domingo, 30 de octubre de 2011

Día uno en el Salón del Manga: Sábado 29 de Octubre. Yo sobreviví a JYJ

Empezar el salón un sábado es todo un presagio de lo que se te viene encima. Empezar el salón sabiendo que un grupo de K-pop coreano, JYJ aterriza a primera hora en la sala de actos para dar una rueda de prensa, seguida de una mini actuación, es ya la puntilla definitiva para entender que el día iba a ser muy movidito.

Gente haciendo cola desde las dos de la madrugada en La Farga de l'Hospitalet de procedencia tan diversa que ni en una mitin de la Unión Europea (desde Vic hasta Francia, Portugal, Europa del Este, Málaga o Gibraltar), esperando para entrar los primeros, poder ver a sus idols y acto seguido emprender una loca carrera para poder asistir a lo que sería el aperitivo del concierto que el grupo coreano ofrecía ayer por la noche en el Pueblo Español.

No puedo profundizar mucho en la rueda de prensa que ofreció el grupo coreano. Por suerte o por desgracia me tocó quedarme en el stand de CineAsia, pero si queréis tener más información os recomiendo la entrada que han dedicado desde el blog de El Pozo de Sadako (que siguieron al grupo durante los dos actos de la jornada en el Salón). Sólo comentar la especial ilusión que nos hizo reencontrarnos con varias de nuestras alumnas del curso que ofrecimos en la UMA la semana pasada dentro de los actos de la Semana de Corea, que han viajado a Barcelona para asistir al concierto de JYJ y que también asistieron a la rueda de prensa del grupo.

El día en el Salón fue de lo más distraído: a primera hora ya perdimos la noción del número de fotografías que los fans se habían hecho junto al poster de Kazunari Ninomiya (protagonista de Gantz, además de ser uno de los líderes del grupo Arashi). La primera venta del día, parecía sacada de la Zombiewalk de Sitges: un aficionado al mundo zombie, por segundo año consecutivo, se llevó del stand todas las películas de temática zombie aparecidas en el mercado, evidentemente el año pasado se llevó La Horde (versión francesa) y este año completó la colección con La Horda (versión española).

Pero sin duda ha sido un título el que ha destacado por encima de todos, y ese no es otro que el de Gantz: la epopeya fantástica de un grupo de personajes cuya misión es la de salvaguardar el mundo de los aliens, se ha convertido desde el primer momento en el título más vendido, a la par que ha sido nominado por el blog Ramen para Dos como una de las mejores novedades presentadas en el Salón. Completan el box office del primer día:

1. Gantz 2. Crows. 3. 13 Asesinos. 4. Crows 2. 5. La Horde. 6. Yamato. 7. The Unjust (ganador del premio Casa Asia en Sitges 2011). 8. Soy un Cyborg. 9. The Chaser. 10. Confessions.

La recomendación: si vais a visitar el salón y os gustan las camisetas “molonas” no dejéis de ir al stand de “Annexia T-Shirts” (presentes también en el Festival de Sitges, para los que visitarais el festival): vais a alucinar. Y si os gusta Gantz, Arriety, Ichi de Killer, Akira o Godzilla, seréis realmente felices.

Nos vemos en el Salón.

viernes, 28 de octubre de 2011

El decálogo del comprador del stand de CineAsia en el XVII Salón del Manga

¿Estaré soñando? Parece mentira, todavía notaba como el sol me achicharraba la cara en la playa de San Sebastián de Sitges…, hasta que me ha dado por mirar a través de la ventana y ver la lluvia que está cayendo en Barcelona. Consultadas las previsiones meteorológicas para el fin de semana, la cosa parece mejorar, aunque no estará de más añadir un paraguas al kit del visitante del Salón del Manga. Últimas noticias: viernes 7:25 de la mañana y sigue cayendo agua en Barcelona (si esto no para voy a tener que hablar seriamente con el hombre del tiempo de TV3... me han dicho que acepta sobornos).

Un año más volvemos con todos vosotros al Salón del Manga. Sin ánimo de establecer una normativa sobre las visitas de los cineasiáticos al stand que tendremos instalado en La Farga de L’Hospitalet, hemos pensado en un decálogo para que así tengáis la oportunidad de incumplir los puntos uno a uno…

Empezamos.

Primero. Para llegar al Salón, lo mejor es que te encuentres cerca de L´Hospitalet. Parece una tontería, pero si en estos momentos te encuentras en Dubai o de vacaciones en Estambul, lo mejor es que no te hagas muchas ilusiones. El Salón se despide este año de su alojamiento en la Farga de L´Hospitalet… muy cerca del centro de Barcelona. Para llegar: o bien coges el coche (te aconsejo que te armes de paciencia para encontrar aparcamiento, en el caso de que no quieras pagar el parking) o bien cojas la Línea 1 del metro, Paradas Rambla Just Oliveras / Avinguda Carrilet y sigas al número indefinido de personas que verás disfrazadas. ¡No tiene pérdida!

Segundo. ¿Dónde encuentro el stand de CineAsia? Este año lo tienes fácil. Sólo tienes que preguntar dónde se encuentra el mayor tótem de Gantz del Salón, con el rostro de Kazunari Ninomiya (Arashi) en primer plano. Si con esta referencia no tienes suficiente, busca el stand de la Cruz Roja… Este año han situado el stand de la Cruz Roja a nuestro lado por si las moscas: desmayos, etc… de fans del grupo Arashi tras hacerse la foto con su idol.

Tercero. No hables con los responsables del stand de los horarios del Salón... son muy susceptibles. Prácticamente nos quedamos a vivir en el stand durante los cuatro días de duración: Adjunto datos que lo confirman:
Sábado 29 de octubre: de 10:00 a 21:00 h.
Domingo 30 de octubre: de 10:00 a 21:00 h.
Lunes 31 de octubre: de 10:00 a 21:00 h.
Martes 1 de noviembre: de 10:00 a 20:00 h.

