación para empezar el año! 

Sunflower

Año: 2006. Director:  Kang Seok-beom. Intérpretes: Kim Rae-won, Kim Hae-sook, Heo I-jae, Kim Byeong-wook, Kim Jeong-tae. Género: Drama / Thriller

Cruel Winter Blues
Año: 2006. Director: Lee Jeong-beom. Intérpretes: Seol Kyeong-gu,  Jo Han-seon, Nah Moon-hee, Yoon Je-moon. Género: Drama / Thriller

Dos películas de gángsters, donde la trama principal no se centra en la idiosincrasia de las mafias, sino que lo social y el melodrama son los puntos más relevantes de sus respectivos guiones. Además, ambos films tienen similitudes en su argumento: los protagonistas están envueltos en círculos gangsteriles, ambos experimentan por primera vez algo parecido al amor de una madre, aquélla que nunca tuvieron y, además, estas mujeres regentan un restaurante para ganarse la vida. También, en ambos films, parece como si los directores quisieran salirse de las reglas de una típica película de gángsters, usando el amor de la familia como principal motor de la trama. En Sunflower, Tae-sik intenta convertirse en un nuevo hombre tras salir de la prisión. Así, comienza una nueva vida junto a Duk-ja, una mujer de mediana edad que siempre lo ha tratado como a un hijo. Tae-sik intenta cumplir sus promesas de no beber y no pelear, pero las mafias locales se lo pondrán difícil. En Cruel Winter Blues, el gángster Jae-moon viaja a una pequeña localidad para dar muerte a aquél que años antes asesinó a su mentor. Pero allí conocerá y entablará una relación con la madre de su futura víctima, que le hará cuestionarse su modo de vida.

Aún siendo prácticamente primeras películas de ambos directores (el director de Sunflower hizo previamente My Boss, my Student, una comedia muy lejos de la seriedad de este nuevo film), ambas cintas destacan por su sobriedad en la dirección, sus ajustados guiones y un plantel de actores imprescindibles, liderados por las dos mujeres que realizan el papel de madres, dos veteranas actrices (Kim Hae-soo en Sunflower y Nah Moon-hee en Cruel Winter Blues, y que recientemente hemos visto o podremos ver en Mother) que dotan a las dos películas de una credibilidad importante.

Lo mejor: El intento de alejarse del estereotipo de películas de gángsters y buscar algo más que luchas de bandas. Las dos actrices que actúan en el papel de las madres están soberbias.

Lo peor: Quizá la marcada tendencia coreana al drama y a la ‘no redención’ final.

De Gloria Fernández

The Man from Nowhere (Corea del Sur, 2010)

De nuestro colaborador Francisco Nieto


Año: 2010
País: Corea del Sur
DirectorLee Jeong-beom 
Duración: 119 m.
Género: Thriller
Protagonistas: Won Bin, Kim Sae-ron, 
Kim Tae-hoon, Kim Hee-won, Lee Jong-pil.

Más información:

Sinopsis: El ex-agente especial Cha Tae-shik vive retirado en un edificio donde trabaja de prestamista. Su única amiga es una niña desatendida por su madre, bailarina y cocainómana. La pequeña sufrirá las consecuencias de la mala vida de su madre cuando ésta decida robar un alijo a una banda de traficantes y ambas sean secuestradas. Los hermanos que están a cargo de la Organización, que no sólo trafica con drogas, prometen liberar a madre e hija, si Tae-shik realiza un trabajo para ellos.

Crítica:

El film crece a medida que su personaje va mutando de pacífico y solitario prestamista a enfurecido y sanguinario vengador. Se ha querido comparar este film al francés El Profesional, de Luc Besson, principalmente por la relación de amistad que el protagonista mantiene con la pequeña Jeong So-mi (Kim Sae-ron, vista en A Brand New Life), y aunque sí pueda admitirse cierta semejanza en el desarrollo de la trama, hasta ahí puede llegar el parentesco, porque The Man from Nowhere destila fuego y rabia en cada fotograma, acercándose mucho más a títulos como OldBoy o A Bittersweet Life.

Desde los títulos de crédito quedas atrapado por una historia que sabe desarrollar a la perfección sus diversas subtramas, dotando a cada personaje de entidad propia, por muy secundario que sea, y reservándonos altas dosis de violencia gráfica y realismo que rayan a gran altura. En definitiva, un título de culto instantáneo que no dejará insatisfecho a nadie. 
Pura adrenalina. Así podríamos definir sin rodeos este torbellino, tan violento como disfrutable, que es The Man from Nowhere. Filmada por Lee Jeong-beom, en la que es su segunda película tras Cruel Winter Blues (film de 2006 que hay que recuperar con celeridad), el director nos regala un estimulante ejercicio dramático salpicado con algunas de las mejores escenas de acción rodadas en el cine coreano en el último lustro (en este sentido el tramo final es simplemente apabullante). Sería injusto no destacar la labor de su intérprete principal, Won Bin, quien ya demostró hace un año su versatilidad como actor en Mother, de Bong Joon-ho, y que aquí hace alarde de una multiplicidad de registros encomiable.

