La serie xxxHolic de la mano de Enigma

En xxxHolic, adaptación del manga de mismo nombre creado por Clamp y dirigida por Tsutomu Mizushima, conoceremos a un joven llamado Kimihiro Watanuki que tiene un gran problema: se siente constantemente perseguido por monstruos, fantasmas y espíritus que se sienten misteriosamente atraídos hacia él. Pero estos monstruos no son visibles para las personas sin poderes, hecho por el que lo tacharán de loco. Todo cambiará cuando Watanuki entre en una tienda en la que venden deseos, la tienda de Yuko Ichihara, una poderosa bruja que le ofrece la posibilidad de dejar de ver fantasmas a cambio de pagar un precio de igual valor que la energía que ella requiere para realizar dicha labor. Pero Watanuki no tiene dinero para pagar ya que sus padres murieron en un accidente muchos años atrás y él se quedó solo, por lo que Yuko finalmente le ofrece encargarse de las labores domésticas de la tienda.

Este Volumen 1 que nos trae Enigma Entertainment se nos presenta en un pack de dos discos que contiene los doce primeros capítulos de la primera temporada (seis en cada disco) -pues recordemos que está compuesta por 24 episodios- en un estuche amaray doble protegido por una funda de cartón.

Formato de pantalla 16:9, con dos pistas de audio en Dolby Digital AC3 2.0 en castellano y japonés (con opción de elegir subtítulos en castellano). La duración de estos primeros 12 episodios es de 312 minutos y la calificación recibida es de ‘No recomendada a menores de 13 años’. El precio recomendado de venta es de 24.95€ y se puede encontrar en tiendas especializadas.

Lo mejor: Una historia curiosa y divertida, cargada de personajes a cada cual más llamativo que el anterior, con multitud de situaciones y buenos momentos.

Lo peor: El hecho de encontrarnos sólo con los 12 primeros episodios de la temporada, sin saber aún fecha concreta para el lanzamiento de los 12 restantes (el Volumen 2).

Salvador Navarro (Blog Visual)

Nosolocine: B.S.O. The Cat Returns

Autor: Yuji Nomi
Año: 2002

The Cat Returns (que aquí en España nos la titularon como Haru en el Reino de los Gatos) es una de las películas de Ghibli menos conocidas y también una de las menos reconocidas. Lo cierto es que, aunque confieso que soy un fanático de todo lo que salga de la casa Ghibli, sí que me parece que The Cat Returns es una de las películas menos conseguidas del estudio, con una animación no tan trabajada como suele ser lo habitual, una escasa duración y una historia infantil y demasiado convencional. Pero pese a que en conjunto no creo que el film sea lo mejor salido del hogar de Totoro, sí que me parece que tiene algo que se puede salvar y que merece la pena ser destacado y reivindicado. Y esto es, claro, su banda sonora.

La verdad es que la música es un aspecto que suele ser muy cuidado en las películas de Ghibli (así por ejemplo, los trabajos de Hisaishi con Miyazaki). En este caso, el que se ha encargado del acompañamiento musical es Yuji Nomi, quien realiza un trabajo realmente estupendo, a la altura del exigente nivel de la casa. Nomi no es un compositor muy conocido; de hecho rebuscando en la imdb da la impresión de que su carrera como compositor se ha centrado únicamente en trabajar para Ghibli. Para el estudio ha compuesto la música de Susurros del Corazón (de la que esta The Cat Returns vendría a ser una especie de spin-off) y para varios de los cortos exhibidos en el Museo Ghibli (que como sabéis, son de visión exclusiva en el museo y cada semana proyectan uno diferente). Para The Cat Returns ofrece una banda sonora realmente trabajada, con variedad de melodías y leit-motivs para identificar a cada uno de los personajes y situaciones (curiosamente no retoma ninguno de los temas de Susurros del Corazón, semi-precuela de ésta). Así, para Haru, la chica protagonista, compone un tema suave y delicado, de aire ligeramente optimista. Para el (gato) barón dedica un tema que probablemente sea el mejor del score, un exultante y vitalista motivo para describir la gran personalidad del personaje. Para el momento del comienzo del día de Haru, tenemos una simpática melodía, para los gatos y el reino de estos Nomi ofrece una variada selección de marchas, fanfarrias y motivos exóticos...

