miércoles, 27 de julio de 2011

De nuevo juntos el tándem Louis Koo y Daniel Wu

Tras despedir el 2010 actuando juntos en el recomendable thriller de acción Triple Tap y comenzar el 2011 con ese experimento disfrazado de comedia romántica dirigido por Johnnie To que fue Don’t Go Breaking my Heart, los guaperas de Louis Koo y Daniel Wu parece que no se cansan de compartir proyectos en la gran pantalla y ya tienen a punto de caramelo (se estrenará a principios de Agosto de este año) la segunda parte de Overheard (ganadora del premio al mejor montaje en la 29 ª edición de los Hong Kong Film Award), titulada Overheard 2. Y decimos segunda parte que no secuela, porque aunque los directores, Felix Chong y Alan Mak (responsables de la saga Infernal Affairs y que a su vez también firman el guión), sean los mismos que el original, y se haya conservado el título añadiéndole el número 2 al lado, no se trata de una continuación al uso. Sí que mantendrá cierta semejanza en la trama, pero los tres actores principales interpretan papeles diferentes a los de la original. Lau Ching-Wan dará vida a un inversor de bolsa espiado por Wu, mientras que Koo será un policía que les sigue la pista. En cuanto a las féminas que aparecen en el film se refiere, podemos encontrar a las guapas Michelle Ye (Fire of Conscience, Dream Home) y Yi Huang (The Road Less Travelled, Brothers). En roles secundarios destacar la presencia de Wilfred Lau (Bruce lee, my Brother) y el veterano Kenneth Tsang (Prince of Tears). El estreno de Overheard 2 tendrá lugar en Hong Kong el próximo 18 de Agosto.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

Nosolocine: B.S.O. Ni No Kuni: Shikkoku No Madoshi

Compositor: Joe Hisaishi
Año: 2011
Habíamos visto a Hisaishi componiendo para anime, para largometrajes, para series televisivas; dentro del cine japonés, del coreano, en Francia… Pero donde aún no le habíamos visto era en la labor de componer una banda sonora para un videojuego. Cierto es que el tema de la música de los videojuegos está, hoy en día, cada vez más cuidado, recurriendo a potentes orquestas, coros y a compositores de prestigio procedentes muchas veces del cine o de la televisión. Pero a pesar de ello, el mundo de las consolas nunca había atraído a nuestro compositor… hasta el momento, con el lanzamiento del juego para Nintendo DS, Ni No Kuni: Shikkoku No Madoshi.

El motivo de la participación de Hisaishi puede que lo encontremos en dos causas: por un lado, que el estudio creador del videojuego, los japoneses Level 5, decidieran que iban a tirar la casa por la ventana y contratar al compositor de música de cine más prestigioso de su país; o por otro lado, que Hisaishi accediera a este trabajo debido a la participación del Studio Ghibli en la realización del juego, que se ha encargado del diseño de ilustraciones, personajes y fondos para el mismo. Realmente, si podéis echar un ojo al libreto del CD (ya que yo no he podido jugar al juego), podréis ver una serie de ilustraciones como fondos, lista de personajes y capturas de escenas que siguen el estilo inequívoco del famoso estudio de animación de Hayao Miyazaki.
Pasando a comentar ya el disco, hay que decir que desde la primera nota que suena al poner el CD, podemos reconocer el estilo inconfundible de Joe Hisaishi. El compositor ha recurrido a la Tokyo Philharmonic Orchestra con la que el autor ha sabido desplegar y dar rienda suelta a su habitual derroche sinfónico. La música suena como nunca, con una fuerza y una energía tremendas; Hisaishi aprovecha la excusa del videojuego para lucir todo su talento a la hora de componer épicas melodías, fastuosos temas de acción y una variada mezcla de temas y estilos.
El disco arranca con fuerza gracias al Main theme, un potente tema dedicado a capturar el carácter épico y aventurero del videojuego. Hay presencia de flautas que le dan a la música un cierto aire celta. Más adelante, nos encontraremos con algún otro toque exótico más, como en el corte 9, Neko Kingdom's Castle Town, también de aires celtas o en el 10, Desert Kingdom's Town, con aires más árabes. El tono predominante en el disco es el trepidante, el aventurero y potente; el compositor luce su habilidad para los momentos de acción en buena parte de los temas, destacando los cortes finales, como por ejemplo, el 18, To the Decisive Battle, o el 19, Final Battle, donde el motivo central reaparece en versiones más épicas y más enérgicas que nunca. Pese a que parezca lo contrario, también hay momentos para la calma, en el corte 2, Morning of Beginning, o en el número 5, Arie / Recollection, un bonito y melancólico tema musical, o el 6, Shizuku, más desenfadado… Sería eterno comentar el disco corte por corte, pero la sucesión de tracks nos permite dar cuenta de toda la variedad melódica, de tonos y de estilos, todo ello dentro de un estilo sinfónico directamente apabullante.

Para terminar de comentar el disco, tenemos una canción interpretada por la cantante japonesa Mai, la típica canción destinada a darle un toque más comercial al CD. Por suerte, en esta ocasión, la música de la canción ha sido compuesta por el propio Hisaishi (ahora descubrimos que alguno de los temas que aparecían en el disco, como en el corte 8, Field, era la versión instrumental de esta canción) con lo que, afortunadamente, el nivel del tema está por encima de lo que suele ser habitual (a lo que hay que reconocerle el mérito a la excelente voz de la cantante también).