Lo mejor: Todo. Da gusto ver cómo los coreanos han vuelto a cogerle el pulso al thriller violento tipo OldBoy.
Lo peor: Espero equivocarme, pero difícilmente llegará a estrenarse en nuestras salas.

viernes, 24 de diciembre de 2010

10 FIFM - Festival Internacional del Filme de Marrakech

10 FIFM - Festival Internacional del Filme de Marrakech
(Del 3 al 11 de Diciembre 2010)

El Festival de Marrakech, que celebraba su décimo aniversario este año, contaba con Maggie Cheung  como presencia asiática en un jurado presidido por John Malkovich.

Sección Oficial

En la selección oficial en competición se encontraban 4 películas asiáticas entre las 15 que iban a concurso.
De hecho la película coreana The Journals of Musan, ópera prima de Park Jungbum – que a la vez es el intérprete principal-, se alzó con el máximo galardón, la Estrella de Oro. Jeon Seung-chul tiene muchas dificultades para encontrar trabajo en Seúl, porque su DNI delata que proviene de Corea del Norte. Pega afiches en las paredes de la ciudad de forma ilegal y trabaja en un karaoke para intentar sobrevivir. Pero las discriminaciones son múltiples y, como el perro errante que recoge un día, es un marginal que intenta hacerse un hueco – tanto profesional como personalmente – en la sociedad capitalista surcoreana. Como lo explicaba el director, la llegada de tránsfugas de Corea del Norte es uno de los mayores problemas de la sociedad en Corea del Sur actualmente.

Donor es la cuarta película de Mark Meily, cineasta filipino. Lizette vende DVD piratas en las calles de Manila. Frente a la presencia cada vez más fuerte de la policía, busca otra forma de ganarse la vida y decide vender uno de sus riñones en el mercado negro para poder tener suficiente dinero y huir de su país para instalarse en Dubaï. Filipinas es el tercer país más tocado por la donación de órganos después de China e India. Una cinta con momentos de humor y ligereza a pesar del trasfondo muy sórdido. El final es bastante bestia, en la línea del cine más transgresor de Brillante Mendoza, compatriota del director.

En Karma, del director de Sri Lanka Prasanna Jayakody, un chico – que se siente culpable de la muerte de su madre – decide huir de su familia e instalarse en un piso. Allí conoce a Amanda, una vecina con la que empezará a entablar amistad y que parece llenar el vacío existencial de su vida. Esta película está marcada por las influencias religiosas y filosóficas del director, un hombre muy inspirado por el Budismo.

Nº 89 Shimen Road, del director chino Haolun Shu –sobretodo conocido por sus documentales hasta ahora-, cuenta las aventuras y desventuras de Xiaoli, un adolescente de 16 años en la Shangai de finales de los años 80. Crece entre sus vecinos y su abuelo. Su mejor amiga Lanmi, un poco mayor que él, se aleja progresivamente de él, atraída por las nuevas posibilidades que se le ofrecen. Mientras tanto, China se abre de manera rápida a la economía de mercado. Los acontecimientos de 1989 apartarán a Xiaoli de sus sueños de adolescente y le obligarán a convertirse rápidamente en un hombre. Un viaje iniciático y una película generacional sobre una juventud perdida en una ciudad que se convierte cada vez más en un gigante.
           
Homenajes
Una de las personalidades homenajeadas este año era Kiyoshi Kurosawa, del que se proyectaban gran parte de su filmografía. El reconocimiento mundial del director japonés se hizo en 1997 con el estreno de Cure cuando llevaba más de 15 años dirigiendo. Su última película, Tokyo Sonata, ganó el Premio del jurado de la sección “Una cierta mirada” en el Festival de Cannes y está pendiente de estreno en nuestro país.

Masterclass

Lee Chang-dong fue uno de los tres directores elegidos para repartir una masterclass o, mejor dicho, entablar una conversación con los asistentes al Festival. Haciendo un repaso desde sus inicios con Green Fish hasta su última película, Poesía, presentada fuera de concurso, el director explicó cómo se metió casi como por casualidad en el mundo del cine, ya que su carrera profesional estaba en el mundo de la literatura. Habló un poco de cada una de sus 5 películas y explicó su concepción del cine analizando algunas escenas, así como su método de trabajo con los actores.

Martín Samper

Actores indios cambian Bollywood por Hollywood

Desde que la industria holywoodiense parece que ha decidido incluir a más actores y actrices indios y asiáticos en sus producciones, las estrellas establecidas en la India están buscando una carrera paralela en el Oeste. Anil Kapoor, a quién todos recordamos como maquiavélico presentador en Slumdog Milionaire, acaba de conseguir uno de los papeles principales en la próxima entrega de Misión Imposible: Mission Impossible-Ghost Protocol, dirigida por Brad Bird (Ratatouille, Los Increíbles), mientras que Irrfan Khan, quién ya trabajó junto a Angelina Jolie en Un Corazón Invencible, ya ha asegurado su participación en el próximo Spiderman y en el nuevo film dirigido por Ang Lee: Life of Pi.