Lo cierto es que en conjunto se trata de un trabajo muy agradecido de escuchar ya que casi en cada corte podemos descubrir algún tema diferente y la edición discográfica es muy completa; diría que contiene prácticamente toda la música que aparece en el film. Además tiene un detalle que me gusta mucho de la edición y es que ésta se completa con cinco bonus-tracks que son versiones preparadas para concierto de varios de los temas principales del score y que son versiones extendidas de estos temas. El primero de los bonus se trata del tema del barón que, desarrollado en toda su extensión, alcanza un aire triunfante realmente avasallador (para mí, no lo dudo, es el ‘CORTE’ del disco y no me canso de escucharlo una y otra vez). El tema de Haru aparece en el quinto bonus, encantador aún más si cabe al escucharlo en su versión completa.

Al margen de esto, es de agradecer el estupendo sonido sinfónico de la composición; Yuji Nomi ha podido contar con el lujo de una orquesta sinfónica como Dios manda, en concreto la Tokyo Philarmonic Orchestra. Y para rematar el disco tenemos una canción pop comercial interpretada por la cantante Ayano Tsuji que lo cierto es que no estorba ya que su tono desenfadado nos encaja bien con la personalidad de la protagonista.

Para terminar, diría que se trata de una banda sonora de verdad rescatable, que seguramente ha pasado desapercibida para los fans debido a la discreta carrera comercial que ha tenido esta película de Ghibli y, seguramente, también a la no existencia de un Image Album previo con canciones. Espero que el comentario haya servido un poco para dar a conocer este estupendo disco y empiece a ser disfrutado como se merece.

Puntuación: 8.5/10

Más información: The Cat Returns (película)
¿Quieres escuchar un fragmento de la B.S.O? Studio Ghibli Chanel

Felipe Múgica

Caixaforum: El lunes 28 de Marzo a las 19:30 horas: Finaliza el ciclo "Performing Pinoy"

El pasado lunes 21 de Marzo Caixaforum continuó con el ciclo dedicado al videarte filipino, Performing Pinoy. Valor e identidad cultural en Filipinas, un proyecto comisariado por Juan Guardiola, uno de los máximos conocedores de l realidad artística filipina en España (responsable también de la exposición Filipiniana -Casa Asia- además de la coordinación del libro Cinema Filipinas: Historia, teoría y crítica fílmica (1899-2009) que el Festival de Granada-Cines del Sur dedicó a la cinematografía filipina el pasado año como complemento a la retrospectiva que proyectaron).

El ciclo está dividido en tres programas de vídeo, que se podrán ver los lunes 14, 21 y 28 de marzo en Caixaforum, además de constar de una videoinstalación en el Espacio Mediateca: "Sally Gutierrez: Listen, Entrevistas con ciudadanos Filipinos, 2008". Instalación (libro + monitor + dvd), donde se podrá investigar de forma continuada acerca del universo filipino durante el desarrollo del ciclo.

 

Lunes, 28 marzo 2011: "Documento" 19:30 horas

Lena Cobangbang: The Making of a Bad Copy (or Uod at Rosas Park 2), 2005 (2 min.)

Este vídeo está basado en una película titulada Mga Uod at Rosas (“De bichos y rosas”) de 1970. Se trata del único film filipino que narra la vida de un artista plástico y su lucha por conseguir el éxito y el reconocimiento público en su carrera. Frente a los tópicos característicos de la ficción cinematográfica, Lena Cobangbang realiza en este vídeo una parodia llena de humor de la vida de los creadores filipinos contemporáneos. Un retrato “documental” del artista, sin el drama ni el falso romanticismo de la versión cinematográfica comercial, pero más cercano a la realidad.

Kiri Dalena: Kombong, 2005 (23 min)

“Velo” trata sobre las experiencias de un grupo de mujeres musulmanas que utilizan esta prenda en el contexto de un país, predominantemente católico, y hermanado con los Estados Unidos en la guerra contra el terrorismo. Los testimonios de mujeres de diversas zonas de Filipinas (Quedon City, Iligan, Cotabato, Manila...) sirven a la realizadora para plantear cuestiones, derivadas de su práctica religiosa, como la falta de libertad, la discriminación o los derechos humanos.