Por resumir, nos encontramos ante un excelente trabajo, que aunque no se encuentre entre los grandes logros del compositor (los trabajos de Hisaishi para Miyazaki ya son harina de otro costal), sí nos permite disfrutar enormemente ante un disco plenamente sinfónico, de enorme energía, épico y, a la vez, tremendamente variado en melodías y en estilos.

Puntuación: 8 de 10

Por nuestro colaborador Felipe Múgica

martes, 26 de julio de 2011

Las "Guillotinas" de Andrew lau y Peter Chan

Una de las mejores películas de artes marciales realizadas en los años 70 fue sin duda la producción de los Shaw Brothers, The Flying Guillotine (Xuedizi, 1974). La película giraba entorno a una poderosa y muy afilada arma que podía decapitar a sus víctimas. Este tipo de guillotina se hizo popular durante la Dinastía Qing, cuando asesinos tibetanos fueron enviados a China para matar a luchadores legendarios. Parece ser que cuarenta años después el tema se va a retomar para una nueva superproducción que se titularía simplemente The Guillotines. Aunque originalmente el proyecto iba a llevar la firma del prestigioso realizador Teddy Chen (Bodyguards and Assassins), parece ser que quien finalmente se hará con las riendas de la producción será Andrew Lau (Infernal Affairs). Lo que no varía bajo ningún concepto es el nombre del productor: el todopoderoso Peter Chan (The Warlords), quien ya se ha apresurado a confirmar que no estamos ante un remake confeso del film original del 1974, razón por la que ha decidido cambiar su título.

Se ha confirmado que el elenco actoral estará encabezado por Ethan Ruan (Monga, Brotherhood of Legion) y Huang Xiaoming (quien alcanzó cierta fama por su rol en Ip Man 2, y a quien veremos próximamente en Amazing y Painted Skin 2). El encargado de coreografiar las múltiples escenas de acción que aparecen en el transcurso del film no es otro que el legendario Yuen Bun, muy unido a la filmografía de Johnnie To, con títulos como Election o Breaking News. Con el comienzo de la producción en Agosto, se espera ver el vuelo de estas guillotinas a finales de 2011 o principios de 2012.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

Nuevo proyecto para Lu Chuan

Después de haber alcanzado la gloria en cuanto a reconocimientos por parte de público y crítica se refiere con su anterior trabajo, Ciudad de Vida y Muerte (Nanking Nanking, 2009), film que le valió entre otros la Concha de Oro de San Sebastián, el realizador nacido en Lu Chuan acomete su nuevo proyecto, que lleva por título The Last Supper. Este film, situado cronológicamente en las postrimerías de la dinastía Qing, nos cuenta la historia de dos poderosos generales, Liu Bang y Xiang Yu, que luchan por controlar el país. Ambos aspiran a convertirse en emperadores e impulsar el nacimiento de una nueva dinastía. El título hace referencia a un gran banquete celebrado en el campamento de Hongmen, localizado a 10 kilómetros al noreste del distrito de Lintong en Xi'an. Durante este legendario acontecimiento (inmortalizado en novelas, series de televisión y óperas) llegarían a establecerse las bases de la dinastía Han tras la traición orquestada por Xiang Yu contra sus rivales. Con un presupuesto cercano a los 9 millones de euros (prácticamente el mismo con el que contó en su anterior trabajo), el rodaje comenzó el pasado 9 de Marzo en localizaciones de Huairou y Zhejiang. El taiwanés Chang Cheng (Aliento, Parking), el chino Liu Ye (Ciudad de Vida y Muerte) y el hongkonés Daniel Wu (Blood Brothers) encabezan un reparto que completan Qin Lan, Yang Mi y Yan Ni. Chow Yun-Fat estuvo asociado al proyecto en la primera etapa de la pre-producción.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

Casa Asia Film Week: Entrevista a Xavi Campreciós, director del documental Abierto 24 Horas

Entrevista a Xavi Campreciós, director del documental Abierto 24 Horas que participó en las actividades paralelas realizadas en Casa Asia durante la celebración del Casa Asia Film Week el pasado mes de Junio.

CineAsia: Durante el tiempo que duró el rodaje del documental, ¿tuviste la sensación en algún momento del rechazo que se dice tienen los chinos de otras etnias hacia los integrantes de la etnia hui? ¿Este rechazo tiene algo que ver con su distinta cultura gastronómica? 

Xavi: Yo nunca percibí rechazo alguno hacia esta familia hui, aunque se sabe que en cierto grado existe en China. No debido a su religión o cultura gastronómica sino, como dice uno de los personajes del documental, a su origen campesino y al hecho de tener una apariencia semejante a la gente de origen uigur, de la provincia de Xinjiang, a quienes muchos chinos asocian con robos y atracos.

CineAsia: ¿Crees que la mentalidad occidental puede llegar a entender el culto al trabajo que poseen los pueblos orientales, y que superpone a las relaciones familiares?

Xavi: En el caso de China, personalmente puedo entender lo siguiente: si vives en una sociedad en la que todos los comercios abren 7 días a la semana, y en la que, por ejemplo, colectivos como el de los taxistas trabajan prácticamente 365 días al año, quizás no te planteas con gran dramatismo el hecho de que a ti te toque hacer lo mismo. Es lo que hace una gran parte de la población. Además, hay muchos factores que están relacionados, como pueden ser la alta competitividad y competencia (no hace falta recordar la cifra de la población china), o el hecho de que los padres traten de ahorrar una cantidad considerable de dinero para invertir en sus hijos, en su educación, atención sanitaria, etc. En el caso de la familia que aparece en el documental, las relaciones familiares son, de hecho, la base del negocio, el restaurante forma parte de su proyecto como familia porque trabajan todos allí y de él se nutren todas las generaciones, que son 4.