Esta globalización no se limita tan sólo al elenco masculino, y así, Bipasha Basu, una de las actrices más cotizadas del cine indio, formará parte del plantel del nuevo film que en breves fechas empezará a rodar el oscarizado Rolan Joffé (Los Gritos del Silencio, La Misión), y que llevará el título de Singularity (basada en una historia de Ajey Jhankar). Todos estos actores y actrices se unirán a otros que, con mayor o menor fortuna, ya dejaron su granito de arena en la meca americana: Frieda Pinto en Conocerás al Hombre de tus Sueños; Dev Patel en The Last Airbender; o la guapísima Aishwarya Rai en la segunda parte de La Pantera Rosa.

Desde CineAsia os proponemos un juego. ¿Podríais decírnos nombres de actores y actrices indios que hayan dado o vayan a dar el salto a Hollywood? Como por ejemplo: Shahrukh Khan en la próxima película de Paul Schrader, Xtrme City. Un, dos, tres, responda otra vez...

De nuestro colaborador: Francisco Nieto

jueves, 23 de diciembre de 2010

Keanu Reeves y Christian Bale estrellas orientales

Dos actores norteamericanos instalados en el star-system, Keanu Reeves y Christian Bale parece ser que se han fijado en el lejano Oriente para encaminar sus próximos proyectos profesionales: por un lado Keanu Reeves será el protagonista de la nueva versión de 47 Ronin, film basado en hechos reales dirigido por Kengi Mizoguchi en 1941 y que nos explicaba la historia de unos samurais que vengaban la muerte de su maestro en el Japón del siglo XVIII. En esta ocasión se trata de occidentalizar el producto, por lo que se cuenta con la dirección de Carl Rinsch y la adaptación del guión de Chris Morgan (Wanted, Fast and the Furious: Aún más rápido).

Por otro lado, ha saltado la noticia de que Christian Bale va a encabezar el reparto de la última producción de Zhang Yimou, que llevará el título de Nanjiing Heroes, una nueva vuelta de tuerca a la masacre que tuvo lugar en esta ciudad en el año 1937, después de que las tropas japonesas ocuparan la que entonces era capital de China y murieran más de 300.000 personas. Bale encarnará a un sacerdote estadounidense que ayuda a numerosas personas a escapar de la muerte. El propio realizador y Liu Heng firman el guión de este largometraje que comenzará a rodarse en enero de 2011 y cuyo presupuesto será de unos 90 millones de dólares. El año pasado ya  pudimos disfrutar de la multipremiada Ciudad de Vida y Muerte, de Lu Chuan, donde ya se explicaba de manera harto realista y cruda esta misma tragedia.

De nuestro colaborador: Francisco Nieto.

martes, 21 de diciembre de 2010

Lista de nominados para la 34º edición de los premios de la Academia de Cine japonesa

En esta semana se han dado a conocer los nominados a los próximos premios de la Academia de Cine japonesa, que se otorgarán en Tokio el próximo viernes 18 de Febrero. En esta nueva edición, se ha querido buscar una fórmula parecida a los Oscars de Hollywood y a los Premios de Cine Europeo, por lo que se han anunciado cinco finalistas por categoría.

Si echamos un vistazo a los nominados, veremos cómo hay un grupo de películas que copan la mayoría de categorías, con 13 Assassins de Takashi Miike y Confessions de Tetsuya Nakashima a la cabeza (ambas ya pudieron ser degustadas en el transcurso del pasado Festival de Sitges, con lo que podemos apreciar el buen ojo que tienen los programadores de la sección Casa Asia del Festival). Otros films con posibilidades de llevarse algún que otro reconocimiento son: A Lone Scalpel de Izuru Narushima, un drama hospitalario basado en la novela Kokou no Mesu escrita por el doctor Toshihiko Oogane, donde un joven doctor, que ha decidido dedicarse a la medicina a causa de un diagnóstico erróneo que acabó con la vida de su madre, se enfrenta a un sistema médico bastante defectuoso; Villain, de Lee Sang-il, la historia de un chico, con un oscuro pasado, que se hace cargo de sus  abuelos en un decadente pueblo de pescadores cerca de Nagasaki; Younger Brother, el nuevo film del venerado Yoji Yamada (El Ocaso del Samurai, Love and Honor), una nueva vuelta de tuerca a las relaciones familiares con una historia en la que dos hermanos de caracteres opuestos deberán hacerse cargo del negocio familiar a la par que pugnan por el amor de la esposa de uno de ellos.

En el apartado de animación encontramos películas tan recomendables como Colorful, donde a partir de una excusa fantàstica, la reencarnación de un joven, se adentra en la vida de un adolescente japonés para hablarnos del contexto que le rodea, con temas como la marginación escolar o la incomunicación familiar; o bien las últimas aventuras llevadas al cine de Doraemon, Eiga Doraemon: Nobita no Ningyo Daikaisen o Detective Conan: Meitantei Conan: Tenkuu no Lost Ship.