Cuarto: ¿Qué comprar en el stand de CineAsia? Si eres aficionado al cine asiático marca en tu agenda una cita en el Salón del Manga este fin de semana. Dentro del stand de CineAsia podréis encontrar una gran variedad de dvd's de importación con una selección de los mejores títulos asiáticos del año (entre los que no pueden faltar títulos como A Bittersweet Life, The Unjust (Premio Casa Asia en el pasado Festival de Sitges), Outrage de Takeshi Kitano, así como una nutrida selección de productos asiáticos editados por distribuidoras españolas (Selecta Visión, Versus, Cameo, Karma Films, Mediatres Estudio,  Avalon y Asian Trash Cinema). Además, contaremos con presencia de dvds fantásticos no-asiáticos, para aquellos que queráis encontrar las últimas novedades dentro de terreno fantástico, como por ejemplo La Horda (que aaba de salir al mercado español), The Kingdom, o The Walking Dead. Todas ellos a unos precios muy económicos, y con una selección de ediciones de coleccionista.

Quinto. Los samuráis estarán presentes en el XVII Salón del Manga: exposiciones, charlas, montajes audiovisuales… En el stand de CineAsia lo harán de un modo muy especial. Con la presencia de uno de los grandes éxitos de Takashi Miike: 13 Asesinos (estrenada con enorme éxito en la cartelera española), y que podrás encontrar tanto en DVD como en Bluray.

Sexto: ¿Te gustaría conocer Japón más a fondo… a pesar de que nunca los has visitado? ¿Te gustaría recordar tu viaje al país del sol naciente? En CineAsia queremos ponértelo fácil. "Soñar con Japón" es un libro de fotografía especial en su género: ha sido creado pensando en la gente que disfruta con la cultura japonesa y con Japón como país. Los autores son conocidos bloggers que viven en Japón y escriben para la blogosfera en castellano. El contenido del libro ha querido presentar las visiones de los autores como individuos, como personas que viven en un entorno que no conocían (ya que todos procedían de Europa) y que se han adaptado al estilo de vida japonés y lo disfrutan en su vida cotidiana.

Séptimo. Participa en los sorteos diarios que tenemos preparados. Cada día puedes optar al Premio CineAsia. Cada día sortearemos tres entre todos las compras realizadas en el stand. Desde películas, entradas de cine, libros, revistas o pósters de tus películas favoritas. Y para mayor facilidad, este año además de colgar en el stand los números ganadores, los publicaremos en el blog, twitter y redes sociales.

Octavo. Este año celebramos el día Gantz. Gantz es uno de los acontecimientos del Salón del Manga. El dvd de la primera película acaba de salir a la venta en toda España. Por eso queremos que disfrutes al máximo de la película. Desde el sábado 29 de Octubre, podrás comprar la película (con un precio especial para el Salón), llevarte un póster de regalo e inmortalizar el momento haciéndote una foto junto con tu actor favorito en el stand de CineAsia. ¿Increíble, verdad?

Noveno. Puede que con lo dicho hasta el momento te haya picado la curiosidad, y quieras conocer en detalle todas y cada una de las más de 300 películas que podrás encontrar en el stand: su sinopsis, el cartel, el año de producción... y sobre todo su precio. Aquí tienes el book de CineAsia con todos los detalles que quieres saber.

Décimo. No te gastarás todo el dinero en el stand de CineAsia.

Si quieres vivir un Salón del Manga cineasiático, cada día, desde el viernes 29 de Octubre al martes 2 de Noviembre, nos encontraréis en horario de mañana y tarde.

¡Nos vemos en La Farga de L’Hospitalet!

jueves, 27 de octubre de 2011

Sitges 2011: Dia 6: Martes 11 de Octubre: La vida te da sorpresas...

A pesar de las expectativas creadas por la selección de Sitges 2011, siempre hay alguna película escondida en la programación que al final acaba seduciendo al público, para convertirse en la revelación de certámen. Este año el honor le correspondió a una película indonesa con nombre de insecticida, The Raid (firmada por Gareth Evans, el realizador que el pasado año había presentado Merantau en el festival, un film de estructura muy similar a Ong Bak).

The Raid, una adrenalínica propuesta que contiene el mayor número de “leches” por metro cuadrado desde Flash Point, fue recibida por los asistentes a su primer pase en el Retiro con gran expectación, ganándose al público desde los fotogramas iniciales (la tensa llegada de un grupo de policias armados hasta las orejas al edificio donde se esconde uno de los capos mafiosos más letales del país). No recuerdo el número de aplausos que cosechó el film, pero sí puedo decir que me costaría remontarme a la anterior película que los obtuvo. ¿Ong Bak, quizás? Consecuencias: en varias horas se agotaron las entradas para su siguiente pase, el público no se cansaba de preguntar en el stand de CineAsia si disponíamos ya de la película de importación (Merantau se agotó ese mismo día), y lo que es más curioso: la mayor parte de la prensa se la perdió… por aquello de que ese día tocaba hablar de Melancholía (un excepcional film, dicho sea de paso, de uno de los grandes directores de cine que por desgracia padece de incontinencia verbal).

Para digerir las emociones vividas en The Raid, el resto de la jornada lo dedicamos a comentar la jugada por los alrededores de la playa de San Sebastián, a la vez que preparábamos el Sitges Forum que a partir de las 15:30 íbamos a mantener con el trío de directores coreanos presentes en el festival: Ryoo Seung-wan (que formaba parte del Jurado Oficial, y que al final se alzaría con el premio Casa Asia por The Unjust), Im Pil-sung (realizador de las fantásticas Antartic Journal y Hansel & Gretel, y que formaba parte del Jurado Casa Asia), y por último Na Hong-jin (que presentaba en la Sección Oficial The Yellow Sea, película por la que obtendría el premio al Mejor Director). El encuentro, que se prolongó a lo largo de 1 hora y media, resultó de lo más interesante, desgranando la situación de la industria cinematográfica en Corea, la situación de la piratería (empiezan a preocupar y mucho las descargas del público coreano), la cuota de pantalla, el control de las distribuidoras… A lo largo del año publicaremos un especial que recogerá todo lo que se comentó en esta cita.

Pero todavía quedaba una cita importante en la jornada. Para muchos el nombre de Japan Madness es ya un clásico de las madrugadas de Sitges y del cine Retiro en particular. Este año la cita incluía no tres, sino cuatro películas de auténtica locura. Cuatro títulos que iban a acompañar a un auditorio desde la una de la madrugada, hasta las 8 de la mañana del día siguiente. El cine Retiro estaba repleto hasta la bandera cuando presentamos la sesión: Karate Robo Zaborgar y Yakuza Weapon (de la factoría de la Sushi Typhoon), Ninja Kids!!!, (del maestro Takashi Miike), y para terminar una nueva película de la saga Tomie, Tomie: Unlimited. ¿Alguien da más?