CineAsia: ¿Qué recepción está teniendo por parte del público el documental en los diversos festivales en los que se está proyectando? ¿Te pilló por sorpresa el premio que le dieron en Documenta 2010?

Xavi: Fue una sorpresa inmensa ganar el premio. Por algún motivo, el documental no ha sido seleccionado en ningún otro festival, así que sólo puedo hablar de las críticas que he recibido de primera mano en visionados que he hecho en el Instituto Confucio, la Escuela Oficial de Idiomas o la Fundación ICO. Lo que más valora el público es la naturalidad que desprenden los personajes y la proximidad con la que está hecho, que creo que es precisamente el gran mérito de este documental.
CineAsia: ¿Cuál fue el germen del proyecto?

Xavi: El restaurante en cuestión estaba al lado de la universidad donde estudiaba chino en Shangai y a menudo íbamos a comer allí. Poco a poco, a medida que la relación entre esta familia y mi grupo de amigos se fue haciendo más estrecha, me fui dando cuenta de que había muchos puntos de interés para hacer un documental. Los personajes tenían un encanto natural, un carácter alegre, no paraban de hacer bromas tanto entre ellos mismos como con los clientes. El proceso de la elaboración a mano de los fideos me parecía fascinante. El sitio tenía el encanto de los restaurantes pequeños, del típico restaurante pequeño chino al que muchos occidentales se niegan a entrar porque tiene ese aspecto descuidado. Ellos son de una minoría étnica musulmana, la existencia de la cual sorprende a mucha gente en Europa, que cree que los chinos son chinos sin matices.
Cuando empecé a rodar tenía en mente transmitir todo esto, no tenía una idea clara del guión, de hecho nunca la tuve. Iba a filmar y buscaba la naturalidad, el realismo. Este documental es un buen ejemplo de improvisación, ya que la base estaba allí, todos los elementos de la fórmula estaban dentro de ese espacio, yo sólo tenía que pasar por allí y recopilar suficientes momentos interesantes como para que surgiera un documental interesante.

CineAsia: Del documental se desprende que del matrimonio protagonista existe más una relación de amistad que de amor verdadero. ¿Estás de acuerdo?

Xavi: Es evidente que el concepto de construir una familia para ellos es distinto al que estamos acostumbrados en las últimas décadas en España. En el caso concreto de Mali y Qiming sinceramente no sé si se puede hablar de amor, pero en todo caso sí se puede hablar de aprecio, cariño, respeto... Es verdad que nunca he visto una demostración de amor entre ellos dos en público, pero quizá ellos tienen otras formas de expresar el amor que un occidental como yo no puede percibir o entender, así que no me siento capacitado para hacer una afirmación en este sentido.

CineAsia: ¿Existe alguna posibilidad de que podamos ver próximamente el documental emitido por alguna cadena de televisión?

Xavi: Como en el caso de otros festivales, las televisiones con las que he contactado no se han mostrado interesadas en emitir el documental. Sin embargo, evidentemente es un objetivo que sigo teniendo en mente y que espero poder alcanzar algún día.

CineAsia: En algunas sinopsis del film que he podido leer dice: “encontramos un pequeño restaurante, sucio y descuidado, pero con personalidad...”. Tú que estuviste allí, ¿estás de acuerdo con esta descripción?

Xavi: De hecho la hice yo, pero ahora que me haces esta pregunta pienso que quizás no escogí el mejor adjetivo. La idea que quería transmitir era que se trataba de un restaurante pequeño y barato, y que como sucede en España con los bares más “cutres”, suelen ser los que tienen más personalidad y encanto.
               
CineAsia: En el documental se nota en todo momento un “feeling” especial entre tú y toda la familia que regenta el restaurante: ¿cómo llegaste a ese punto de confianza y amistad?

Xavi: Pues este es un rasgo característico de muchos chinos, la facilidad con la que puedes acceder a ellos. Mi relación con esta familia es parecida a la que tienen muchos extranjeros que viven en China con los dueños de las tiendas de bebidas, tabaco o restaurantes que frecuentan. No es mérito de nadie, en China es tan simple como empezar a hablar, a preguntar, y ya se establece una relación. Además son ellos los primeros que sienten curiosidad por conocer detalles de nuestros países.

CineAsia: ¿Es cierto que en China consideran los fideos como un signo de longevidad? ¿Sabes a qué es debido?

Xavi: Sí, al menos en algunas partes de China. La cultura china está absolutamente ligada a la comida, hay muchísimos ejemplos de comidas que tienen algún simbolismo. En el caso de los fideos no sé exactamente de dónde viene, pero imagino que tiene relación con el hecho de que son largos.

CineAsia: El proceso conocido como “hand-pulled noodles” reflejado perfectamente en el documental, es espectacular, y los cocineros parecen auténticos malabaristas. Los comensales que acuden al restaurante, ¿lo hacen en parte para asistir a este espectáculo o sólo nos parece un proceso mágico a los occidentales?