John Torres: One Tilted Screen, 2007 (1 min.)

Jose Maria Sison, fundador exiliado del Partido Comunista de Filipinas, embelesado ante la belleza del nuevo dia rompe a cantar. Esta breve acción es grabada con la cámara de vídeo en posición horizontal, a la vez que se lee el texto “¿Derribado o caído o erguido, aún? Esto depende de cómo lo veas. Lo que es seguro es su canción”. Este vídeo forma parte de una serie de anuncios de servicio público, producidos por realizadores independientes, que denuncian la actual situación de derechos humanos en Filipinas.

Yason Banal: Untitled / Again (Marienbad), 2008 (12 min.)

Esta obra está inspirada en el clásico film El Último Año en Marienbad (1961) del director fránces Alain Resnais. La atmosfera surreal de esta película ( donde la narrativa hace uso de la memoria de forma persistente, repetitiva y ambigua) es transportada en el vídeo de Yason Banal a diferentes lugares (Hong Kong, Singapur, Jakarta, San Francisco, Stuttgart, Berlín, Londres, Palawan y Tokio). Figuras humanas, prendas esculturales y obras de arte se suceden en un ambiente, en donde los recuerdos y las asociaciones se diluyen lentamente en un documento espectral.

Angel Velasco Shaw; The Momentary Enemy, 2008 (24 min.)

Documental de autor que versa sobre la retórica militar y la representación fílmica del ejército norteamericano (desde la guerra Filipino-norteamericana a Vietnam o el actúal Iraq). El vídeo combina imágenes de noticiarios fílmicos, películas de Hollywood y entrevistas a profesores, escritores y acitvistas, junto a la voz de la sociedad civil. “El enemigo momentáneo”, en palabras de su autora, plantea una última pregunta ¿No han estado los Estados Unidos antes aquí?...

Duración total: 62 min.

Para más información: Caixaforum y CineAsia online

Compra de entradas: Servicaixa

Primer programa: Lunes 14 de marzo: Performance

Segundo programa: Lunes 21 de marzo: Identidad

Festival Internacional de Cine de Las Palmas 2.0: Programación asiática

Mientras en Hong Kong todavía se están recuperando de la fiesta de inauguración del Filmart, esta mañana el Festival de Cine de Las Palmas ha realizado su presentación oficial: renovando su web y difundiéndose a través de las redes sociales Facebook, Twitter, Flikr y Posterous. El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria llega en 2011 a su duodécima edición. Un espacio para el cine que vive entre distintos mundos: entre lo narrativo y lo experimental, entre el autor y la tendencia, entre el Norte y el Sur, entre Oriente y Occidente, entre la imagen y la palabra, entre la ficción y la no-ficción. Un Festival en el que CineAsia siempre ha estado presente, y del que os mantendremos informados “in situ” del 1 al 9 de Abril.

Este año la presencia asiática en Las Palmas va desde cineastas consagrados como Jia Zhangke o Wang Bing, a figuras emergentes en el panorama internacional, tales como el coreano de Park Jung-bum o el tailandés Sivaroj Kongsakul, reciente ganador de los Premios de la Academia Tailandesa con Eternity. Así que sin más preámbulos procedamos a desgranar los títulos asiáticos y las secciones en las que podrán verse:

Dentro de la “Sección Oficial” destacan cuatro largometrajes: I Wish I Knew (2010, 138 min.) del cineasta chino Jia Zhangke; Hi-So (2010, 102 min.) del tailandés Aditya Assarat; The Ditch (2010, 109 min.) co-produción entre Hong Kong-Francia-Bélgica dirigida por Wang Bing; y Year Without a Summer (2010, 90 min.) que nos llega desde Malasia de manos de Chui Mui. A su vez en la categoría de cortometrajes podremos ver Rosalinda (2010, 40 min.), una co-producción entre Argentina y Corea del Sur dirigida por Matías Piñeiro.

Por su parte, la sección “Memorias del mal. El cine, la rememoración y los traumas históricos de un siglo” cuenta con títulos como S-21, La Machina de Mort Khmère Rouge (2003, 101 min., Camboya-Francia) de Rithy Panh; Aufschub (2007, 40 min., Alemania-Corea del Sur) de Harun Farocki y He Fengming (2007, 186 min., China) de Wang Bing.