CineAsia

miércoles, 26 de octubre de 2011

Sitges 2011: Día 5: Lunes 10 de Octubre: El gran madrugón

El lunes es un día especial. Imagino que algo tiene que ver la genética del organismo que le dicta a uno despertarse a horas intempestivas (el recuerdo de que el lunes es el primer día de la semana le marca a uno estando incluso en Sitges). Después de un fin de semana de auténtica locura en el stand de CineAsia, decidimos que por fin había llegado el día de estrenarnos en el Auditorio con las dos películas matinales: la coreana The Yellow Sea y el nuevo homenaje de Miike al chambara clásico, Harakiri 3D. La genética es sabia después de todo… pues nos encontramos ante dos de las grandes películas del Festival.

Ya habíamos tenido la oportunidad de ver The Yellow Sea en un visionado colectivo antes del festival. Entonces nos pareció que su director Na Jong-jin, que nos había deslumbrado con su debut en el 2009 The Chaser, había crecido como director, logrando una obra a la par reflexiva y desbocada, a la par contenida y desbordante. Muchos la comparan con el cine de Michael Mann, aunque es muy pronto para poder apreciar hacia donde se dirige el realizador coreano como director. Lo cierto es que The Yellow Sea, que tendrá distribución en España (Media3 Estudio anunció días antes del certamen la adquisición del film), es una nueva muestra del grado de perfección técnica y artística del cine coreano. 

Miike (que celebra este año su 20 aniversario como director) había deslumbrado el pasado año con la adaptación del chambara clásico 13 Asesinos. Un film que ha triunfado en su estreno en las salas comerciales españolas y que se espera sea un éxito en su salida en formato dvd y Bluray. Este año ha regresado a Sitges con una obra mucho más sólida, que respeta, complementa e incluso da valor añadido a uno de los grandes clásicos del género, Harakiri de Masaki Kobayashi. Es cierto que el 3D es atmosférico (las imágenes de la nieve cayendo acompañan en su tristeza a los personajes) y podría haberse evitado, pero todo son elogios para la contención que Miike muestra en el desarrollo de los personajes, centrándose en su dilema moral, en el dramatismo de su situación… dejando la explosión final como un mero contrapunto y no como el motivo de la película. A pesar de que muchos no vean a Miike en Harakiri, podemos afirmar que con esta película junto con Ninja Kids!, el director se encuentra a la altura de los grandes realizadores japoneses e internacionales.

El día dió para mucho más… aunque el que os habla poco después de Harakiri se bajara del Auditorio camino de la playa de San Sebastián rumbo al stand de CineAsia… La hongkonesa Revenge: a Love Story, un film que había pasado desapercibido y que tras su triunfo en diferentes festivales pudo verse en el Festival de Sitges. O el pinku musical Underwater Love, con fotografía de Christopher Doyle, que provocó el delirio entre el público del cine Prado. Algo que no sucedió con la coreana Invasion of Alien Bikini… Un film que nos había sorprendido y sigue sorprendiéndonos, por su mezcla continua de géneros, a pesar de que el decantarse por el melodrama (y es que los coreanos para esos no son nadie), y no responder a las expectativas que había despertado su título, pudo pasarle factura entre el público que acudió a la sesión a la 1 de la madrugada. Finalmente, no obstante, el film del realzador coreano Oh Young-doo se alzó con el Premio Noves Visions-Discovery.

CineAsia

Revenge: a Love Story (Hong Kong, 2010)

Probablemente una de las mejores películas salidas de Hong Kong en el último par de años, Revenge: a Love Story ofrece mucho más de lo que se puede esperar de la CAT III al uso: parte drama, parte thriller sangriento, pero sobretodo mucha emoción y un estilo visual de primera categoría es lo que hace que este título sea un imprescindible, especialmente para los seguidores del cine de HK que tan pocas alegrías se llevan últimamente.

Una serie de crímenes extremadamente crueles comienzan a sacudir la ciudad: dos mujeres embarazadas relacionadas con oficiales de policía son asesinadas, y su feto extraído y dejado al lado para que muera. El principal sospechoso es atrapado rápidamente: resulta ser Kit, un joven que en los interrogatorios destapa una historia de venganza. Ahí retrocederemos al pasado, donde Kit, un simple vendedor callejero, comienza a sentir algo por Wing, una joven estudiante que padece un ligero retraso mental, y que es cuidada por su abuela.

Esta es la segunda producción de 852 Films, la compañía de Josie Ho y Conroy Chan después del slasher de Pang Ho-Cheung Dream Home, que continúa dando vida al cine de HK con este drama violento, un thriller sangriento que con muy buenos argumentos se convierte en una CAT III de auténtico lujo. La trama se cimenta en una historia de amor que se convierte en una de venganza, con aires de slasher pero ambientación noir, y con mucha solidez, llenando poco a poco los huecos de la historia a través de flashbacks que relatan la parte más interesante de la misma (los inicios de la relación de la pareja), y que muestran cómo los personajes eran muy diferentes antes de los hechos traumáticos.

Uno de los cebos para atraer al público puede ser la presencia de la ex AV (Adult Video) star Sora Aoi, que después de películas como Big Tits Zombie o Evil Nurse 2, sube un poquito su listón en un papel en el que no es que llegue a demostrar mucho más, pero cumple, aunque sea sin pretenderlo, como joven con un cierto retraso mental de apariencia ida. Sin duda, el cambio de idioma es un impedimento para ella, y le da aún más aire de perdida, cosa que favorece a su papel, en el que le hacen el favor de no darle demasiadas líneas de diálogo. El que está realmente muy bien es Juno Mak, cantante de pop y por lo que se ve amante del cine sangriento: de su puño y letra viene la historia de la película, aunque le dejara la tarea de escribir el guión a alguien con más experiencia como el director Wong Ching-Po. Su interpretación es sensacional, si bien al principio le vemos un poco pasado de vueltas. A la que comienzan los flashbacks su parte es mucho más comedida y con buenos detalles. Un gran trabajo que ya le ha llevado a ganar algún merecido premio.