Xavi: Para los chinos, que lo han visto desde pequeños, no tiene demasiado interés. De hecho el restaurante del documental ya no tiene el aspecto que tenía cuando lo rodé. Hicieron obras unos meses más tarde y actualmente los fideos los hacen en la cocina, de manera que ya no se puede ver todo este proceso.

CineAsia: He podido ver algunas escenas eliminadas del montaje final. ¿Se quedó mucho material en el tintero? ¿Te hubiera gustado rodar un documental con un metraje más largo?

Xavi: La primera versión que hice duraba unos 90 minutos. Después de hacer visionados con distinta gente que me iba dando consejos, fui haciendo versiones cada vez más cortas hasta que llegué a los 30 minutos. Afortunadamente entendí que la clave es el dinamismo, que es mejor dejar al espectador con más ganas que cansarlo con escenas que para el que las rodó tienen mucha carga emocional pero que en realidad no aportan nada sustancial a la historia. Colgar en Internet las escenas eliminadas fue la solución perfecta para poder enseñar estas partes que, pese a que me gustaban mucho, tuve que cortar para que saliera beneficiado el conjunto del documental, el dinamismo, la frescura. Estas escenas, al estar colgadas en el blog, forman también parte del documental. 30 minutos me parece la duración óptima para una pieza como ésta (y me parece que es lo que deberían durar muchos documentales que se alargan sin motivo), en la que te da tiempo de sobras de transmitir lo que quieras.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

lunes, 25 de julio de 2011

Box Office Tailandia (8-10 de Julio de 2011): Sin levantar cabeza

Sigue el mal momento para el cine tailandés en las taquillas de su propio país, con sólo una película en el top 10, y con gran profusión, de nuevo, de películas estadounidenses, ocho, en el ranking semanal.

En el primer puesto, y muy por delante de las demás, tenemos la tercera parte de Transformers, en su segunda semana. En el segundo puesto encontramos la única tailandesa, aunque al menos en puestos de honor, Mai Ka Mum, dirigida y protagonizada por el comediante Petchthai Wongkamlao, que interpreta a Mum, amigo de Mai (Mai Charoenpura), una mujer a la que le rompen el corazón con facilidad. Pero a la esposa (Busarakam Wongkamlao) de Mum le molesta que su marido se acerque demasiado a Mai lo que provocará problemas entre ellos. Tras la única producción local en el ranking tenemos otro blockbuster estadounidense, Green Lantern, con ya cuatro semanas en cartel.

Cuarta queda la reciente ganadora de de la Palma de Oro del Festival de Cannes, El Árbol de la Vida, en su primera semana en el país asiático. La siguen la precuela mutante X-Men: Primera Generación, en su sexta semana, seguida de Dylan Dog: Dead of Night, con la mitad de tiempo en cartel. El séptimo lugar corresponde a Super 8, la nueva y esperada producción de Steven Spielberg dirigida por JJ Abrams, que ya lleva 5 semanas paseándose por la cartelera tailandesa.

Octava y novena tenemos dos longevas secuelas, siete semanas ya en los cines siameses, y ambientadas en Asia: Kung Fu Panda 2 y Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia!, con pura diversión y desenfreno en las calles de Bangkok. Y para terminar con el top 10 nos volvemos a encontrar una producción continental, 3D Sex and Zen: Extreme Ectasy, la nueva entrega de la popular saga erótica hongkonesa, ahora en 3D, en su quinta semana proyectándose en los cines tailandeses.

Por nuestro colaborador John Prskalo

Au Revoir Taipei (Taiwán, USA, Alemania 2010)

Año: 2010
País: Taiwán, USA, Alemania
Director: Arvin Chen
Duración: 85 m.
Género: Comedia romántica
Protagonistas: Amber Kuo, Yao Jack,
Ko, Frankie Gao, Peggy Tseng.

Más información:

Sinopsis: La novia de Kai acaba de partir rumbo a París. Sumido en una depresión por su ausencia, Kai pasa las noches en vela en una librería, que utiliza a modo de biblioteca, donde intenta aprender francés lo más rápidamente posible con el objetivo de acudir al encuentro de su amada. Pronto atrae la atención de Susie, la dependienta del local, quien intenta una y otra vez iniciar una conversación con el perseverante Kai. Por otro lado, el mafioso conocido como Hermano Bao, tío de Kai, está cansado de su atribulada vida y piensa en la jubilación, aunque no sabe si traspasar el negocio a su sobrino preferido o a Hong, líder de una banda de matones no muy brillantes, precisamente.