Estas son las principales categorías y sus respectivas nominaciones:

Mejor película:

Villain (Akunin)
Younger Brother (Otouto)
Confessions (Kokuhaku)
A Lone Scalpel (Kokou no Mesu)
13 Assassins

Mejor película de animación:

Colorful
Karigurashi no Arrietty
Eiga Doraemon: Nobita no Ningyo Daikaisen
Meitantei Conan: Tenkuu no Lost Ship
One Piece Film: Strong World

Mejor director:

Tetsuya Nakashima (Confessions)
Izuru Narushima (A Lone Scalpel)
Takashi Miike (13 Assassins)
Yoji Yamada (Younger Brother)
Lee Sang-il (Villain)
Mejor guión:

Masato Kato (A Lone Scalpel)
Daisuke Tengan (13 Assassins)
Tetsuya Nakashima (Confessions)
Yoji Yamada / Emiko Hiramatsu (Younger Brother)
Shuichi Yoshida / Sang-il Lee (Villain)

Mejor actor:

Tsurube Shofukutei (Younger Brother)
Shinichi Tsutsumi (A Lone Scalpel)
Satoshi Tsumabuki (Villain)
Etsushi Toyokawa (Sword of Desperation)
Koji Yakusho (13 Assassins)

Mejor actriz:

Shinobu Terajima (Caterpillar)
Eri Fukatsu (Villain)
Takako Matsu (Confessions)
Hiroko Yakushimaru (A Good Husband)
Sayuri Yoshinaga (Younger Brother)

Mejor actor secundario:
Renji Ishibashi (A Good Husband)
Akira Emoto (Villain)
Masaki Okada (Villain)
Masaki Okada (Confessions)
Koji Kikkawa (Sword of Desperation)

Mejor actriz secundaria:

Yu Aoi (Younger Brother)
Kirin Kiki (Villain)
Yoshino Kimura (Confessions)
Yui Natsukawa (A Lone Scalpel)
Hikari Mitsushima (Villain)

De nuestro colaborador: Francisco Nieto

Nuevo proyecto del Studio Ghibli

El Studio Ghibli ha anunciado el que va a ser su nuevo proyecto cinematográfico que se estrenará en las carteleras japonesas el próximo verano de 2011. Bajo el título de Kokuriko Zaka-Kara nos explicará la historia de una adolescente que crece en Yokohama a principios de la década de los 60 (concretamente en el año 38 del período Showa), que tras perder a su padre en un accidente marítimo y a su madre, corresponsal de guerra, a causa de una bala perdida, descubrirá el amor al sentirse atraída por dos compañeros de clase, un reportero del diario de su escuela y el presidente del consejo estudiantil de la misma.

Será la segunda película en el haber de Goro Miyazaki, hijo del idolatrado Hayao Miyazaki que ya debutó en Ghibli con la irregular pero atractiva Cuentos de Terramar (Tales from Earthsea). Por cierto, la cantante Aoi Teshima, quien ya compuso la canción principal del primer film de Goro, repetirá de nuevo en esta ocasión. Se rumorea que Hayao Miyazaki participará en el guión del film, con lo que se zanjaría cualquier tipo de polémica en cuanto a la decisión de Hayao de no participar en los proyectos dirigidos por su hijo.

La película Kokuriko Zaka-Kara está basada en el popular shojo-manga (manga dirigido al público femenino) creado por Chizuru Takahashi y Tetsuro Sayama publicado en 1980.

De nuestro colaborador: Francisco Nieto

lunes, 20 de diciembre de 2010

Hablamos con: Kiyoshi Kurosawa

Nacido en Hyogken (Kobe) hace ahora cincuenta y siete años, la obra de Kiyoshi Kurosawa nos presenta la dualidad entre el mundo tecnológico y el natural, donde la irrupción del primero, sinónimo de distanciamiento y deshumanización, se desvanece bajo un mar negro, furioso e implacable. Tras el lanzamiento en nuestro país de Kairo (Pulse), y después de la aparición en formato doméstico y de la mano de Mediatres, de su cinta Cure (1997): una de sus obras imprescindibles para acercarnos al decálogo temático y artístico de este genial director, llega ahora su última obra: Tokyo Sonata (2008), un canto a la vida en clave de realismo social, que parece alejada del universo previo de su realizador, aunque la verdad es que el director nos habla de sus mismas constantes, aunque utilizando un lenguaje diferente.

Para entender un poco más acerca de la filmografía de Kurosawa rescatamos la entrevista que CineAsia mantuvo con él durante su estancia en Sitges-2006, para presentar su última obra, Retribution.

CineAsia: ¿Es ésta su primera vez en España?

Kiyoshi Kurosawa: La verdad es que sí. Es mi primera vez en un festival como el de Sitges, y también mi primera vez en España.