Wong Ching-Po dirige la que seguramente sea su película más sobria y en conjunto bastante superior tanto a Ah Sou (también conocida como Mob Sister), como a Jiang Hu, la película de triadas con Andy Lau y Jacky Cheung, visualmente interesantes, pero mucho más irregulares. A destacar también la fotografía de Jimmy Wong, con colores azulados, muy fría pero visualmente magnífica, jugando constantemente con las sombras, un trabajo sensacional.

Así pues, Revenge, a Love Story es una de las propuestas más duras y serias del panorama cinematográfico en Hong Kong que se aleja (por suerte para nosotros) del modelo de cine actual en HK, siempre con vistas a la taquilla en la China continental. Este es cine del de siempre, arriesgado, emocionante, escandalosamente sangriento, pero con una historia y personajes interesantes. Una rareza que hace volver, aunque sea momentáneamente, a la variedad de propuestas que siempre ha sido una constante en el cine de HK.

De nuestro colaborador Víctor Muñoz (El Pozo de Sadako)

The Yellow Sea (Corea, 2011)

Durante las dos primeras partes de las cuatro en las que quiere dividirse esta película, se nos cuenta la terrible realidad de un norcoreano residente en China, Gu-nam, quien después de pedir dinero prestado a unos mafiosos para que su mujer pueda emigrar a Corea del Sur, se encuentra con que ésta no da señales de vida ni le envía el dinero necesario para pagar la deuda, mientras se ve amenazado por los usureros y a punto de perder su trabajo de taxista. Desesperado, acepta una oferta que solventará sus problemas económicos, además de permitirle viajar a Corea donde, tal vez, pueda reencontrar a su esposa; a cambio sólo tiene que hacer una cosa: matar a un hombre. Durante el viaje y la estancia en su ‘mediapatria’, conocerá la patética situación de otros inmigrantes del Norte, condenados a la pobreza, la marginalidad y la explotación. Hasta aquí, la atención de la obra está puesta en el drama humano sin concesiones, y el retrato de personajes y ambientes (sucios y descoloridos a través del tratamiento de la imagen) lleva la voz cantante de la narración. El film, sin embargo, se distingue a simple vista de otras producciones con similar planteamiento temático por medio del estilo. El director Na Hong-jin (que debutó explosivamente hace tres años con el thriller The Chaser) actúa, especialmente a través del montaje (elíptico y algo sincopado), sobre el tempo, dotándolo de un dinamismo que es ajeno al cine de raigambre social al uso. La continuidad de esta técnica permite que el film no se rompa cuando, a partir del intento de asesinato por parte de Gu-nam de su objetivo, dé un giro decisivo hacia el género. Un género que viene marcado, además de por el frenesí rítmico, por una violencia que transita de lo crudo a lo cómico conforme se torna hiperbólica. Esta hiperviolencia, que una vez estalla será irrefrenable, sin duda dará que hablar (y ahuyentará a muchos espectadores), como ya sucedió con la de I Saw the Devil (Encontré al Diablo) de Kim Ji-woon; pero lo lógico sería aceptarla como una figura de estilo de un cineasta, un género y una cinematografía que han convertido el sufrimiento de la carne (y su estilización) en un hecho diferencial.

Por nuestro colaborador Jordi Codó

Underwater Love (Japón, 2011)

No es habitual que un pinku eiga, una película erótica japonesa, tenga la repercusión mediática que ha tenido la producción germano-japonesa Underwater Love. Los días dorados del género hace tiempo que quedaron atrás, y aunque su producción de películas sigue funcionando, no llegan tan fácilmente a tener un pase en un festival respetado. La clave de todo esto es un nombre, el de Christopher Doyle. Desde que se supo que el director de fotografía colaborador habitual de Wong Kar-Wai iba a encargarse de ese apartado en esta película, las novedades sobre el estado del film aparecían continuamente. Si a esto le añadimos el factor que supone que se trate de un musical con banda sonora del grupo alemán Stereo Total, y que lo protagoniza un kappa (un monstruo tradicional japonés, con caparazón de tortuga) caracterizado por los efectos de Yoshihiro "Tokyo Gore Police"  Nishimura, es normal que el público comience a sentirse atraído por este divertimento erótico-musical.

Asuka parece que tiene la vida resuelta, con su trabajo en una empresa de pescado, y su próxima boda con su prometido, su jefe. Pero un día, caminando por la ribera del río, ve a un kappa, una criatura legendaria en forma humana, pero con pico de ave y caparazón de tortuga. No solo eso, sino que lo reconoce: se trata de Aoki, un antiguo compañero del colegio, que se hundió en ese río a los 17 años. Asuka decide esconder a Aoki del resto -especialmente de su novio- y comienza a tener dudas sobre su futuro.

Está claro que ésta no es una película en absoluto convencional: un film supuestamente erótico (sexo hay) con un kappa por protagonista, otros personajes de lo más curiosos, y entre medio números musicales con bailes más o menos graciosos. Pero para ser tan poco convencional, se las ingenia muy bien para divertir al espectador: tener una historia que aunque sea bizarra está bien estructurada, y aunque falle en el propósito de "encender motores" eróticamente hablando, el film es una propuesta de lo más interesante; verla resulta ser desde luego toda una experiencia. El punto de partida es descabellado, y más que se vuelve según avanza la historia, pero el sustrato no dejan de ser los sentimientos, la inseguridad de la protagonista cuando vuelve un fantasma del pasado, aunque sea en forma de kappa. El director Shinji Imaoka se las arregla para que la película tenga una trama dramática y romántico-sexual, pero convertida en comedia musical, y que funcione. Es curioso cómo consigue que uno se acabe tomando medianamente en serio los sentimientos de un kappa, pero así es.