Crítica:
Avalada por el Premio Netpac 2010, galardón que se otorga a la mejor película asiática vista durante el Festival de Berlín, Au Revoir Taipei, título que nos remite instantáneamente al clásico de Louis Malle, Au Revoir les Enfants, nos explica las aventuras de un joven quien, al marchar su novia a estudiar a París, decide pasarse las tardes en una librería aprendiendo francés para poder ir a visitarla. Todo esto dará pié a que conozcamos a un nutrido grupo de extravagantes personajes con los que vivirá una noche bastante peculiar, muy al estilo del Jo, Qué Noche de Martin Scorsese. El director del film, Arvin Chen, ha contado para el que es su debut en el terreno del largometraje con la inestimable ayuda en su faceta de productor ejecutivo del laureado cineasta alemán Wim Wenders (lo que nos puede dar una pista del porqué fue premiada en Berlín); y si uno analiza el film puede encontrar cierta similitud con el cine del director de El Cielo sobre Berlín: la crisis de identidad de algunos de sus protagonistas, como el caso del hermano Bao, un mafioso cansado y extenuado de su corrompida vida, que ansía retirarse y entregar el bastón de mando a alguno de sus atolondrados sobrinos (uno de ellos, jefe de una banda de inusual vestimenta a la que hay que echar de comer aparte, es sin duda de lo mejorcito de la función); o esos paseos urbanos donde se pulsa de manera fehaciente y muy fidedigna el ritmo de una ciudad, aquí una Taipei de colores brillantes que contrastan con el cielo nocturno y que de alguna manera también nos acerca al Richard Linklater de Antes del Amanecer. Todo ello mostrado con esa mezcla de géneros tan característicos en el cine taiwanés donde a una escena de persecuciones le sigue una romántica, y a esta otra de corte mágico-realista, y con una banda sonora excelente (firmada por Wang Hsu, un joven compositor taiwanés que acaba de poner la banda sonora a la comedia Love You 10.000 Years), contrapunteada con sublimes momentos de jazz. A destacar también algunos diálogos hilarantes, como los que se producen entre el desgarbado y tímido amigo del protagonista y los matones que lo secuestran. La gracia del asunto estriba en que aquí nadie quiere hacer daño a nadie; no existen explosiones ni violencia gratuita, e incluso algún personaje se disculpa cuando golpea a otro un poco fuerte. Es simple diversión con mensaje un tanto trillado: el amor nos puede pasar por la cara sin darnos cuenta si estamos cegados ante una quimera imposible de alcanzar. Final feliz para todos con bailoteo incluido y a otra cosa mariposa.
En definitiva, un trabajo que destaca por su hermoso estilo visual y por la notable caracterización de sus personajes estrafalarios, pero que pierde fuelle cuando flirtea con elementos dramáticos.

Lo mejor: Algunos secundarios están muy bien buscados.
Lo peor: Funciona como comedia, pero no como drama.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

miércoles, 20 de julio de 2011

Box Office Japón (1-7 Julio 2011): ¿Viajamos a Andalucía?

Los japoneses que este mes de Julio no hayan podido marcharse a la playa o a los balnearios rurales, disponen de una buena selección de películas autóctonas con las que paliar el calor y la humedad característicos en estas fechas. Hasta siete estrenos de nacionalidad japonesa son las que conviven en cartel con tres superproducciones hollywoodienses: Piratas del Caribe 4, Thor y Super 8, la última producción de Steven Spielberg y J.J Abrams que se sitúa en el top de nuestro listado.

En cuanto a los films japoneses se refiere, la entrada con más fuerza ha sido la de un título de marcado acento español: Andalucía (Andalucia: Megami no Houfuku), una rocambolesca historia donde un inversor japonés es asesinado nada más y nada menos que en el Principado de Andorra. Un diplomático japonés, Kosaku Koroda, que se encuentra por la zona preparando una serie de conferencias, será el encargado de investigar el crimen, junto a una empleada de banco y un policía de la Interpol que esconden más de un secreto del pasado. Estamos ante un auténtico émulo japonés de las aventuras de James Bond rodado con cierto hermetismo durante el pasado año en localizaciones andorranas como Soldeu y el centro histórico de Andorra, además de algunas escenas rodadas en Barcelona, como ya os contamos en su momento. Una extraña aunque muy atractiva mezcla catalano-japonesa que lleva al protagonista del film, Yuji Oda (Tsubaki Sanjuro, TRY), a vivir un tórrido romance con una consumada “castellera” autóctona, papel que interpreta la actriz catalana Sandra Yélamos. Situaciones que ocurren en la Sagrada Familia, en la Avenida María Cristina o en el Palau Nacional deberían de ser la excusa perfecta para que alguna avispada distribuidora se hiciera con los derechos de exhibición para España. ¿Y por qué le han puesto el título de Andalucía? Pues porque toda la trama tiene su punto final en Sevilla y en la serranía de Ronda. Toda una “rara avis” que ojalá podamos disfrutar por aquí en futuras fechas.

La siguiente producción nipona de nuestro box encaramada a la cuarta posición es Fullmetal Alchemist: The Sacred Stars of Milos, título de animación producido por la Shochiku y dirigido por Kazuya Murata que supone la segunda adaptación cinematográfica de la conocida franquicia Fullmetal Alchemist (el alquimista de acero), manga escrito e ilustrado por Hiromu Arakawa. Nos introducimos en un universo ficticio en el que la alquimia es una de las técnicas científicas más avanzadas conocidas por el hombre. La historia se centra en los hermanos Edwards y Alphonse Enric, quienes quieren restaurar sus cuerpos por medio de la piedra filosofal tras un fallido intento de resucitar a su madre a través de la alquimia.

En sexto lugar nos topamos con Ogawa no Hotori, una película de samuráis de las de toda la vida. Basada en una historia de Shuhei Fujisawa, la película gira entorno a la figura del luchador Inui Sakunosuke, al que da vida Noriyuki Higashiyama (Heavenly Sin), a quien se le encomienda una misión de venganza de su clan que le hará plantearse si es más importante el amor de la familia o el deber para con el mismo. Completa el elenco actoral la maravillosa Rinko Kikuchi (Mapa de los Sonidos de Tokio, Babel).