CA: La mayoría de sus films acaban con el Apocalipsis, ya sea personal, en algunos casos, o de la sociedad en otros. ¿Por qué? ¿Es su visión de la vida tan pesimista como parece?

KK: Personalmente no soy pesimista, la verdad es que soy más bien optimista. Quizá sea mi visión positiva de la vida lo que se refleja en mis películas: quiero que el protagonista experimente o se enfrente a un mundo extremo, para poder valorar dónde se encuentran los límites de nuestra sociedad. Como si se tratara de un desafío, y siempre, dado mi optimismo, creo que mis protagonistas son capaces de aguantar cualquier situación a la que se enfrenten en este mundo donde la crueldad y las diferencias imperan. De hecho mis finales son abiertos, no procuro pronunciarme…

CA: En un documental acerca del rodaje de su película Bright Future venía a decir, refiriéndose al tema central unificador de sus películas, que no existe tal tema principal, y que ésta es una de las características de sus films. ¿Qué nos puede decir al respecto?

KK: Antes de empezar a rodar mis películas nunca tengo un tema central definido. Lo único que tengo claro son unas cuantas claves que pretendo desarrollar a través del devenir de la historia. Muchas veces es el propio set de rodaje, mi experiencia con los actores, lo que va a influir en el resultado final. Una vez finalizado el rodaje, cuando contemplo el material, es cuando va adquiriendo forma el tema central que quería expresar.
(Kurosawa parece muy interesado en continuar explicando su experiencia) Muchas veces no va ser sino durante la promoción de mis películas, a la hora de realizar una entrevista, cuando este tema que ha estado latente no se hace evidente para mí. Rodar una película es un proceso muy interesante, pero también lo es charlar con la gente, ver las impresiones que a las personas les ha llegado a través de las imágenes.

CA: Refieriéndome concretamente a Kairo (Pulse), ¿qué opina de que uno de los verdaderos terrores a los que se enfrenta la sociedad moderna sea quedarse sin batería en el móvil?

KK: (El director asiente y sonríe tras escuchar la última pregunta) – Quizá sea cierto, hoy en día la gente cree que el móvil es el vehículo a través del que está conectado con otras personas. Al quedarte sin batería te sientes desconectado, como si el mundo se parara ahí. Es un tema contemporáneo, a pesar de que su raíz, la soledad, siempre ha estado presente.

CA: Durante los primeros años de su carrera, la mayoría de sus proyectos estaban destinados al mercado del vídeo, pero de un tiempo a esta parte, a raíz de los éxitos y prestigio conseguidos en festivales internacionales, sus películas se estrenan con regularidad en los mercados internacionales. ¿Le ha supuesto esto una mayor facilidad para conseguir financiación en su país? ¿Ha aumentado el grado de responsabilidad al hacer las películas?

KK: La verdad es que te llena de satisfacción saber que mis películas se estrenan fuera de mi país y pueden llegar a un mayor número de personas. Una de las películas que más me han ayudado a alcanzar este estatus es Cure (1997), un thriller a raíz del que, incluso la Academia Japonesa de cine, reparó en mi trabajo. Desgraciadamente, el tema financiero siempre es un obstáculo a la hora de encarar un proyecto. Tengo la fortuna de contar con unos cuantos productores que confían en mis trabajos y me dan la suficiente libertad creativa para desarrollar mis historias, y sé que esto no es fácil hoy en día. Como anécdota me gustaría comentar que muchas veces, cuando asistimos (se refiere a los directores japoneses más conocidos por el público occidental: Takashi Miike, el propio Kurosawa…) a festivales fuera de nuestro país, la mayoría de las personas se creen que somos verdaderas estrellas en Japón, pero la verdad es muy diferente. En Japón, tanto Miike como yo somos directores de culto, apartados del mainstream, y para nada populares. Así que cuando me preguntan cómo se encuentra la cinematografía japonesa, muchas veces no sé qué contestar…

CA: Particularmente me entusiasma el tratamiento de la luz y de los colores en sus películas, por ejemplo en Korei (Seance), hay una secuencia que acontece en un pasillo, y un rayo de luz penetra a lo largo de él, hasta mostrarnos el lugar donde está oculto uno de los protagonistas. Es un momento muy bello pero muy terrorífico a la vez. O el color rojo de la cinta en Kairo o del vestido en Retribution. ¿Podría contarnos cómo es su trabajo con la luz?

KK: Te agradezco mucho el ejemplo que has mencionado de Korei, porque es un detalle, que si bien yo soy consciente de que está ahí, muchas veces puede pasar desapercibido para el público. No creo que tenga una sensibilidad estética muy refinada o por encima de la media, pero siempre he considerado la luz como un elemento del lenguaje cinematográfico más, y por tanto, trato de cuidarlo al máximo. En cuanto al uso de colores vivos (rojo…), mis films no suelen tener colores muy marcados, casi están teñidos de un blanco y negro permanente, y utilizo los colores vivos para remarcar un acontecimiento, provocar la atención del espectador.