La fotografía de Christopher Doyle no luce como en otras ocasiones, lógicamente, la película no tiene demasiado presupuesto y el rodaje duró cinco días y medio, además de contar sólo con una toma posible: todo tenía que salir a la primera. Teniendo en cuenta eso, Doyle hace un buen trabajo, dándole su toque personal de colores pastel a la película, que luce especialmente en las escenas con verde de por medio. El otro elemento importante son las canciones de Stereo Total, que cantan en japonés todas ellas. Las letras suelen ser simples y la música pegadiza, y de alguna manera logra encajar perfectamente con el espíritu ‘naif’ de la protagonista, y en cierta manera de la cinta. Pero seguramente el elemento que más pueda sorprender es el de los efectos especiales de Yoshihiro Nishimura. La caracterización del kappa no esconde el poco presupuesto de la película, y consigue ser simpática y chapucera al mismo tiempo: pero se guarda el "arma secreta" (nunca mejor dicho, ya veréis), para las escenas más subidas de tono. Provoca una sonrisa sí, o sí.

Shinji Imaoka es, seguramente junto a Takahisa Zeze, de los directores más respetados por la crítica dentro de los que se mantienen haciendo pinku eiga, y viendo Underwater Love está claro que es un excelente director, y que el hecho de que haya escenas de sexo más explícitas de lo habitual en el cine comercial japonés (que rayan la nada, el nivel de esta película sería una "S") no implica que su calidad sea en absoluto menor.

Underwater Love es simplemente perfecta para una divertida sesión de medianoche.

Por nuestros colaboradores de El Pozo de Sadako

martes, 25 de octubre de 2011

Sitges 2011: Día 4. Domingo 9 de Octubre: Gantz, Gantz, Gantz.

Sí, lo sé... soy consciente de que no estamos en Sitges, de que han pasado unos días desde que una buena parte de la población costera se unía a los asistentes al festival para tostarse en plena playa de San Sebastián (en estos momentos está cayendo sobre Barcelona una tormenta para quitarle el hipo al más plantado). Pero las cosas son así: después de uno de los festivales más concurridos de los últimos años, y tras el paréntesis de la semana pasada en la que parte del equipo de CineAsia se encontraba en Málaga celebrando la Semana de Corea en la UMA, retomamos las crónicas diarias del Festival de Sitges... en un intento de atenuar la depresión post-sitges, común entre el mundo de los cineasiáticos y amantes del cine en general.

El domingo día 9 fue el día de Gantz. La saga Gantz es la adaptación en acción real del manga homónimo creado por Hiroya Oku, y editado en España por Ediciones Glénat. Gantz se convirtió desde su aparición en un fenómeno: con 32 volúmenes editados hasta la fecha en Japón y 16 millones de ejemplares vendidos en los últimos 10 años, fue convertido a anime y emitido en televisiones de medio mundo. La adaptación a la gran pantalla se ha convertido ya, con un presupuesto de más de 40 millones de dólares, en una de las sagas más caras y exitosas de la historia de Japón. La película se proyectaba a las 16 horas en un Auditorio totalmente entregado, y que poco después de finalizar, un numeroso grupo de seguidoras de la serie, y en concreto de uno de sus protagonistas: Kazunari Ninomiya (uno de los líderes de la banda Arashi), se dieron cita en nuestro stand para hacerse una foto junto a su actor favorito, además de comprar el dvd de Gantz, recién editado por Media3 Estudio.

Pero el día dio para mucho más. Como la japonesa Milocrorze, una producción de Shochiku dirigida por Yoshimasa Ishibashi que podría definirse como: "la gran bizarrada" o "una frikada de auténtico delirio". Divertidísima película que guarda tres historias en su interior con un nexo común, una fantástica historia de amor que nos pasea en el espacio y el tiempo desde los años setenta al período Edo y sus samuráis. Mezclando animación con la imagen real, look manga, y contando entre sus protagonistas con Takayuki Yamada (uno de los protagonistas de Crows Zero) que hace una interpretación de auténtico lujo (sí señor, un actorazo), Milocrorze no os la podéis perder. Japón nos rerservaba dos sorpresas más: Smuggler, Basada en un conocido manga escrito por Shoei Manabe y publicado entre los meses de mayo y agosto de 2000 el film es un auténtico disfrute para todos aquellos aficionados a las adaptaciones manga en imagen real y Vampire, la visión de Shunji Iwai del mito vampírico, en la que es su primera incursión en el cine americano.

Mucho esperábamos de Ching Siu-tung y de su The Sorcerer and the White Snake tras su pase por Venecia. La cinta original de 1962, White Snake, ya tuvo una adaptación en 1993 titulada Green Snake que dirigio Tsui Hark y protagonizó entre otros, Maggie Cheung. La película resulta entretenida pero peca en exceso de la parafernalia digital... única pega a la visita del director hongkonés que recibió merecidamente la Máquina del Tiempo por su carrera cinematográfica.

CineAsia

Smuggler (Japón, 2011)

Año: 2011
País: Japón.
Director: Katsuhito Ishii.
Duración: 115 m.
Género: Acción.
Protagonistas: Satoshi Tsumabuki, Masatoshi Nagase,
Yasuko Matsuyuki, Masanobu Ando,
Tatsuya Gashuin, Fumiyo Kohinata.

Sinopsis:
El héroe de nuestra historia, Riosuke Kinuta, es un joven actor fracasado con grandes problemas monetarios debido a su adicción al pachinko (un juego de azar genuinamente japonés que podríamos comparar con nuestro bingo o las tragaperras de toda la vida), lo que le lleva a endeudarse con un prestamista un tanto peculiar. Éste le arregla un trato para que como parte de su pago realice algunos trabajos “especiales” para unas pandillas locales. La labor en cuestión consiste en transportar y hacer desaparecer los cadáveres resultados de las diversas peleas yakuzas que tienen lugar entre bandas. El lio estará servido cuando Kinuta se vea envuelto en una serie de persecuciones por parte de asesinos enloquecidos que buscan venganza a cualquier precio.