Un escalón más abajo se sitúa la enésima aventura de los Power Rangers: Gokaiger Goseijer Super Sentai 199 Hero Great Battle, quienes aguantan en el top a base de pura acción tras más de un mes en cartel. El lugar reservado para la comedia romántica lo ocupa en esta primera quincena de Julio Paradise Kiss (Paradaisu Kisu), la historia de una estudiante de secundaria que decide cambiar los libros por los trapos y se convierte de la noche a la mañana en una influyente modista que marca tendencias. Protagonizan el film la emergente Keiko Kitagawa (Cherry Pie, Dear Friends) y Osamu Mukai (Beck). Cierran nuestro box office nipón el estreno de la muy animada Soreike! Anpanman: Save Kokorin and a Miracle Star, 23ª adaptación al cine de las aventuras de Ampanman, uno de los ídolos más conocidos de la chiquillería japonesa (esta franquicia ostenta actualmente el récord de personajes aparecidos tanto en televisión como en cine: 1768), y la bienintencionada historia de amistad entre un perro y una familia titulada Star Watching Dog.   

Por nuestro colaborador Francisco Nieto


Primer fin de semana en Las Nits de Cinema Oriental en Vic

Desde el día 14 de julio el Festival Nits de Cinema Oriental ya han proyectado 13 películas, 8 dentro de la sección Oficial repartidas en espacios El Sucre, el CC Remei-Estadi y el patio posterior de la Biblioteca Joan Triadú-Museu de l’Art de la Pell. Una muy buena asistencia de público

Robot Day
La película que ha gozado de mayor éxito ente el público asistente es Enthiran - The Robot, espectacular superproducción india que se proyectó el pasado viernes dentro del día “Robot Day”. El público que llenó el CC Remei-Estadi entró perfectamente en la trama de esta cinta de ciencia-ficción, inspirada en la americana Yo, Robot. Se ha convertido en una de las películas favoritas para llevarse el premio: El Gato de la Suerte.
Durante el “Robot Day” también se vieron dos sesiones retrospectivas, Mazinger Z e Inframan, y la cinta erótica Erotibot.

Samurais i terror
El sábado tuvo lugar el programa doble de acción samurai. El público recuperó, 30 años después la película Shogun Assassin, un clásico de culto y una de las películas favoritas de Quentin Tarantino. Después se proyectó Sword of the Stranger, una anime con una gran fuerza visual. La noche de terror acogió una gran cantidad de público, con la tradicional: "cena y película", con la proyecíón de Still y The Island.

Y para hoy día 20 de julio: Noche de Hong Kong
Esta noche continúa el espectáculo de las Nits de cinema Oriental en la Bassa del Hermanos de Vic:
-a las 21 horas: Cena con platos de cocina cantonesa.
-a las 21:30 horas: Exhibición de Tai-txi-tuxan.
-a las 22:00 horas: Proyección de la película Kung Fu Chefs (2010)

Para más información: Nits de Cinema Oriental.

Entrevista al director indio Raj Kumar Gupta: Festival de Granada - Cines del Sur

En el pasado Festival de Granada-Cines del Sur, bajo el marco incomparable de la Alhambra, y más concretamente tranquilamente sentados en la recepción del Teatro Isabel la Católica, nuestros amigos de Asiateca y CineAsia, tuvimos la oportunidad de charlar largo y tendido con el director indio Raj Kumar Gupta. Qué podemos decir para trasmitiros el “buen rollito” (‘feeling’ dirían los angloparlantes) que hubo: pues simplemente comentaros que a esa entrevista se sucedió un paseo por Granada, una tarde compartida en una hermosa tetería moruna y un viaje extendido después a Barcelona, donde seguimos disfrutando de la compañía encantadora del buen, “amigo ya”, Raj Kumar.

Aquí os dejamos la entrevista, para que la disfrutéis y saquéis vuestras propias conclusiones.

CineAsia: No One Killed Jessica está basada en un hecho real acontecido en India en 1999. ¿Cómo ha enfocado la realización de esta película: se ha ceñido a los hechos reales o éstos son sólo la base para su ficción?

Gupta: Como sabéis este fue un caso muy importante que en 1999 tuvo una gran repercusión mediática y dio lugar a ríos de tinta. Esta chica, Jessica, es asesinada en un bar-discoteca donde hay 300 personas y nadie dice haber visto al asesino y, por tanto, se comete una injusticia porque precisamente el asesino es alguien de una familia que tiene muchísima influencia política. Se niega justicia a esta familia, a la víctima, y por tanto mucha gente, gente normal y corriente como vosotros o como yo, alza la voz y se inicia un gran movimiento.
Mi inspiración a la hora de hacer esta película viene del hecho en sí, pero al ser un acontecimiento tan difícil tuve que investigar y documentarme mucho, de hecho pasé mucho tiempo con la hermana de la víctima, más de un mes hablando con ella para conocer cómo era Jessica, cómo creció, cómo fue su infancia... me documenté e investigué bastante. Además al ser un acontecimiento de tanta repercusión había mucho material escrito que facilitó todo el tema de la documentación. Lo que había que hacer era llevar estos hechos al cine y la decisión de hacerlo fue porque ya se habían hecho documentales incluso en las noticias. Como todos sabemos a veces los noticiarios crean melodramas, cuentan los hechos de manera melodramática, pero yo quería llevar toda mi investigación al cine.
Hay elementos de ficción como el personaje de la periodista que, aunque es real, no fue del todo así: los medios de comunicación hoy en día tienen una gran influencia y de alguna manera fueron, en aquel momento, los que sacaron a la luz y dieron tanta magnitud al suceso; pero en la película, claro, no podía incluir a 100 o a 1.000 periodistas en la trama, sino que opté por que una periodista finalmente fuera la que representara el papel de los medios en la historia. Pero es cierto que los personajes, la víctima y otros detalles están inspirados en la realidad. Si tuviera que dar un porcentaje quizás el 75% es realidad, el 25% restante es ficción.

