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viernes, 16 de diciembre de 2011

¿Quieres una edición en dvd de El Arpa Birmana del japonés Kon Ichikawa?

Año 1945. En las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, los japoneses están a punto de firmar la paz en Birmania. Un soldado nipón que toca el arpa queda horrorizado por la muerte y destrucción que lo rodean. Terminado el conflicto, decide regresar al lugar convertido en un monje con el firme propósito de dar sepultura a los fallecidos.

A Contracorriente Films acaba de editar en España por primera vez El Arpa Birmana, maravilloso alegato antibelicista que constituye uno de los mejores títulos en la historia del cine japonés. Candidato al Oscar®, en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa, Kon Ichikawa firmó este poderoso film de referencia convertido en un clásico de gran valor universal. El film ha sido fuente de inspiración para muchos directores, entre ellos, Terrence Malick y su film La Delgada Línea Roja.

La edición en DVD (que ya está disponible a la venta) incluye entrevistas realizadas en 2007 al director Kon Ichikawa (un año antes de su muerte) y al actor Rentarô Mikuni. La película se ofrece con un master restaurado a partir de un nuevo transfer digital en alta definición. La edición también incluye un libreto de 16 páginas con el comentario crítico exclusivo de Carlos Aguilar.

Desde CineAsia online queremos participar de este lanzamiento con el regalo de varias ediciones de la película a los aficionados. Para participar, sólo tenéis que dejar vuestra opinión sobre la película, o la novela en la que está basada de Michio Takeyama, o bien decirnos tres películas dirigidas por el maestro del cine japonés Kon Ichikawa. Con el conjunto de respuestas realizaremos el sorteo de cinco unidades de la película. El sorteo se celebrará en la víspera de Reyes, el 5 de Enero, y el 6 conoceréis a los ganadores.

Podéis dejar vuestros comentarios: en el blog (respuesta a esta entrada), en facebook, en twitter, o en esta dirección de correo electrónico. Muchas gracias a todos por participar.

Para más información visita la web de A Contracorriente                                                                                       

martes, 13 de diciembre de 2011

Y los DVD de El Camino del Guerrero son para...

Un asesino imbatible (Jang Dong-gun) ha jurado matar al último superviviente del clan enemigo pero descubre que se trata de una niña indefensa. Conmovido por su inocencia, decide dejar las armas, empezar una nueva vida y criar al bebé en el viejo Oeste. En un pueblo polvoriento y destartalado, conoce a una mujer temperamental (Kate Bosworth) y lleva una vida tranquila hasta que una banda de bandoleros obliga a nuestro héroe a matar de nuevo. En el enfrentamiento final, un encuentro letal entre Oriente y Occidente, participan un famoso pistolero (Geoffrey Rush), el sádico jefe de una banda (Danny Huston), el clan de asesinos que fue traicionado y el pueblo entero. Se combate con pistolas y espadas, con los puños y desde luego, con furia. Las técnicas del kung-fu se combinan con las del salvaje oeste americano para crear acción, violencia y emoción.


Con unos días de retraso, aprovechando que es martes y 13 de Diciembre (por aquello de desmitificar el día de la mala suerte), hemos elegido hoy para comunicaros el resultado del concurso que hemos realizado en Cineasia online. Desde aquí queremos agradecer una vez más a la distribuidora, Sony Pictures Home Entertainment su apuesta por el cine asiático de calidad, y a todos los aficionados que habeis participado en este concurso.

DVD "El Camino del Guerrero":
Daniela Zabaleta
Juan Carlos (Madrid Free)
Mary Lyn (ppp)
Luis Romo Cuadrado
Cristina Ruiz Velasco


El Camino del Guerrero (ya disponible en DVD y BLU-RAY) tiene una duración de 96 minutos y no está recomendada para menores de 7 años. El precio y características de las plataformas digitales de El Camino del Guerrero pueden variar según el proveedor de servicios.


Para más información visita la web de Sony Pictures Home Entertainment 
                                                                                                                                              © 2010 Laundry Warrior Ltd.  All Rights Reserved

lunes, 26 de septiembre de 2011

Y los DVD de Thirst son para...

Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2009 donde fue recibida con gran éxito de crítica y público, y en España en el Festival de Sitges 2009 donde la protagonista Kim Ok-bin se alzó con el premio a la Mejor Actriz, Thirst cuenta la historia de Sang-hyun (Kang-Ho), un sacerdote católico que dedica su tiempo ayudando a los enfermos de un hospital. Recto y bondadoso, decide viajar a África y ofrecer su cuerpo a la ciencia para que se investigue en él una nueva vacuna. Desgraciadamente los efectos secundarios que le produce la vacuna son inmediatos e inesperados: el buen cura se convierte en un sediento vampiro. Tras la transformación empieza a sentir unos deseos que nunca había conocido hasta entonces: egoísmo, violencia y sexo, a través de la terrible atracción que siente por la esposa de su mejor amigo. Junto a ella pronto empezará a descubrir los placeres de la carne y de la sangre.Es hora de desvelar el nombre de los ganadores:

Hoy es el gran día, lunes 26 de Septiembre, elegido para comunicaros el resultado del concurso que hemos realizado en Cineasia online. Desde aquí queremos agradecer una vez más a la distribuidora su apuesta por el cine asiático de calidad, y a todos los aficionados que habçeis participado en este concurso.