Uno de los títulos más aclamados del año, que se alzó con el premio a mejor película, mejor actor y mejor director en los I Premios CineAsia será proyectado dentro de uno de los espacios más queridos del festival “La Noche Más Freak”, coordinada por Jesús Palacios: I Saw the Devil (2010, 143 min., Corea del Sur) de Kim Jee-woon.

Las nuevas promesas del cine asiático que podremos conocer dentro de la sección “Nuevos directores” son: Black Blood (2010, 128 min., China-Francia) de Zhang Miaoyan; The Journals of Musan (2010, 127 min., Corea del Sur) de Park Jung-bum y Eternity (2010, 105 min., Tailandia) de Sivaroj Kongsakul.

En “Déjà vu: carta blanca a Luis Miñarro” resalta Jalsaghar (1959, 100 min., India) de Satyajit Ray. Y dentro de la “Sección informativa (Panorama)”, The Tiger Factory (2010, 84 min., Malasia-Japón) de Woo Ming-Jin y Kantai (2010, 95 min., Japón) de Fukada Koji.

Por último podremos hacer un recorrido por las cuatro películas que el realizador japonés Kazuo Hara ha realizado desde 1972, dentro de la sección “Touching Extremes: Kazuo Hara Film Series”. El cineasta nipón es uno de los grandes nombres de la historia del documental contemporáneo. Su cine da visibilidad a sujetos incómodos que perturban profundamente a la sociedad de su país. Títulos como Sayonara CP (1972, 82 min.), Gokushiteki eros: Koiuta (1974, 98 min.), Zenshin Shosetsuka (1994, 157 min.) y Yuki Yukite Shingun (1987, 122 min.). Además, para darle más interés al ciclo, Kazuo Hara y su productora y compañera, Sachiko Kobayashi, estarán presentes en el festival para presentar al público estos cuatro documentales de los que se ha dicho que "cambiaron los límites de lo que podía ser filmado", y a los que el propio cineasta define como "películas de acción".

Así que en breve seguiremos informando. Próximo destino: Las Palmas de Gran Canaria.

Salvador Navarro (Blog Visual) 

Entradas relacionadas:

La frase de la semana: Kazuo Hara.
Diario de una botella de sake en el Festival de Las Palmas. Dia Uno.
Diario de una botella de sake en el Festival de Las Palmas. Dia Dos.
Diario de una botella de sake en el Festival de Las Palmas. Dia Tres.

21 de Marzo. Lost in Hong Kong: Empieza el Filmart 2011

Mientras en España Torrente 4, por segunda semana consecutiva, se ha colocado al frente de la taquilla nacional (¿ganará Belén Esteban el Goya a la mejor actriz secundaria?), en Hong Kong, a unos 10.000 km de distancia, levantaron el telón de una nueva edición del Filmart. ¡Anda que no nos llevan ventaja en Asia!

Cuarenta y ocho horas sin saber de nuestros enviados especiales a la cita hongkonesa nos hacía temer lo peor: ¿se habrán perdido en alguna de las tiendas de dvds de Chungking Express? o ¿habrá sido la mafia de Johnnie To la que ha acabado con ellos? Evidentemente el Lost in Translation que firmó con solvencia Sofia Coppola también es aplicable, por proximidad a Hong Kong. 

Sin embargo, y tras el temor inicial, nada más escucharse los flashes de las cámaras al paso de Chow Yun-Fat, Sammo Hung o Zhang Ziyi, volvimos a recuperar la conexión con la bahía de Hong Kong. La gala de entrega de los Asian Film Awards abría con todo el glamour del mundo una nueva edición del Filmart. La sorpresa de la noche, al menos para el que os escribe, fue el premio a mejor película asiática para Uncle Boonmme Recuerda sus Vidas Pasadas. No porque reniegue del film del tailandés Apitchatpong Weerasethakul (un realizador mucho más cercano al videoarte en concepto que al cine en narrativa), sino porque las preferencias iban por otro camino. Al final de la noche, Confessions se fue tal y como había llegado, de vacío. Menos mal que Lee Chang-dong iba a encargarse de darnos una doble alegría al hacerse con los premios al Mejor Director y al Mejor Guión por Poetry. Otro de los momentos de la noche fue sin duda el premio que el público entregó al gran Chow Yun-Fat como mejor actor y el Premio Especial al ex-director del festival de cine de Pusan, el vetereano Kim Dong-ho (hace un par de años fue invitado por el BAFF y tuvimos la oportunidad de charlar con él) por su contribución a la difusión del cine asiático.