Crítica:
Basado en un conocido manga escrito por Shoei Manabe y publicado entre los meses de mayo y agosto de 2000 Smuggler es un auténtico disfrute para todos aquellos aficionados a las adaptaciones manga en imagen real. Con un surtido de interpretaciones afectadas y conscientemente desmesuradas y guiñolescas, sumadas a un guión extremo, lo que no permite un respiro al espectador y una comicidad que casa a la perfección con un sentido de la violencia puntualmente desproporcionada (lo que recuerda a clásicos contemporáneos coreanos como OldBoy o Encontré al Diablo), estamos ante uno de los disfrutes más recomendables de la última hornada de thriller japonés. El director de la cinta, Katsuhito Ishii, cuenta sus trabajos por pequeñas joyas que no deberían pasar desapercibida al cinéfilo más avispado. Hace tan sólo unos años el festival de Sitges tuvo el honor de proyectar  su mejor película hasta la fecha, The taste of Tea, aunque otros títulos nada desdeñables como Funky Forest: The first Contact (2005) o Sorasoi (2008) completan una filmografía de sombrerazo. Aquí trata de narrarnos como un pobre chaval adicto a los juegos de salón se ve metido en un embrollo monumental cuando tenga que transportar ilegalmente unos cuantos cadáveres resultado de las luchas de tríadas. Cada personaje que va apareciendo está tan bien apuntalado que podría interpretar su propia película, y de eso se beneficia, y de que manera, el conjunto. Como dice una de las protagonistas en un momento dado del film, las personas en las que puedes confiar son aquéllas que seguro buscan algún beneficio propio, y aquí el único inocente es este pobre aspirante a actor que ve como su vida da un giro de ciento ochenta grados cuando se encuentre inmerso en un universo plagado de maleantes, contrabandistas e incluso auténticos killers emuladores de Bruce Lee (impresionante actuación de Masanobu Ando en la piel de un descerebrado luchador de artes marciales capaz de cargarse a media mafia china con sus nunchakus).

La estética del cómic está fehacientemente trasladada al cómic, con ese punto surrealista y divertido que sólo maestros como Ishii son capaces de alcanzar. A destacar también el último tercio del film, que contiene una de las escenas de tortura más sangrantes y escalofriantes que uno ha tenido la oportunidad de ver desde el Reservoir Dogs de Quentin Tarantino. El que avisa no es traidor, quien tenga un poco de aversión a martillos, tenazas, clavos y demás instrumentos de bricolaje utilizados de forma poco ortodoxa, mejor abandonar la sala antes de que veamos sufrir, y de que manera, a nuestro atribulado héroe. Por último, y aunque pueda parecer lo contrario, Smuggler también tiene la capacidad de tocar temas como la forma en que actuan las personas con tal de ser queridas, la falta de fiabilidad de la bondad y el valor de lo intangible. Una auténtica gozada.

Lo mejor: Sin duda, la pareja de villanos formada por Vísceras y Vértebras.
Lo peor: El metraje está un pelín estirado. Veinte minutos menos y estaríamos hablando de una excelente película.

Por nuestro colaborador: Francisco Nieto

Gantz & Gantz: Perfect Answer (Japón, 2011)

Director: Shinsuke Sato
Nacionalidad: Japón
Duración: 132 / 141
Género: manga-eiga
Intérpretes: Kenichi Matsuyama, Kazunari Ninomiya,
Tomorowo Taguchi, Yuriko Yoshitaka

No sé exactamente que opinarán los otakus más sectarios (tampoco me importa) de esta lógica traslación del manga más polémico de los últimos tiempos a imagen real. O mejor dicho, de este perfecto dueto fílmico que de forma valiente adapta el primer segmento del cómic (esto es unos 20 tomos aproximadamente), y cuyos resultados comerciales hacen pronosticar una tercera continuación en dónde se desvelarán parte de los secretos que envuelven a la misteriosa esfera negra. Por lo tanto es muy recomendable visionar ambos largometrajes de forma conjunta, pues además de estar concebidos por el mismo equipo técnico, narrativamente están planteados de forma muy similar (a pesar de que en la segunda entrega, la acción tarda unos minutos más a aparecer en escena). También cabe recordar que en Japón se estrenaron en tan solo tres meses y medio de diferencia (en Enero y Abril de 2011 respectivamente), por lo tanto la campaña de marketing inicial ya contemplaba que se rodasen de forma simultánea y que se subdividiesen en dos películas. Insisto en que no es necesario conocer el material original de antemano para adentrarse en el aparentemente caótico reality show en el que se encuentran atrapados los personajes. Y es que el equipo de producción se leyó la historieta gráfica unas cuantas veces antes de desarrollar el esqueleto de ambos filmes; captaron a la perfección esas partes más trascendentales del manga para luego poder escribir un guión sólido que pudiera ser comprendido por la mayoría de mortales, teniendo en cuenta el perfil generacional de los lectores de la Weekly Young Jump (revista de prepublicación para “adultos jóvenes” de Shueisha en donde se publica Gantz)

Obviamente adaptar un manga tan longevo es una tarea ardua, y deberíamos ser conscientes de que el medio natural más adecuado para este tipo obras inacabables es el formato de serial televisivo, pero en el caso de Gantz podemos constatar que han realizado un buen trabajo de compresión (aunque los de siempre pondrán el grito en el cielo cuando vean que algunas situaciones banales o de índole pornográfica han quedado reducidas a la nada, en parte para cuadrar el tempo con los estándares fílmicos del blockbuster nipón). Y es que uno ya tiene una edad y sabe perfectamente que los guiones de más de la mitad de películas que se facturan anualmente beben de fuentes literarias o relatos cortos. Normalmente las mejores versiones no son precisamente esas en que sus guiones copian al pie de la letra la prosa del escritor, sino las que toman prestado sus elementos más subyugantes y decisivos para realizar una buena adaptación. Cierto, con esta fórmula no siempre se obtienen los mejores resultados (miren la etérea Tokyo Blues), pero en muchísima ocasiones no solemos prestar demasiada atención a la narración literaria (por pereza a leer el material original), ensalzando esas versiones fílmicas que ya han pasado a la historia del cine (¿Blade Runner por poner un ejemplo fácil?). ¿Por qué pues hemos de montar una pataleta cuando nos enteramos de que van hacer una adaptación a imagen real de ese manga que tanto adoramos si ni tan siquiera le damos un triste voto de confianza? ¿Por qué adoramos ciertas piezas de orfebrería como Air Doll e ignoramos que detrás de ella hay un dibujante que un día con su plumilla trazó las bases para esa triste historia de amor que de forma independiente funciona mucho mejor en fotogramas? ¿Por qué adoramos ciertos anime que en muchas ocasiones se saltan a la torera la fuente original? No lo sé, solo puedo basarme en lo que experimenté viendo las dos películas de Gantz: una irrefrenable sensación de querer releerme el manga de Oku Hiroya para redescubrir una de esas obras que, desde la primera viñeta, ofrece un gran divertimento con fuertes dosis de violencia gratuita, y sin ningún mensaje al que acogerse. Visionando el anime también se experimenta esta misma sensación, pero cuando ves en movimiento a nuestros héroes (Kurono, Katô, la exuberante Kishimoto, Tae Kojima, etc) en un contexto tan hostil como la abarrotada megalópolis japonesa, empiezas a pensar que detrás de tantas masacres planteadas como un pasatiempo virtual se esconde una lógica expresión de los procesos deshumanizadores que experimentan nuestras herméticas sociedades capitalistas. Y esta visualización de los males contemporáneos es la que parece expresarse en este diálogo fílmico: mostrar los pormenores de una sociedad francamente asfixiada por las nuevas tecnologías, por el tecno-animismo y una pasividad ante las relaciones humanas, el calor humano. Todo eso sin engañar a nadie, ya que ante todo estamos hablando de dos blockbuster de ciencia ficción con un fuerte componente ocioso.       