Ediciones sencillas:
Luisa Ramírez Pérez
Daniel Vázquez Mir
Jesús Caparrós
Marta Pérez
Luis Albéniz Prado

jueves, 11 de agosto de 2011

Sucedió en 2006: Three Extremes, cuando los extremos se cruzan

El verano es un momento ideal para echar la vista atrás, mientras nos encontramos recostados en una hamaca. De ahí que nos propongamos recordar algunas de las películas asiáticas que han sido editadas en España... y que nos causaron un gran impacto cuando las descubrimos. Empezamos la sección Haciendo memoria con: "Three Extremes", un título de terror editado en nuestro país en eñ 2006.  

Desde Asia nos llegan tres particulares miradas al horror. Fruit Chan, Park Chan-wook y Takashi Miike. O lo que es lo mismo, Hong-Kong, Corea del sur y Japón.

Si hablamos por separado de estos tres directores seguro que escucharemos un buen puñado de elogios. Pues imaginaos lo que pueden dar de sí cuando se juntan para traernos unos relatos cortos bajo el título genérico de "Three...Extremes". Tres formas de plasmar el terror en un modo asiático que seguro no os dejará indiferentes. Ahora mismo me vienen a la cabeza las palabras de nuestro amigo y director coreano Oh Young-doo acerca del terror que definía como: "algo común a todas las sociedades y culturas, con aspectos diferenciadores, pero que en esencia todos tenemos"...

Comenzamos el camino a través de Three Extremes con el episodio de Hong Kong, dirigido por Fruit Chan, titulado "Dumplings" (del que también existe una versión en largometraje con el mismo título). Una crítica a la sociedad moderna y a la necesidad de mantener la belleza y la juventud por encima de todas las cosas. Si bien no es un episodio basado en el terror, mantiene la intriga y el suspense hasta el último momento. Los dumplings a los que hace referencia el título son, a groso modo, una especie de "empanadilla" de masa fina y hervida, que van rellenos de carne y verduras picadas muy finas. En esta elegante historia conoceremos a la señora Lee (Miriam Yeung), a quién el paso del tiempo está sumiendo en un estado de depresión, pues para ella es muy duro envejecer. Desesperada, está dispuesta a recurrir a cualquier método capaz de devolverle la juventud, y la única persona que parece tener la solución al problema es Mai (interpretada por Bai Ling), una "joven" que hace unos "dumplings" muy especiales -y crujientes- que dotan a su comensal de unos milagrosos efectos.

En segundo lugar cambiamos de extremo y viajamos hasta Corea del sur con "Cut", el episodio dirigido por Park Chan-wook. El director de cine Ryo Ji-Ho, un hombre casi perfecto, es retenido en un su casa por un extra. El criminal ata a la esposa de Ryo Ji-Ho al piano y le va cortando los dedos uno por uno cada cinco minutos. A cambio de parar con los cortes, el extra le pide a Ryo que mate a un niño que ha traído con él... Nos encontramos ante otra pequeña obra maestra de Chan-wook, donde volvemos al tema que tan bien sabe llevar y que tanta fama le ha dado a nivel mundial: la venganza. Muy del estilo "Saw", nos encontramos con una prueba que el director debe superar, aunque en este caso no es por haber hecho algo malo, más bien todo lo contrario, es por ser una buena persona.

Por último, el extremo del tercer relato nos lleva hasta Japón con "Box", episodio dirigido por Takashi Miike y que cuenta con las interpretaciones de Kyoko Hasegawa, Atsuro Watabe y Mai Suzuki, entre otros. Kyoko es una bella y exitosa novelista que vive una vida solitaria tras un halo de misterio. Tiene sentimientos diferentes con su editor, quien se ha encaprichado de ella. No obstante Kyoko no está en disposición de abrirle su corazón; ni a él, ni a ningún otro.

Todo empezó con una experiencia traumática de su infancia que ha permanecido oculta. A la tierna edad de diez años, Kyoko causó la muerte a su hermana gemela Shoko (con quien rivalizaba por el cariño de su padrastro Hikita. Un día, Kyoko encuentra en su escritorio un ramo de flores y una invitación. Ésta sólo indica la hora y el lugar de encuentro; justamente donde su hermana murió. Una historia de celos, envidia y traición pero de un modo muy tranquilo, "tan tranquilo que pueda volverte loco", como nos dice Miike... Pero no es una tranquilidad calmada, más bien lo contrario, te mantiene en vilo durante todo el relato, incluso cuando encontramos la pantalla llena de nieve, como si la historia se hubiese helado hasta para nosotros, sin saber que puede ocurrir...