CineAsia: El caso de No One Killed Jessica no se resolvería hasta 2006 y creó una nueva jurisprudencia al respecto de este tipo de temas, ¿no es así?

Gupta: Sí, es cierto que fue un caso que tardó 7 años en dictarse una sentencia final. Cuando hablé con la familia me comentaban esto mismo, que fue un proceso muy largo y doloroso. En cierto modo, puede ser algo normal, porque en este tipo de casos la justicia puede llevar su tiempo, pero sí que, por la naturaleza del caso y por el hecho de que todos los implicados hubieran sido liberados en una primera sentencia y que estuvieran en la calle, fue por lo que mucha gente se indignó, se echó a la calle y protestó porque se sentía en la piel de la víctima y veía que se le negaba justicia a la familia pero también a la sociedad. Finalmente el caso se reabrió y esto fue algo extraordinario, la segunda vez que algo similar pasaba en la India, que se reabriera un caso por las protestas y la presión de la calle. He intentado de alguna manera mostrar ese largo lapso de tiempo en la película, es difícil pero hay elementos cinematográficos para intentar conseguirlo.
Aparte de la jurisprudencia que surgió, quería añadir que el movimiento social también influyó muchísimo: cómo se fueron realizando protestas durante estos 7 años y sobre todo las protestas con velas, que provocaron que, después de este caso, todo el mundo saliera con velas para protestar por cualquier cosa, por lo que esto tuvo una influencia e hizo ver a la sociedad india que no está mal protestar cuando hay una injusticia.
Volviendo al tema de la película también pienso que de alguna manera dio voz a una clase media india que es capaz de expresarse, que conoce los mecanismos para hacerse oír, y eso también fue un cambio importante que conllevó el caso.

CineAsia: Tanto en Aamir, su anterior film, como en No One Killed Jessica, introduce a actores poco conocidos para la gran pantalla (Rajeev Khandelwal en Aamir, conocido en TV pero no en cine, y la “Jessica” de la película que nos ocupa) pero que luego resultan ser unas grandes revelaciones y promesas... ¿le gusta apostar por nuevos rostros?

Gupta: La verdad es que creo que hay muchísimo talento en el cine indio, que hay muchos actores que no son tan famosos y que tienen mucho que ofrecer. Mi idea a la hora de hacer mis películas es mostrar estos nuevos talentos de manera que además ellos traigan al rodaje mucha energía positiva, porque son gente que quiere hacer muchísimas cosas, está muy motivada y por tanto eso ayuda mucho en el rodaje, aparte de que no se quejan ni me discuten mucho (ja ja ja). Tienen hambre de hacer cosas por un lado, pero por otro no cuestionan tanto al director. Toda esa motivación la verdad es que ayuda mucho durante el rodaje, creo que hay mucho talento no explorado en el cine indio, aparte de que me gusta ver rostros frescos y nuevos en las películas. Además hay una decisión personal en este tema: en Aamir yo quería que el protagonista fuera un personaje sobre el cual el público no tuviera ya una noción previa, que no le viera con un bagaje cinematográfico, que fuera alguien desconocido, alguien normal como cualquiera de nosotros, y eso también ayuda a la hora de que la película tenga una conexión con esa realidad que quiere representar.

CineAsia: Pero sin embargo, para No One Killed Jessica ha contado con una de las grandes actrices de Bollywood: Rani Mukerji, ¿cómo es trabajar con una estrella de la industria bollywoodiense?

Gupta: La verdad es que no fue difícil y creo que la clave está en un brillante guión, un guión que cuando se lo pasamos a los representantes y a los actores les emocionó y, antes de ver mi cara (ja ja ja), dijeron que sí. El guión ayudó enormemente y también, por supuesto, el éxito de mi anterior trabajo que hizo que confiaran en mí como director. Cuando le pasé el guión al equipo de Rani Mukerji y de Vidya Balan lo aceptaron y por supuesto se interesaron en cómo iba a tratar esa idea: el hecho de que fuera una historia real, mi bagaje como director y el haber conversado conmigo ayudó a que se metieran de lleno en el proyecto y no hubo ningún problema. Por esto al final la película salió bien y a la gente le sorprendió ver cómo un tema en el que hubiera tantas protagonistas femeninas, que es algo que parece que todavía no funciona muy bien en la India, funcionara tan bien y tuviera tanto éxito. ¿Por qué? Creo que la mezcla de guión, mi implicación y manera de ver la película y cómo nos relacionamos con todo el staff fue lo que hizo que funcionara.

CineAsia: En cierto momento de la película usted hace un cameo gritando al personaje de Rani “Marry Me!!!” ¿Estaba en el guión original o salió de forma espontánea? ¿Es cierto que es un gran admirador suyo?

Gupta: La verdad es que sí, soy un gran admirador de Rani Mukerji, pero sólo un admirador, nada más (ja ja ja). Esa frase estaba en el guión, no fue improvisada, pero lo que sí se improvisó fue la manera en la que se dijo en el rodaje. Teníamos que pensar qué actor lo iba a decir y pensando, incluso ella lo sugirió, dije: “yo mismo lo hago”. Eso sí que se improvisó y así es como salió finalmente.