¿Cuáles son esas arraigadas señas de identidad que resaltan en Gantz, y que la sitúan por encima de otras obras de ficción contemporáneas? A parte de la horda de violencia que emanan de sus páginas, una anticipación a esos mundos paralelos que tan de moda se han puesto en el último lustro y un uso inteligente del ordenador para dar algo de relieve a la ilustración en 2D. Traspasar las excelencias del cómic a la gran pantalla ha sido todo un reto para Shinsuke Sato, realizador que ya había coqueteado con el cine de acción puro y duro, y que demuestra que ha sabido interpretar el hilo argumental no solo como una sucesión de combates al más puro estilo de un videojuego de lucha (el clímax final de la primera parte con las estatuas de Buda lo atestigua), sino como una oportunidad para aunar el mundo del séptimo arte con el del noveno. A grosso modo la historia se mantiene igual: dos amigos de la infancia, que hace años que no se ven, son arrollados por un metro cuando se disponían ayudar a un mendigo que ha caído a las vías. Al despertarse se dan cuenta que no están muertos, más bien en el limbo que separa la vida de la muerte. Allí se encontrarán con otras personas que han sufrido una muerte fortuita y con una esfera de procedencia desconocida que les confiere una misión: terminar con los extraterrestres “cebollenses”. Y empieza el juego, pero no un juego cualquiera, sino una recreación demasiado real de un extremo  “survival game”. Una vez cumplida la misión, y viendo la bajas que se han producido durante el desarrollo de la partida, la enorme canica negra les advierte que para ser libres deberán conseguir cien puntos o en su defecto resucitar a alguien que haya fenecido durante las sucesivas misiones a las que son encomendados. Obviamente los alienígenas no se quedarán de brazos cruzados, y al ver la mortandad de los de su especie a manos de los humanos, formarán un feroz grupo de resistencia para acceder a la extraña habitación y destruir la misteriosa esfera. ¿Quién hay detrás de este macabro juego? ¿Realmente todo sucede en una dimensión paralela a nuestro mundo? ¿Quién es el enigmático humanoide que habita en el interior de la mole negra?

Con respecto a la puesta en escena, hay que mencionar la labor de Yusuke Watanabe, y es que a pesar de elidir toda la carga sexual (que en el fondo se puede resumir en una mera representación exagerada de los senos femeninos, alguna escena de cama y los “pin-up” que conforman las portadillas de los capítulos) y suavizar el gore pasado de tuercas del manga, ha hecho un trabajo excelente; ha conseguido una representación exacta de los trajes espaciales tal y como imaginábamos que lucirían en un actor de carne y hueso. Además ha captado la esencia cool del cómic, consiguiendo ese efecto glacial de los espacios urbanos. No se le puede pedir más, ya que la fotografía nocturna (a cargo de Taro Kawasu, el mismo que se encargó de El Hundimiento de Japón) ayuda a crear ese ambiente frío de la capital nipona. Si a todo ello le unimos el ritmo incesante, dominante y equilibrado que imprime Sato con su moviola, tenemos resuelta la ecuación: este megalómano proyecto supera con creces otras adaptaciones que se han realizado en los últimos años (sin ir más lejos Death Note, otro dueto que nos decepcionó por la tediosa dirección), y aunque para algunos sean demasiado “mainstream” (¿es necesaria tanta virulencia para llegar al mismo propósito?), debemos valorarlas por su precisa labor técnica y el cariño que han depositado en ellas. Detrás de estas dos versiones hay un equipo que se lo ha currado muchísimo para ofrecer un inteligente producto de entretenimiento que de forma abanderada defiende y respeta el trabajo de Hiroya. Nadie dice que sean perfectas, no ofrecen una respuesta cerrada que ayude a comprender la dimensión del fenómeno Gantz (el manga le sucede lo mismo, pues aún no ha terminado la tercera etapa), no pueden considerarse una obra maestra pues, pero no es justo que sean defenestradas al pozo del olvido simplemente por dejarnos llevar por nuestro comportamiento negativo a la hora de analizar cualquier filme o porque el día que las visionamos padecíamos jaqueca.

LO MEJOR: Toda la planificación interna y su puesta en escena, sin olvidar la masacre en el interior de un metro en la segunda parte.
LO PEOR: Salirse de la sala en los 2 últimos minutos finales de Gantz: Perfect Answer equivale a quedarse sin esas respuestas necesarias para comprender globalmente el mundo de la esfera negra. Y tal vez la monótona música de Kenji Kawai (si, esta vez el maestro desentona).

Por nuestro colaborador: Eduard Terrades Vicens

lunes, 24 de octubre de 2011

La frase de la semana: XVII Salón del Manga

"Los 7 Samuráis es una obra maestra. Es realmente una película que ha influenciado a muchas otras, es uno de los mejores ejemplos en los que un director demuestra su genio y su talento. En ningún momento con 13 Asesinos hemos intentando acercarnos o copiar esta obra maestra. La verdad es que ni nos lo hemos planteado ni cogido como referencia para intentar hacer algo igual".                         Takashi Miike (director de cine japonés)

Uno de los ejes centrales de la presente edición del SALÓN DEL MANGA son los samuráis. Exposiciones, montajes audiovisuales, películas, autores e invitados forman parte de un programa de actividades entorno a la historia y vida de los míticos guerreros del Japón feudal. Así, entre los invitados de este año se encuentra Fujo Hirata, con vínculos familiares con Musashi Miyamoto (1584), uno de los samuráis más populares de Japón, perteneciente al poderoso clan Harima y autor de Go Rin No Sho, El libro de los cinco anillos, obra en el que recopiló sus conocimientos en las artes de la espada y de la estrategia y que en la actualidad es utilizada por altos ejecutivos de Japón para elaborar estrategias de mercado.