En definitiva, una fantástica, sensual y cruel visión del horror desde la perspectiva de tres grandes directores, conformando una auténtica pesadilla, o como reza la película "una crueldad sin concesiones". Tres relatos que intentarán, cada uno a su manera, afectar y desequilibrar la mente de los espectadores. Si queréis pasar un buen rato de tensión e inquietud pero sin ningún susto "típico", ésta es vuestra película.

Por nuestro colaborador Salvador Navarro (Blog Visual)

martes, 12 de julio de 2011

Space Battlership Yamato: la espectacular space ópera nipona

Si la semana pasada le tocó el turno a Confessions, esta semana vamos a analizar la segunda película lanzada por Mediatres Estudio en formato doméstico, Space Battleship Yamato, una de las grandes sensaciones del Casa Asia Film Week.

Director: Takashi Yamazaki Intérpretes: Takuya Kimura, Meisa Kuroki,  Naoto Ogata, Tsutomu Yamazaki País: Japón / 2010 Género: Space Opera Duración: 140 minutos
Año 2199. La Tierra está al borde de la destrucción. El fin del mundo parece inminente como consecuencia del ataque extraterrestre perpetrado por los Gamilas, unos avanzados seres cristalinos que irradian radioactividad en la superficie de nuestro planeta para terminar con la vida humana y así poder establecerse como nueva raza dominante. Después de muchos enfrentamientos, la esperanza proviene de Iskandar, un planeta alejado del sistema solar en el que unos alienígenas reportan una posible solución para eliminar la radioactividad. La última esperanza: Yamato, un crucero espacial japonés cuyo nombre hace honor al navío más grande de la Armada Imperial Japonesa y que en la Segunda Guerra Mundial defendió al pueblo nipón, que pondrá rumbo al enigmático planeta, no sin pasar por todo un calvario interplanetario en el que se verá forzado a proseguir su lucha contra sus batalladores enemigos. 

Ûchu Senkan Yamato fue una de las series japonesas que tuvo el privilegio de inaugurar el subgénero de la ciencia ficción galáctica conocido como space opera, un término que en el caso de Leiji Matsumoto (co-creador de la serie original) está plenamente integrado en su refinado gusto musical por la ópera clásica (sobretodo por la obra de Wagner, tal y como demostró al concebir su posterior obra de culto Capitan Harlock). Pero volvamos a la serie original, pues esta obsesión por los buques espaciales, tomando prestado los modelos verídicos de la flota japonesa cuando aún disponía de un sólido ejército, se tradujo en esta apasionante historia marcial entre un reducto de héroes que arriesgan sus vidas para intentar proteger la vida de nuestro planeta de la amenaza de una desconocida raza alienígena. Unos alienígenas que no responden a los estereotipos de los clásicos aliens vistos en la ciencia ficción norteamericana, lo que supuso una revolución en el campo de la sci-fi con respecto al diseño conceptual de los  invasores. Toda una proeza que queda constatada en esta versión fílmica que supera con creces al manga original. Pero ojo, pues el concepto del serial fue creado en 1974 por Yoshinobu Nishizaki junto con Matsumoto, y fue lanzado al mismo tiempo tanto en anime como en manga (publicado por Akita Shoten y luego recopilado en 3 volúmenes).

Podemos hablar pues de un manga-eiga atípico, pues si de las páginas de Matsumoto (con su ausencia de tramas, su sentido de la verticalidad en las batallas y una clara vocación por imprimir una fuerte personalidad a sus personajes) se desprendía una cierta sensación de estatismo permanente, donde las batallas prácticamente quedaban relegadas a segundo plano, en el filme que ha rodado Takashi Yamazaki se opta por modernizar el producto original, rellenando su abultado metraje con espectaculares enfrentamientos complementados por una brillante puesta en escena y delimitando muy bien la personalidad de los clásicos personajes (Susumu Kodai, Yuki Mori, el alcohólico doctor Sado reconvertido en una atractiva fémina, etc.), sin profundizar demasiado en sus traumáticos pasados, con tal de mantener el excelente sentido del ritmo que fluye hasta el final. En este aspecto, Yamazaki ha hecho un esfuerzo de planificación secuencial envidiable, y sabe perfectamente qué esperaban los productores: un largometraje ocioso, que respetase la esencia de Yamato, pero que se impusiera a esos cánones clásicos de la ciencia ficción japonesa espacial que desde finales de los 70 han permanecido prácticamente inalterables (y me viene a la mente una serie de títulos que podrían emparentarse, como la ascética Odin o Legend of the Heroes of the Galaxy del estudio Madhouse).

Si hay algún elemento más a destacar que ayude a definir la grandeza de este blockbuster es su banda sonora, que de forma orquestal da un impulso definitivo al tempo que imprime Yamazaki, lo que hace que pase por nuestras retinas de forma tan veloz como esa aceleración espacio-temporal “warp” que permite a la nave desplazarse de forma inminente por los confines del espacio.