CA: Uno de sus fuertes, es la habilidad con la que combina un cine de género (más ligero o comercial) con el cine de autor. ¿Aprovecha el cine de género para introducirnos sus preocupaciones más metafísicas?

KK: (El director sonríe de nuevo y mientras descansa su cabeza en su mano comenta) – Muchas gracias por vuestra opinión, porque creo que es esta reflexión, la que quiero mostrar en mis películas. Comentaba antes que durante el rodaje, mis pensamientos están con los actores, con la luz, con el sonido… El tema quizá se encuentre sobrevolándonos a todos, aunque no se hace evidente. Es misterioso, como un truco de magia: a pesar de todo, el tema, o lo que quiero expresar, acaba estando presente en cada uno de los fotogramas una vez se termina el rodaje.

CA: Sus fantasmas son seres tristes, pero muy poéticos a la vez. En Kairo, eran personas que se iban alejando de la humanidad hasta convertirse en fantasmas. En Retribution cuando la persona es olvidada por los demás, se convierte así en un espectro. ¿Es buscado ese halo poético a la par que triste en sus personajes?

KK: A pesar de que desafortunadamente (sonríe) todavía no he visto a ningún fantasma, pienso que éstos tienen más de ser humano que de demonio. Así quiero tratarlos en mis películas, como si se tratara de la historia de una persona. Quizá debido a ello, y al carácter que le imprimen los propios actores, los fantasmas que aparecen en mis películas tienen esas características que los diferencian del resto.

CA: Como si representaran los males de la sociedad actual: la soledad, el asilamiento, el abandono…

KK: Es un proceso muy natural, hablando de la tradición japonesa, que los cuentos de fantasmas, reflejen aquellos temas polémicos de la sociedad. Es una metáfora, como si los propios humanos no se dieran cuenta de estos problemas, y tuvieran que ser los espectros los que los evidenciaran. En este sentido, el método que utilizo en cuanto a la composición de los fantasmas es muy tradicional de la cultura japonesa… Aunque no sé lo que pasaría si me encontrase un día cara a cara con un fantasma…

CA: Y para acabar, una última pregunta: Retribution vuelve a estar protagonizada por Koji Yakusho, actor con el que había trabajado anteriormente en numerosos proyectos. ¿Ve al actor como una especie de alter ego suyo en la pantalla? ¿Cómo es su trabajo con Koji?

KK: Casualmente Koji y yo pertenecemos a la misma generación, con lo que tenemos mucho en común y a compartir, sobre todo a la hora de valorar diferentes aspectos de la sociedad. Hay una cosa muy curiosa que me sucede con él, y es el hecho de que tras realizar películas, yo con otros actores, y él con diferentes directores, tenemos la necesidad de reencontrarnos. Necesitamos estar juntos. De ahí que nos unan más cosas que la típica relación director/actor. Y sí, quizá tengas razón en el hecho de que Koji sea mi alter ego en los films… y como, poco a poco, vamos envejeciendo, esto hace que nuestros protagonistas vayan cambiando a la par que nosotros cambiamos.

Muchísimas gracias, ha sido un verdadero placer…


Borja Elgea, para CineAsia

Tokyo Sonata: La insoportable levedad de vivir

Hay veces, que al entrar en una sala de cine se consigue establecer una conexión entre el espectador y la película que se proyecta, y que a razón de 24 imágenes por segundo, genera un universo donde ambos, espectador y film, habitan durante el tiempo mágico que los espectadores conocen como película. Este efecto que rara vez acontece, (por desgracia, al menos en mis últimas visitas al cine) me sucedió el pasado viernes en el cine Verdi Park, a partir de las 20:15, durante el visionado de Tokyo Sonata.

Mi historia con Tokyo Sonata se remonta al año 2006 cuando su director, Kiyoshi Kurosawa acudió al Festival de Cine de Sitges para presentar su última película, Retribution, a la par que recibía el premio de La Máquina del Tiempo por una carrera que ha buceado constantemente en el género fantástico. Una entrevista con él me permitió sospechar que su carrera, al menos formalmente, iba a dar un salto en su nuevo film. Cuando al Festival de Cannes anunció su nuevo proyecto en el 2008 todas las sospechas se confirmaron. Tokyo Sonata se había hecho realidad.

La soledad, el asilamiento, el abandono, la incomunicación, han sido temas recurrentes en la filmografía de Kiyoshi Kurosawa. Una película como Kairo (habitada por fantasmas) a pesar de su forma, no puede obviar su fondo para ser entendida como una metáfora de la sociedad en la que vivimos y el que puede ser su devenir más inmediato. Estos mismos temas están presentes en Tokyo Sonata, una composición que como dicta su definición musical, nos transporta hacia una pieza musical completa y que consta de tres o cuatro movimientos.