El grupo de pop coreano JYJ realizará el sábado 29 de octubre a las 21 horas en el Poble Espanyol de Barcelona un espectacular concierto. Tal como se ha explicado, su presencia pública en el SALÓN DEL MANGA tendrá lugar en el escenario situado en el Poliesportiu del Centre el sábado 29 de octubre sobre las 11.30 horas. Su participación en el Salón no es un concierto, sino una previa a su gran actuación en el Poble Espanyol. En el escenario del Salón cantarán dos temas de su repertorio. El aforo del Poliesportiu del Centre está limitado a 800 personas. Se ruega a los asistentes que no lleven cámaras de fotos ni de vídeo al Poliesportiu del Centre por petición expresa del grupo. Para más información del concierto de JYJ en el Poble Espanyol haz un clic aquí.


El XVII SALÓN DEL MANGA, que se celebrará del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre, repetirá los tres recintos de la pasada edición. La Farga de L’Hospitalet acogerá a las empresas expositoras además de los espacios dedicados a videojuegos, talleres de juegos tradicionales y de manga, sala de exposiciones, clases de japonés, conferencias y mesas redondas. En el Poliesportiu del Centre tendrán lugar los concursos de karaoke, cosplay y World Cosplay Summit, además de las actuaciones musicales. Y en la Sala Barradas se podrán seguir las proyecciones de anime. Estos tres espacios, muy próximos entre sí, estarán comunicados por un servicio gratuito de autobús


Para más información: Salón del Manga

lunes, 17 de octubre de 2011

La frase de la semana: II Semana de Corea en Málaga


No entiendo por qué Corea, en vez de ser una joya de los tour-operadores, no aparece siquiera en los catálogos. Reúne todos los requisitos que el turista busca para sus vacaciones".
Turista español tras su primer viaje a Corea.

Después de más de diez días inmersos en el Festival de cine de Sitges, uno podria levantarse el lunes con la mirada triste, ya que ese día no tiene cinco o seis películas por delante. Uno llega a casa finalmente, se tumba en el sofá y empieza a analizar día a día las experiencias que ha vivido: el encuentro con los directores coreanos, la película de animación favorita, el film sorpresa...

Este año... vamos a tener que posponer esta actividad.... Después de doce días frenéticos, nos aguarda un día de calma (hoy), porque mañana cogemos el avión para trasladarnos a Málaga donde a partir de esta mañana se celebra la II Semana de Corea; un compendio de actividades destinadas a elevar el nivel de conocimiento de los estudiantes de la universidad sobre Corea, en forma de un conjunto de actividades: curso de cine, taller gastronómico, teatro, encuentros literarios, en la semana del 17 al 21 de octubre.


Dentro de las actividades que se desarrollarán en la UMA, CineAsia presenta el curso "Korean Film-Culture: Innovación, gastronomía, turismo y cultura pop través del cine coreano". Realizaremos un recorrido a lo largo de cuatro etapas en las que repasaremos diferentes aspectos de la gastronomía coreana y su posicionamiento dentro de la gastronomía asiática e internacional, un viaje por la geografía de Corea y valoración del crecimiento de su turismo, sin descuidar diferentes apartados de la cultura pop (música, series de televisión, etc…) y un elemento que une a los anteriores: la utilización de la tecnología, como elemento diferenciador y potenciador del crecimiento coreano. Todos estos apartados vistos desde el prisma cinematográfico.
Nos vemos a partir de mañana en Málaga.
Información actividades UMA ASIA

miércoles, 12 de octubre de 2011

Sitges 2011: Día 3. Sábado 8 de Octubre: Kim Ki-duk reta a Sex and Zen

Momento de calma en Sitges. Hay que aprovecharlo. Mientras una parte del equipo se encuentra en estos momentos con Na Jong-jin (que esta mañana ha presentado The Yellow Sea, un film que ha entusiasmado tanto al público y a la crítica), la otra (es decir el que esto os escribe) ayudado por Patricia y Victor, de El Pozo de Sadako, hemos decidido abrir el stand...

(Tres días más tarde)

Sitges es fantástico... Lo que era un momento de calma se convirtió minutos más tarde en tres días de locura  colectiva en la que lo máximo que hemos podido hacer es twittear y andar actualizando facebook. Vamos a intentar recuperar la crónica de la jornada. El coreano Kim Ki-duk presentaba en el Prado Arirang, un "falso-documental" o no, con el que regresaba al mundo del cine tras entrar en una depresión que le ha acompañada a lo largo de los últimos años. Desengañado del cine, el realizador se desnuda ante la cámara y el espectador a lo largo de 100 minutos. ¿El resultado?

El cineasta Rakeysh Omprakash Mehra (Delhi-6, 2006), junto al documentalista Jeff Zimbalistnos nos ofrecen en Bollywood The Greatest Love Story Ever Told un recorrido por los últimos sesenta años del cine popular indio en los que la música, la danza, el colorido y, evidentemente, el romance se han convertido en el epicentro de las preferencias del público y han llevado a su industria de cine a ser una de las más importantes del mundo en términos numéricos. Un vido-clip gigante que aúna la emoción con la tragedia, la sonrisa con el llanto; que nos descubre esas pasiones que muchas veces, más de las que deberíamos, hemos perdido a la hora de entrar a una sala de cine.

Y para los más noctámbulos, el Auditorio les tenía reservada la traca final... esta vez en 3D, para que las glándulas mamarias de las protagonistas de Sex and Zen 3D: Extreme Ecstasy pudieran contemplarse con propiedad, convirtíendo el film en una orgía de dagas voladoras, escotes desbocados y lujuria en tres dimensiones. La película se ha convertido en la película más taquillera de toda la historia de Hong Kong.

CineAsia