Contando las producciones animadas que se han realizado a lo largo de la historia de esta mini-saga espacial (destaco Final Yamato de 1983, con una duración épica de 163 minutos), Space Battleship Yamato es la octava película, sirviendo de coda, pues a esta serie de culto que ha sido interpretada por muchos aficionados como una lucha personal del hombre para defender sus libertades individuales (en sí toda la obra de Matsumoto va enfocada hacia esa línea) y una advertencia con respecto a los males que inflingimos a nuestro planeta. Ahora podemos disfrutarla con total libertad a través de una cuidada edición (gentileza de Mediatres, que nos ofrece un master perfecto en audio e imagen), que servirá para revivir la proeza de unos voluntariosos japoneses que pretenden sacrificarse para salvar el bien más preciado que tenemos: la Tierra. ¡Larga vida a Yamato!  

Lo mejor: El ritmo trepidante, su banda sonora (gentileza de Naoki Sato) y los CGI.
Lo peor: La previsible resolución de la opereta galáctica se precipita en el clímax final, sin dejar margen a una explicación posterior de cómo finalmente se consigue repoblar la flora del planeta Tierra.  

Por nuestro colaborador Eduard Terrades Vicens

viernes, 8 de julio de 2011

Confessions: crimen y castigo en las aulas.

Mediatres Estudio acaba de lanzar esta semana dos de los títulos más potentes de la cinematografía japonesa. Dos títulos que tan bien recuerdan los espectadores que asistieron al pasado Casa Asia Film Week, ya que ambas: la sesión de Confessions, y la siguiente de Space Battleship Yamato, acabaron con un éxito de público.
Nos acercamos hoy al primero de estos lanzamientos, el de Confessions, por partida doble: en primer lugar, con la crítica de la película realizada por nuestra colaboradora y amiga Beatríz Martínez, y en segundo lugar convocando un nuevo concurso para que puedas conseguir uno de los dvds de la cinta de Tetsuya Nakashima. No quiero haceros esperar más.

Confessions. Director: Tetsuya Nakashima Año: 2010 País: Japón Con: Takako Matsu, Yoshino Kimura, Masaki Okada, Ai Hashimoto. Género: Thriller/Drama

A pesar de ser todavía un director prácticamente desconocido en nuestro país, Tetsuya Nakashima se ha convertido en uno de los autores más interesantes del panorama cinematográfico japonés. Su capacidad de inventiva estalló en títulos emblemáticos como Kamikaze Girls o Memories of Matsuko, en las que utilizaba el mestizaje genérico para imbuirse en la cultura pop de su país de origen y extraer de ella todo su revulsivo componente kistch. Sin embargo, en su último y aclamado trabajo, Confessions, abandona el pastiche y el colorido visual que se habían convertido en marcas de estilo para adentrarse en un relato de naturaleza mucho más sombría en el que predomina la sobriedad y la estilización en la puesta en escena al tiempo que sus imágenes discurren al ritmo melancólico e insistente de un tema de Radiohead.
El director se adentra en la trastienda del horror cotidiano, en la génesis de monstruos infantiles capaces de cometer las mayores atrocidades, configurando una sociedad que ha ido perdiendo los cimientos de la moral para convertirse en una degeneración patológica de sí misma. La tortura emocional y la crisis existencial se apoderan de los personajes de la película. Por una parte, una profesora que ha perdido a su niña, asesinada; por otra, algunos de sus alumnos, involucrados en tan fatídico crimen. Nakashima concentra sus fuerzas en un arranque de una virulencia inesperada que determinará el juego de venganzas que se desarrollará a continuación: la maestra habla con detenimiento a una clase que no le presta ninguna atención hasta que, durante su monólogo, confiese un secreto que les atañe directamente, dando inicio a una serie de acciones que determinará una espiral de culpabilidades no asumidas y de traumas anclados en un pasado que siempre termina por volver. Un camino escabroso hacia las profundidades del alma más retorcida del ser humano en el que no hay lugar para la esperanza, porque todos los personajes, al fin y al cabo, están condenados de antemano. Así, sus confesiones no tendrán nunca un carácter catártico, sino únicamente punitivo, porque de lo único que se trata es de enseñar a través del dolor. Una mirada extremadamente amarga hacia una sociedad y hacia toda una generación que parece podrida de antemano, que no tiene alma y que ha perdido la capacidad de sentir.  
Tetsuya Nakashima dota de una fuerza poética desgarradora a las imágenes de la película, quizás abuse de los ralentíes y las imágenes evocadoras pero éstas terminan imprimiendo un tempo muy preciso y una sensorialidad que nos introduce directamente en la psique y en las motivaciones de cada uno de los personajes. La crueldad a veces puede ser también bella.
Lo mejor: El tratamiento visual con el que envuelve el director la cinta.
Lo peor: El exceso de ralentíes pueden resultar demasiado enfáticos.
Beatriz Martínez

jueves, 30 de junio de 2011

Doble lanzamiento de Brillante Mendoza: KINATAY // LOLA (Abuela)

Título original: Kinatay
Dirigida por: Brillante Mendoza
Ficha (artística): Coco Martin; Maria Isabel Lopez
Guión: Brillante Mendoza
Género: Thriller
Edita: Colección Cahiers de Cinema España (Cameo)