Desde la secuencia inicial en la que vemos el exterior de una casa japonesa desde una ventana semiabierta, y la entrada de una mujer en plano general que primero cierra la ventana, para poco después abrirla de nuevo, intentando que la lluvia moje su mano y que el exterior penetre en su mundo: un hogar japonés medio; hasta llegar a la secuencia final que muestra al hijo de la familia, Kenji interpretando "Claire de Lune" de la Suite Bergamasque de Claude Debussy en su audición,  Kurosawa dirige el film con una precisión casi arquitectónica. Un padre, abnegado en su trabajo, ejemplar en su sacrificio por la familia, que tendrá que convertir su mundo en una gran mentira, al ser despedido (el gigante chino emerge amenazante); el hijo pequeño, con su moral que no puede entender ni tan siquiera el profesor que debe formarle; el hijo mayor, ausente en su entramado familiar, ausente en el mundo laboral, que decide buscar su salvación en la salvación de los demás; y la madre, la gran madre japonesa, obediente, servicial, que espera, que aguarda… a la que todos acuden, pero a la que nadie ve.

Todos ellos iniciarán un viaje, una sonata, en ese Japón donde la tecnología avanza a pasos agigantados, donde facebook y twitter cabalgan sin dar tregua. Un viaje que parece sacado de la película de Fernando Fernán Gómez, y que llevará las vidas de estos cuatro personajes al borde del abismo. ¿No es ahí donde desgraciadamente se ven mejor las cosas…? Antes de perderlas para siempre…

Tokyo Sonata es una gran película. Un canto a volver a vivir. Un reset para que reiniciemos el programa. Nunca es tarde. Ni para el más pesimista de los directores. Ni tan siquiera para Kiyoshi Kurosawa.

Enrique Garcelán

jueves, 16 de diciembre de 2010

Arranca el Off Cinemart en Barcelona

Hoy arranca en Barcelona una de las iniciativas más interesantes dentro del panorama de festivales nacionales. Cogiendo el relevo del BAFF, nace Cinemart, en un intento por descubrir una serie de films inéditos en nuestras pantallas, pero de una calidad artística envidiable.

Cinemart 2011 es la primera edición del Festival Internacional de Cine de Autor de Barcelona, que se celebrará en la primavera del 2011, del 28 de abril al 5 de mayo. Durante diez días, Cinemart presentará  en los cines Aribau y la nueva sede de la Filmoteca de Cataluña, una panorama internacional del mejor cine de autor. La consigna es potenciar lo más destacado de la creación fílmica contemporánea aunando autores consagrados y nuevos talentos. Además se quiere dar visibilidad al cine que no encuentra espacio en la cartelera después de haberse presentado en festivales y, por encima de todo, atraer a un público deseoso de ver audiovisual independiente en versión original. "Habrá 40 largometrajes de directores europeos, asiáticos y sudamericanos, pero también autoría catalana y española porque en Cataluña muchos directores no encuentran espacio para presentar sus obras", afirma el director de la iniciativa, Carlos Ríos.

Off Cinemart es un avance del festival. Durante cuatro días de diciembre, del 16 al 19, en los cines Verdi Park de Barcelona, Off Cinemart ofrecerá una previa en al que tendrán cabida filmes de autores consagrados, interesantes óperas primas que están sorprendiendo al público y la crítica, y otras películas premiadas en festivales internacionales.

La última película del nipón Kiyoshi Kurosawa, Tokyo Sonata, que puede sorprender a los seguidores del director porque le aleja del cine de género que ha marcado su carrera, pero en el fondo sigue tratando las mismas temáticas que impregnan su obra: la incomunicación, el cuestionamiento de las apariencias, el hundimiento de una realidad que parecía sólida, la parte oscura del alma, la inglesa Sound of Noise, que triunfó en su proyección en la sección Nuevas Visiones en el Festival de Sitges además de llevarse el premio del jurado joven de la Semana de la Crítica en Cannes, sorprende con fuerza por su trabajo sobre la partitura, su originalidad en la trama, su desparpajo visual y su portentoso sentido del humor.

Siete films que podréis ver a lo largo de cuatro días en los cines Verdi de Barcelona. Bienvenidos a Off-Cinemart.

Para más información: Cinemart

Box office Japón 10-12 Diciembre: Murakami se estrena en la cartelera

Pocas entradas y cambios en general esta semana en la cartelera japonesa. La primera parte de la última entrega de las aventuras de Harry Potter ha arrebatado el podio de honor a la superproducción  japonesa Space Battleship Yamato, que se tiene que conformar con una segunda posición, eso sí, a años luz de sus perseguidoras. Esta versión en imagen real del mítico anime de Leiji Matsumoto y Noboru Ishiguro ha sido recibida con entusiasmo por crítica y público, alabando sobremanera su puesta en escena y sus dinámicas secuencias de acción, aunque se le haya criticado un poco su parecido en algunos pasajes con la nueva adaptación de Star trek llevada a la gran pantalla el pasado año por J.J Abrahams.