También las proyecciones del Mercado del Filmart se iniciaron ayer. De entre lo más destacado que pudo verse encontramos Battlefield Heroes del coreano Lee Joon-ik. Después de alcanzar la fama con The King and the Clown, uno de los films más taquilleros de la historia del cine en su país, y tras Blades of Blood, en su nuevo film, nos devuelve a la época de la guerra de los 3 Reinos en Corea, aunque, en esta ocasión, sea el humor el elemento que predomine, por encima de la acción y el espectáculo.

Desde luego muchos fueron los que acudieron al pase de Yakuza Weapon, el nuevo divertimento del tandem Tak Sakaguchi & Yudai Yamaguchi (Battlefield Baseball) con efectos especiales a cargo de Yoshihiro Nishimura (Tokyo Gore Police), y basada en el manga de culto de Ken Ishikawa (Cutie Honey). Tras los primeros minutos de proyección uno puede imaginarse el Auditorio de Sitges repleto en una maratón "Japan Madness" aplaudiendo y no dejando de sonreír. ¡Menuda locura procedente de la factoria de Sussy Thypoon! Empiezan las votaciones por tenerla en Sitges 2011.

Y para rematar, sin ánimo de hacerme muy plasta, que son las siete de la mañana, dejar un hueco para la animación en 3D procedente de China: Legend of a Rabbit, que ha sido dirigida por la directora de la sección de animación de la Academia China de Pequín, y que ofrece emociones a raudales para los más pequeños: un conejo con dotes para las artes marciales debe encontrar a la hija de su difunto maestro, pero no lo tendrá fácil, pues como cualquier cinta de tortas, deberá enfrentarse a unos cuantos enemigos. 

Nada más de momento. El satélite de conexión con Hong Kong empieza a fallar. Ya se sabe, el Lost in Transation también fuciona en la bahía..

Lista completa ganadores Asian Film Awards

Bi, Don't Be Afraid! (Vietnam, 2010)

Año: 2010

País: Vietnam, Francia.

Director: Phan Dang Di

Duración: 93 m.

Género: Drama

Protagonistas: Thi Kieu, Trinh Nguyen,

Ha Phong Nguyen, Thanh Minh Phan,

Mai Chau, Thuy Hoa

Más información:

http://www.imdb.com/title/tt1517160/

Sinopsis: Bi es un niño de seis años de edad que vive con sus padres, una tía y una criada en una casa antigua del casco antiguo de Hanoi. La vida de Bi parece normal, pero en realidad la relación de sus padres se está deteriorando. El abuelo de Bi, un diplomático, acaba de regresar a casa a causa de una grave enfermedad después de vivir muchos años en el extranjero. Al principio, Bi teme a su abuelo, pero poco a poco le vencerá la curiosidad y acabarán entablando una peculiar relación.