En 2009 el director de origen filipino Brillante Ma. Mendoza alcanzó un notable reconocimiento internacional gracias a Kinatay, película con la que logró alzarse con el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes. Nos encontramos ante una película asfixiante, de naturaleza perturbadora, en la que el cineasta se sumerge en los males endémicos que asolan a la sociedad filipina al mismo tiempo que realiza un retrato desolador de la naturaleza humana. Comenzamos nuestro itinerario de día, y seguimos al joven Peping durante la jornada de su boda en un recorrido zigzageante por las calles de Manila, rebosantes de vida, de caótica y frenética actividad diaria. Es momento para la ilusión, para la esperanza de un nuevo camino que comienza (Peping está a punto de licenciarse como policía y espera un hijo de su ahora esposa). Un marco donde todavía tiene sentido la inocencia de la juventud. Pero llega la noche y se tiñe de sombras. Se convierte en el perfecto escenario para actuar con impunidad, para ejercer el mal. Peping acompañará a un comando de policía para completar sus prácticas en la Academia y ahí es cuando se encontrará de bruces con el horror. Sus nuevos compañeros ejercerán la violencia y la extorsión a cambio de dinero, convirtiéndose en una peligrosa mafia callejera que contará con la impunidad del abuso de poder para conseguir sus propósitos. Un descenso a los infiernos, un viaje al corazón de las tinieblas y de la perversión moral, claustrofóbico y asfixiante, en el que el director demuestra un pulso narrativo impecable a la hora de mantener una malsana tensión ambiental, siempre al borde de la náusea, de la arcada emocional como fiel reflejo de los albores del fin de la civilización, que es precisamente lo que parece desprenderse del visionado de la película. Y es que no hay nada más apocalíptico que comprobar la perturbadora capacidad del mal para adueñarse de la especie humana.

Título original: Lola
Dirigida por: Brillante Mendoza
Ficha (artística): Anita Linda; Rustica Carpio
Guión: Brillante Mendoza
Género: Drama
Edita: Golem (Cameo)

Tras este durísimo viaje iniciático, Brillante Ma. Mendoza cambió de registro en Lola, un homenaje a toda una generación de mujeres que, aunque ya ancianas, han continuado constituyendo el núcleo más activo e implicado de la población, aquéllas capaces de tirar de sus familias y de luchar por cada uno de sus miembros. Precisamente la cara opuesta del atónito joven Peping de Kinatay, mujeres curtidas por la vida a la que ya nada les sorprende y que tienen como único motor luchar por aquellas personas que aman. De alguna forma, Lola también escarba en las miserias de una sociedad huérfana de madres, en la que los hijos vagan sin un rumbo determinado. Lola demuestra la capacidad inquisitiva de Mendoza a la hora de utilizar la cámara en el seno de un escenario en continuo movimiento, tan vivo y desconcertante como las calles de Manila, practicando un estilo de raigambre social que le acercaría al cine de Ken Loach. Quizás le falte la rigurosidad y la concreción formal de Kinatay, y el sentido del humor que latía en Serbis, pero sin duda constituye una muestra del talento del director a la hora de elaborar una planificación secuencial milimétrica dentro del caótico polvorín que supone rodar en un paisaje urbano tan opresivo como agónico. Así, el empeño de dos abuelas (“lolas” según la jerga local), en ayudar a sus respectivos nietos (una para vengar la muerte de uno y otra para defender al asesino del otro) se convertirá en una pequeña odisea, casi como si de un film de supervivencia se tratara, que las enfrentará a las instituciones, a sus prejuicios y a su propia dignidad ética.

Lo Mejor: Su realismo, tan crudo, tan duro… sin concesiones (Kinatay) // La interpretación de las dos ancianas protagonistas (Lola).

Lo Peor: Que no haya tenido un estreno en cines (Kinatay) // Quizá el exceso de melodrama y poco rigurosidad formal (Lola).

Por Beatriz Martínez

lunes, 23 de mayo de 2011

Cartelera DVD: "El Viento Nos Llevará" (Irán, 1999)

Director: Abbas Kiarostami
Año: 1999
País: Irán
Género: Drama
Con: Behzad Dorani, Noghre Asadi,
Roushan Karam Elmi
Edición DVD: Avalon