El estreno japonés más remarcable de nuestro top se coloca en tercera posición. Se trata de Norwegian Wood, la adaptación que se ha hecho para el cine de la celebérrima novela Tokio Blues del escritor japonés Haruki Murakami. Veremos que tal funciona en taquilla esta historia de amor a tres bandas interpretada por Rinko Kikuchi (Mapa de los Sonidos de Tokyo), Kenichi Matsuyama (Death Note) y Kiko Mizuhara, en el que es su debut en la gran pantalla.

En cuarta posición encontramos la única producción de la Shochiku incluída en el top: Abacus and Sword, la historia de un prestigioso contable y hábil matemático que pertenece a la octava generación de la pudiente familia Inoyama, que tiene la desgracia de observar desde una posición privilegiada el progresivo declive económico de dicha familia. Un nuevo drama samurai dirigido por Yoshimitsu Morita (Copycat Killer). La parte noble de nuestro top la cierra la recién estrenada Robin Hood de Ridley Scott y Russel Crowe.

Ya en sexto lugar hallamos el anime Bleach the movie: the Hell Verse, cuarto largometraje que se realiza de este famoso manga que pronto va a cumplir una década. Para celebrar el estreno del film, se regaló  a los espectadores un completo libro que incluía un manga, el diseño de personajes, el arte de los posters de la película y una entrevista al director (más o menos como ocurre aquí en España). Dos películas japonesas de las que ya hablamos en su día y que siguen aguantando el tirón son SP The motion Picture, que baja de la quinta  a la séptima posición y Ghost, que hace lo propio en su quinta semana en cartel de la séptima a la octava. En el penúltimo lugar del ranking encontramos otro estreno americano: Killers, con Ascton Kutscher y Tom Selleck, y cerrando la lista otro anime más: Heartcatch Pretty Cure!! Fashion and adventure in Paris, reservado para acérrimos de estas “magical girls” producidas por la Toei Animation.

De nuestro colaborador: Francisco Nieto

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Just Another Pandora's Box (Hong Kong, 2010)

De nuestro colaborador Francisco Nieto

Año: 2010
País: Hong Kong
Director: Jeffrey Lau
Duración: 100 m.
Género: Comedia
Protagonistas: Ronald Cheng, Su Li,
Athena Chu, Eric Tsang, Gillian Cheung
Sinopsis: La historia nos muestra a un ladronzuelo de poca monta transportado en el tiempo hasta una época de conflictos y batallas en la que la búsqueda de la caja de Pandora tiene mucho que ver. Aparte de los enredos bélicos, también hay tiempo para el amor, con un triángulo algo peculiar entre nuestro protagonista y dos mujeres que esconden algún que otro secreto. Pero esta es la excusa para una sucesión de gags a cual más hilarante.

Crítica: Este es un claro ejemplo de como el cine oriental, y más concretamente el cantonés sabe reírse sin sonrojo de su propia filmografía más reciente. Los títulos más emblemáticos y exitosos de esta cinematografía son aquí triturados sin piedad en un homenaje a la parodia más extrema. Red Cliff, La Casa de las Dagas Voladoras, CJ7 (film con Stephen Chow estrenado en España directamente en formato DVD) o la animada Kung Fu Panda sirven de excusa perfecta para deshilvanar una historia que nunca puede llegar a tildarse de trama. Este desternillante y descacharrante film podría haber estado firmado sin ningún tipo de problemas por los ínclitos Jim Abrahams y David Zucker, aunque quien aquí haya puesto la cámara sea Jeffrey Lau, uno de los directores chinos que más han hecho durante décadas por el entretenimiento en la gran pantalla, con títulos tan característicos como Mahjong Dragon, Fist of fury o Kung Fu Hustle, (en este caso como productor) inusualmente estrenada en nuestras pantallas hace unos años aunque con un doblaje deplorable. 


El mismo Lau dirigió en la década de los 90 un film que llevó por título A Chinesse Odyssey, dividido en dos partes: Pandora´s box (de ahí el nombre de esta podriamos llamar secuela) y Cinderella, con el mismísimo Stephen Chow de protagonista. Aquí el héroe de la función es Ronald Cheng, que se atreve incluso a trasvestirse para emular a Zhang Ziyi, flanqueado por las guapísimas Sun Li (Fearless) y Gigi Leung (Mighty baby). También destacar la presencia en roles más secundarios de los siempre eficaces Eric Tsang (en qué pelicula hongkonesa no asomará este hombre) y Gilian Chung (en su primera aparición en el cine tras el escándalo de las fotos de Edison Chen). En definitiva, un auténtico desparrame que hará las delicias de los amantes de la carcajada fácil, aunque en ocasiones sea muy difícil entender todo el desbordante torrente de referencias e imitaciones que se nos muestra.

Lo mejor: Sin duda el gag que ironiza sobre la posible construcción del “Nido de pájaro” de Pekín que albergó los pasados Juegos Olímpicos. Tronchante.

Lo peor: Muchos de los dobles sentidos que aparecen en los diálogos son incomprensibles para el espectador occidental.