Crítica: Con el aval que supone el prestigioso premio recibido al mejor guión en la Semana de la Crítica del pasado Festival Internacional de Cine de Cannes se presenta esta producción vietnamita, debut en la dirección del  guionista Phan Dang Di (Adrift, 2009). Y desde luego estamos ante una tarjeta de presentación que no debe pasar desapercibida, ya que bajo la apariencia de un drama familiar que discurre tranquilo y discreto en su cotidianeidad, se esconden una serie de sustratos de una crudeza y aspereza dignas de reseñar. Este retrato del Vietnam urbano contemporáneo sobre parientes que habitan en lugares cerrados mientras en su interior albergan multitud de secretos inconfesables, se convierte así en una exploración reflexiva sobre temas tan universales como lo son el anhelo incipiente por descubrir las cosas, la exhuberancia juvenil, la incomunicación familiar (que tan bien trató Hirokazu Koreeda en Still Walking), el sexo reprimido o la decadencia física y la invasión de la muerte. Y todo ello con una necesaria escasez de diálogos y una franca sensualidad. En las escenas más agrias evoca al Park Chan-wook más seco y visceral, aquél que gustaba de superponer momentos de placer y de dolor, (recordamos aquella secuencia en Simpathy for Mr. Vengeance en la que la hermana de protagonista gime a causa de su enfermedad mientras al otro lado del tabique una banda de onanistas daban rienda suelta a su imaginación). Aquí, mientras el metraje avanza, el calor (ambiental y corporal) se va haciendo más sofocante y la utilización de cubitos de hielo sirve tanto para aliviar el dolor como para masajear partes íntimas. La mirada inocente del niño que acaba de abrirse a la vida contrasta de manera brutal con la desilusionante realidad que le rodea. Él aún no se da cuenta de nada: su abuelo ha vuelto a su hogar a morir de la manera más plácida posible, y eso condiciona el comportamiento de unos personajes que ya de por sí arrastran frustraciones y desengaños. Inocencia y culpabilidad conviviendo en los mismos fotogramas: padres borrachos, tías insatisfechas, criadas “demasiado” eficientes, abuelos moribundos… y el niño correteando entre bloques gigantescos de hielo (el hielo es un motivo recurrente) y los densos manglares que bordean la playa.

En definitiva, esta es una película con un montón de misterios que nunca llegan a revelarse, reservándose un margen para que los actores puedan actuar de manera impredecible, e incluso de forma desconcertante. Un film bellamente filmado y muy recomendable.

Lo mejor: Acierta a la hora de reflejar en pantalla la incongruencia de los deseos humanos.

Lo peor: Puede resultar un tanto críptica para los espectadores menos receptivos.

Francisco Nieto

La frase semanal: ¡Gambatte Japón!

Hoy es un día grande en Hong Kong. Estrellas cinematográficas de los cinco continentes pueblan su alfombra roja. Maggie Cheung, Johnnie To, Brillante Mendoza... acudirán en unas horas a la gala de entrega de la 5ª edición de los Asian Film Awards. Confessions, Uncle Boonme, Aftershock, Let the Bullets Fly, Peepli Live y Poetry competirán por hacerse con el galardón a la mejor película asiática del año.

Una gala que se iniciará con la premiere de Don't Go Breaking My Heart, el último trabajo del dúo Johnnie To & Wai Kai-Fai, además del film capitular Quattro Hong Kong 2, una cuádruple mirada a la ciudad de Hong Kong realizada a través de la mirada de directores tan reconocidos internacionalmente como Apichatpong Weerasethakul (Tailandia), Brillante Mendoza (Filipinas), Ho Yuhang (Malasia) y Stanley Kwan (Hong Kong).

Hoy da inicio el Filmart de Hong Kong... Desde luego un evento con el que hubíéramos podido iniciar la frase semanal de esta semana.

Pero a pesar de que nuestra "cabeza" cineasiática se encuentra en Hong Kong (a lo largo de estos días os haremos llegar en pequeñas cápsulas informativas el transcurso del festival), otro de nuestros órganos, el "corazón", se encuentra en estos momentos exactamente a 2.888 km de la bahía de Hong Kong.

En Japón.

Junto a los españoles como Kirai que continúan con su día a día desde la capital de Tokio y nos los hacen llegar a través de sus 141 caracteres ("Solo nos permiten comprar dos paquetes de comida preparada para microondas por persona", "Lloviendo en Tokio. Nos recomiendan que no nos "toque" el agua, por si acaso, pero que tampoco pasa nada"), con los miles de japoneses de la prefectura de Miyagi que lo han perdido todo a causa del tsunami, con los japoneses que continúan con sus quehaceres diarios y aprovechan cualquier oportunidad para solidarizarse con un compañero, amigo o familiar.

No lo olvidemos, Japón nos está dando una lección que no se aprende en nunguna escuela o Universidad. Está mostrando al mundo cómo superar una catástrofe, cómo la solidaridad de un pueblo es mucho más sólida que la fuerza descontrolada de un terremoto y sus cientos de réplicas. Porque como muy bien sabe el pueblo nipón, lo importante no es cómo quedamos cuando nos golpean. Lo verdaderamente importante es las ganas y el esfuerzo por volver a levantarnos.

¡Gambatte Japón!