Un equipo de filmación llega a un remoto pueblo con la intención de registrar el inminente funeral de una anciana enferma, pero la mujer no termina de morir y los tres hombres (de los cuales sólo llegaremos a ver a uno) deben resignarse a esperar el fatal suceso sin otra cosa que hacer. Esta sencilla premisa, no mucho más desarrollada en la trama, es la base sobre la que se construye El Viento nos Llevará, una película de aspiraciones filosóficas que, como quien no quiere la cosa (el cine de su realizador se caracteriza por la desdramatización y la ironía), nos habla de la Vida, la Muerte y el lugar del Hombre en la Naturaleza.
La cinta es un ejemplo, como otras películas de Abbas Kiarostami, de cine moderno en una de sus acepciones más radicales. Siguiendo los pasos de Rossellini, el director iraní filma el tiempo a la vez que cede en parte la iniciativa al discurrir de la vida real. No es que el cineasta no intervenga en lo que ocurre ante la cámara o que la ficción no lleve la voz cantante, ni mucho menos. De hecho, los límites de la narración y la imagen son constantemente forzados para reducir la cantidad de información, contribuyendo así al proyecto depurativo de Kiarostami. Pero, mucho más que en la mayoría de películas, el azar es invitado a participar de la dramaturgia, y dotarla de un aire de verdad.
El Viento nos Llevará, ganadora de un León de Plata en Venecia, supuso un punto de inflexión en la carrera de Kiarostami, pues se trata de su último trabajo rodado en celuloide antes de pasarse al digital, con el cual –tal vez– pretende acercarse más a la textura de lo real.
Lo mejor: El humor, que facilita el acceso a la historia sin ser una concesión.

Lo peor: El film no le entrará a quienes prefieran el drama y la trama.´

Características técnicas 
Director: Abbas Kiarostami
Año: 1999
País: Irán
Género: Drama
Con: Behzad Dorani, Noghre Asadi, Roushan Karam Elmi

Un equipo de filmación llega a un remoto pueblo con la intención de registrar el inminente funeral de una anciana enferma, pero la mujer no termina de morir y los tres hombres (de los cuales sólo llegaremos a ver a uno) deben resignarse a esperar el fatal suceso sin otra cosa que hacer. Esta sencilla premisa, no mucho más desarrollada en la trama, es la base sobre la que se construye El Viento nos Llevará, una película de aspiraciones filosóficas que, como quien no quiere la cosa (el cine de su realizador se caracteriza por la desdramatización y la ironía), nos habla de la Vida, la Muerte y el lugar del Hombre en la Naturaleza.
La cinta es un ejemplo, como otras películas de Abbas Kiarostami, de cine moderno en una de sus acepciones más radicales. Siguiendo los pasos de Rossellini, el director iraní filma el tiempo a la vez que cede en parte la iniciativa al discurrir de la vida real. No es que el cineasta no intervenga en lo que ocurre ante la cámara o que la ficción no lleve la voz cantante, ni mucho menos. De hecho, los límites de la narración y la imagen son constantemente forzados para reducir la cantidad de información, contribuyendo así al proyecto depurativo de Kiarostami. Pero, mucho más que en la mayoría de películas, el azar es invitado a participar de la dramaturgia, y dotarla de un aire de verdad.
El Viento nos Llevará, ganadora de un León de Plata en Venecia, supuso un punto de inflexión en la carrera de Kiarostami, pues se trata de su último trabajo rodado en celuloide antes de pasarse al digital, con el cual –tal vez– pretende acercarse más a la textura de lo real.
Lo mejor: El humor, que facilita el acceso a la historia sin ser una concesión.

Lo peor: El film no le entrará a quienes prefieran el drama y la trama.

Contenido del dvd: Película. El Viento nos Llevará (poema). Libreto crítico con textos de Anna Petrus. Largometraje documental: Abbas Kiarostami: The Art of Living.

Jordi Codó

martes, 26 de abril de 2011

Salta con nosotros a través del tiempo y consigue una de las ediciones en DVD o Bluray de...

Que Mamoru Hosoda (junto con grandes como Miyazaki, Takahata o Kon) es uno de los directores de animación a tener en cuenta es un hecho comprobado. Más aún después de ver la película que hoy nos abarca y la que es por el momento su última obra, Summer Wars, de la que os hablé hace poco aquí.

Basada en la obra de Yasutaka Tsutsui (Paprika, de Satoshi Kon es también obra suya) la historia ha pasado por otras adaptaciones, pues ya tuvo una película en 1983, una serie en 1994 y una nueva película en 2010. Hoy nos centraremos en la versión animada de 2006.

¿Qué harías si pudieras dar marcha atrás en el tiempo? Con esta frase, o más bien con la respuesta que cada uno/a de vosotros/as pudieseis dar, se podría resumir La Chica que Saltaba a Través del Tiempo, que se hizo con el galardón de Mejor Película de animación en el Festival de Sitges 2006.

Esta es la pregunta que se hace Makoto Konno, una muchacha normal y corriente, cuando un buen día descubre que ha adquirido la habilidad de saltar literalmente a través del tiempo. Gracias a este don, Makoto puede hacer lo que quiera: evitar los accidentes, repetir los exámenes tantas veces como quiera, comer sus platos favoritos hasta hartarse, ayudar a sus compañeros con sus primeros amores, dedicar horas y horas a un karaoke hasta quedarse afónica... Pero muy pronto descubre que todo está interconectado y que sus actos, por muy bienintencionados que sean, pueden llegar a tener consecuencias nefastas en las vidas de aquéllos que la rodean. ¿Será esto un don o es más bien una maldición? Cambiar el pasado puede ser un don muy peligroso, especialmente cuando se tiene que aprender a vivir sin él...

Esta es la premisa de la que parte La Chica que Saltaba a Través del Tiempo. Un tiempo que puede tornarse caprichoso cuando jugamos con él a favor nuestro, pues al alterarlo cambiamos también la realidad de los que nos rodean. No penséis, engañados por el título, que en esta maravillosa película encontraréis una historia de ciencia ficción llena de viajes en el tiempo, pues no será lo que halléis. En su lugar descubriremos un magnífico drama, con toques de comedia y una subtrama romántica que terminará por encarrilar el argumento de la misma. Nuestra protagonista, que se considera una chica con suerte hasta cierto día en que parece que el destino le ha dado la espalda, descubrirá, a modo de crecimiento y maduración personal, que no puede evadir ciertos aspectos que son importantes en la vida, pero que para ella son hechos que preferiría desviar. Hechos como que su hermana se coma su flan, que un amigo no le pida salir, no ser el hazmerreír de la clase de cocina, hacer bien un examen... Y será mediante los saltos en el tiempo como Makoto descubra lo que siente realmente por su amigo y se dé cuenta de que, como bien reza la película: "El tiempo no espera a nadie...". Estos serán los elementos más fantásticos que podréis encontrar en la película, y que a su vez serán los elementos narrativos con los que descubriremos una historia muy particular pero a la vez llena de matices que podemos descubrir en la vida real.

¿Quién no ha deseado alguna vez poder volver a revivir algún momento pasado o poder elegir el camino que nunca pensó?... De eso se trata, de valorar lo que tenemos y a pesar de ello plantearnos qué hubiésemos hecho si nos dieran una segunda oportunidad y, sobretodo, qué estaríamos dispuestos a hacer por cambiar las elecciones que tomamos. 98 minutos que se os pasarán volando y donde podréis apreciar una animación que rebosa colorido, detalles y sobre todo, que lo hace todo muy real. Detrás de la cara divertida y amable de la película de animación se esconden unos argumentos muy sólidos, llenos de reflexiones y sabores agridulces, como la vida misma. No lo dudéis y echadle un vistazo, no será "tiempo perdido", os lo aseguro.

Una bonita y melódica banda sonora de Kiyoshi Yoshida y el tema principal compuesto por Oku Hanako titulado "Garnet" ponen el broche de oro a una brillante película.

Lo mejor: Los personajes (tanto la protagonista como los secundarios Chiaki, Kosuke, el trío de chicas), la ambientación, la banda sonora, el ritmo, la animación... y cómo no, el argumento. Podría sacar más cosas positivas, pero creo que con eso captáis lo que me ha parecido la película.
Lo peor: Si tengo que sacar un "pero" a la película, sería el hecho de las dudas sin respuesta que nos plantea la película sobre ciertos aspectos relacionados con alguno de los personajes y que quedan un tanto sueltos (en especial el de uno que se nos presenta como omnisciente), para que seamos los espectadores los que nos planteemos su resolución. Aunque he de decir que no por eso le bajaría nota a esta magnífica adaptación. Siempre me queda un grato recuerdo cuando una película, además de entretener, te hace pensar y seguir dándole vueltas aun habiendo terminado hace tiempo.

Dos son las ediciones que Selecta Visión tiene en el mercado:

Por un lado, la edición en DVD que nos presenta la película en un formato de pantalla 16:9 y formato de imagen 1.78:1, acompañado por cuatro pistas de sonido en Dolby Digital: DTS 5.1 en castellano y Dolby Digital 5.1 en castellano, japonés y catalán. Como no, subtítulos en castellano y catalán.

Por otro, la versión Combo, que además de llevar el DVD anterior cuenta con un Bluray donde todos los aspectos se magnifican. La película viene presentada en formato de pantalla 16:9 Full HD 1080p, por lo que podéis imaginar la calidad que llega a tener. Como complemento a la gran calidad de imagen, en cuanto al apartado de sonido cuenta con cuatro pistas en Dolby Digital 5.1 DTS-HD: castellano, japonés, inglés y catalán (con subtítulos en castellano, catalán e inglés).

Como contenidos extra en ambas ediciones encontraremos la ficha técnica y artística, notas de producción, otros títulos, un vídeo de la rueda de prensa el día del estreno, el vídeo-clip de Oku Hanako "Garnet", trailer de cine y trailer promocional.
¿Quieres participar en el sorteo de la edición en dvd de La Chique que Saltaba a Través del Tiempo?

Participa y responde a la siguiente pregunta:

Cómo se llaman los dos amigos que acompañan a Makoto en esta aventura?

Envía la respuesta a: concursos@cineasia.net

Salvador Navarro (Blog Visual)

Y las ediciones hipersónicas de Akira son para...


Hace unos días comentábamos la salida de las nuevas ediciones en dvd y Bluray de Akira. Es hora de desvelar el nombre de los ganadores del concurso...

La edición en DVD viene presentada en un formato de pantalla 16:9 y contiene cinco pistas de audio, de las cuales castellano (nuevo doblaje) y japonés son Dolby Digital 5.1 y catalán, valenciano y castellano (doblaje de cine) vienen presentadas en Dolby Digital 2.0. Como siempre contaremos con una pista de subtítulos en castellano. Como contenidos extra contaremos con el Teaser 1 y 2, TV Commercial, Trailer 1 y 2, Storyboard y Otros títulos.

Por su parte, la edición en Bluray será una edición Combo que incluye además de la edición en dvd un Bluray de los que llaman la atención. Nos encontramos con una edición en Alta Definición con un formato de pantalla 16:9 Full HD 1080p. Audios español 5.1 DTS HD Remasterizado y aparte, las mismas pistas de la edición en dvd. Los contenidos extra serán idénticos también. Ahora bien, esta edición incluye una de las mayores novedades de los últimos tiempos: el llamado "Sonido Hipersónico". Ni más ni menos consiste en aprovechar la tecnología del formato Bluray para lograr una frecuencia de muestreo de 192 KHz con una resolución de 24 bits. Esto produce un aumento de la estimulación cerebral, causada por la exposición a frecuencias sonoras ultrasónicas de hasta 100 KHz que son absorbidas a través de la piel y los tejidos, activando la red neuronal que procesa la belleza, el placer y la emoción.

Y las ediciones hipersónicas de Akira son para:

Ediciones sencillas:
Isabel Lázare
Oriol Estrada
Jordi Nadal
Roberto López Durán
Luisa Pérez Llanos

Edición en Bluray:
Jose María Rubio Delgado
María Cuenca Rodríguez

Han sido muchos los que habéis participado en el concurso para poder llevaros una de las  copias de Akira. Felicidades a los ganadores (en breve contactaremos con vostros para que nos facilitéis vuestra dirección), y a muchas gracias en nombre de Selecta Visión y CineAsia a todos los que habeis participado en el concurso.

viernes, 15 de abril de 2011

La trilogía de “20Th Century Boys” por separado a partir del 19 de abril

Hace un par de semanas Mediatres Estudio informó, que a partir del próximo martes 19 de Abril, se podrán encontrar a la venta las tres películas de 20th Century Boys por separado. Una nueva opción para poder conseguir esta maravillosa adaptación ya que no olvidemos que tenemos en el mercado el magnífico pack coleccionista que incluye los 3 capítulos de la trilogía además de un libreto con información adicional del manga, las películas y un prólogo escrito por Ángel Sala (Director del Festival de Sitges).

20th Century Boys es la adaptación a imagen real del manga homónimo creado por Naoki Urasawa, editado en España, que se convirtió desde que salió a la venta en el año 2000 en uno de los más importantes e influyentes mangas de la historia de Japón, debido en gran parte a la complejidad de su trama, el gran número de personajes, la madurez de su relato y la extensión de la historia que narraba: los primeros episodios empiezan a finales de los años 60 y la historia termina en los años 20 del siglo XXI.

Las tres ediciones (1-El principio del fin, 2- La última esperanza y 3- Redención) vienen presentadas en formato de pantalla 16:9 anamórfica y con un formato de imagen de 1.85:1. En cuanto a las pistas de sonido nos encontraremos con dos: castellano y japonés en un fabuloso Dolby Digital 5.1, con el añadido de la pista de subtítulos en castellano.

Si no os atrevéis a comprar el pack pensando que no os gustará (cosa que dudo), pues podéis empezar por adquirir la primera entrega y si quedáis convencidos, pues seguir con el resto. Sin duda, una de las mejores adaptaciones live-action de los últimos tiempos.

Salvador Navarro (Blog Visual)

martes, 12 de abril de 2011

Y los dvds de Uncle Boonmee son para...

Buenas tardes cineasiáticos.

Hace menos de un mes Karma Films lanzó en DVD dos ediciones de la película tailandesa "Uncle Boonmee Recuerda Sus Vidas Pasadas". La edición sencilla que contiene la película recientemente ganadora del Premio a la Mejor Película en los Asian Film Awards (además de conseguir la Palma de Oro en Cannes), y la edición coleccionista, que contiene tres discos: uno con la película, otro con la edición en blu Ray, y un tercer dvd que contiene desde una entrevista en exclusiva con el realizador tailandés Apitchapong Weerasethakul, el cortometraje "Cartas al Tío Boonmee", escenas eliminadas, trailers.

Han sido muchos los que habéis participado en el concurso para poder llevaros una de las diez copias de Uncle Boonmee. Felicidades a los ganadores (en breve contactaremos con vostros para que nos facilitéis vuestra dirección), y a muchas gracias a todos los que habeis participado en el concurso. Muchas gracias en nombre de Karma Films.

Es hora de desvelar el nombre de los ganadores:

Ediciones sencillas:
Daniela Zabaleta
Jonathan Tibaduzia
Dolores Mérida
Luz Rigau
Marcos Gutiérrez
Jose Luis Pérez

Edición de coleccionista:
Hector Cabrera
Mari Carmen Céspedes
Amaia Dosantos
Luis Gómez