CineAsia: La música está siempre muy presente en sus dos películas, es un elemento que destaca... La banda sonora de No One Killed Jessica (sobre todo en los títulos de créditos iniciales) es muy “indie”, muy rockera,  mucho más alternativa. ¿Qué nos puede comentar a este respecto?

Gupta: Tengo una idea que para mí es esencial en el cine: hasta que la música y los elementos de audio no se insertan la película, ésta no está acabada, porque la música añade muchísimo lenguaje y contenido a la misma. No One Killed Jessica está basada en una ciudad, Delhi, que es un centro político con muchas corrientes y donde todo el mundo, así lo dice la canción, todo el mundo es alguien el Delhi, porque eso es lo que pasa al fin y al cabo, todo el mundo conoce a alguien, todos tienen su pequeño espacio político y social en la ciudad como suele pasar en todas las ciudades del mundo que son importantes políticamente hablando, y en el caso de la India diría que es aún más especial. De manera que empezar presentando Delhi con una canción con ese contenido es situar al espectador, qué es lo que se va a encontrar en la ciudad. Además yo creo también mucho en todo lo que es independiente, nuevo, fresco y me gusta insertarlo en mis películas.
La música añade una especie de estado de ánimo, de los personajes, de lo que está pasando, ayuda a crear un entorno y creo que se puede ver muy bien durante la película. La música es un lenguaje universal, una forma de comunicarse sin palabras, y por eso le doy tanta importancia.

CineAsia: Ha sido usted asistente de dirección de Anurag Kashyap en los thrillers Black Friday y No Smoking... En su debut elije también el thriller con Aamir y ahora con No One Killed Jessica vuelve con un thriller dramático. ¿Qué le atrae del género negro? ¿Tiene pensado explorar nuevos géneros cinematográficos?

Gupta: No me gustaría quedarme restringido a un género concreto, la verdad es que a mí me gusta explorar con los formatos y con las maneras de contar historias. Esto se ve en mis dos películas: en Aamir trato la historia de una manera más política, con un contenido mucho más político, mientras que No One Killed Jessica tiene evidentemente un componente mucho más dramático y se puede considerar un thriller dramático como lo has llamado. Pero insisto en que no me gustaría quedarme encasillado en un género porque eso significaría que soy un realizador muerto, que ya no puede evolucionar. Lo que quiero hacer es explorar, explorar temas, explorar técnicas, explorar maneras de contar las historias. A mí me gusta escribir los guiones de mis propias películas pero también me gustaría dirigir una película cuyo guión sea de otra persona, para ver si soy bueno o no dirigiendo otros guiones, mi idea es la de seguir evolucionando.

CineAsia: Pero aunque el ciclo que programa el Festival se titule “Bollywood en Negro”, usted realmente se sitúa dentro de los directores del “off Bollywood”, o sea, fuera de los circuitos del mainstream, más cercano al cine independiente, y aún así sus películas están siendo un gran éxito.

Gupta: Soy muy afortunado por eso. Mis 2 películas han tenido un éxito de crítica y un éxito comercial lo cual es realmente una suerte. Sin embargo, quiero decir que el proceso de realización cinematográfica me gustaría que siempre tuviera un espíritu independiente y espero que siga siendo así, ahora eso no quita que yo como realizador, cualquier realizador quiere que sus películas las vea la gente, por mucho que uno haga películas independientes siempre quiere que se vean, en mi caso son películas independientes pero que la gente las ve.

CineAsia: En Aamir utiliza la cámara con un estilo muy cercano al cine documental o docudrama (cámara en mano), pero en No One Killed Jessica ha sido todo lo contrario ¿le gusta experimentar con los diferentes formatos cinematográficos?

Gupta: Sí, evidentemente: la exploración, la experimentación es una tónica en mis películas e intento experimentar en el rodaje, en el uso de la cámara tanto como sea posible. Como ejemplo, en Aamir el director de fotografía era un profesional que trabajaba para el National Geographic, lo cual era importante porque había que mostrar los espacios de una manera cercana y única y que fueran muy vivos, de manera que un director de fotografía que tuviera esta experiencia en el ámbito documental ayudó muchísimo a crear el ambiente que yo quería crear. En No One Killed Jessica, que era otro tipo de película, para mí había que mostrar un estado de ánimo, un viaje hacia la verdad, un viaje sobre cómo se va haciendo justicia y por tanto la cámara se tenía que tratar de otra manera. Pero no sólo me gusta experimentar con la cámara sino también con la música... con todos los elementos cinematográficos.

CineAsia: Siguiendo con Aamir, una pregunta quizás un poco incómoda. ¿Qué opina de la polémica sobre los parecidos entre el guión de Aamir y el de la película independiente filipino-americana Cavite?

Gupta: Realmente no me importa que me hagas esta pregunta porque ya me la han hecho muchas veces (ja ja ja). Nosotros no estuvimos inspirados por esta película porque la realidad es que escribimos el guión antes de que se estrenara Cavite. Sí que ocurrió que mi productor llegó un momento que me comentó todo esto que se estaba diciendo y lo que le dije es que no había visto esa película aún, que no la conocía, de manera que nuestro equipo de producción escribió a los realizadores de Cavite. Su respuesta fue, la verdad, muy educada: dijeron que no había problema, que de hecho entendían lo mal que lo pudiéramos estar pasando porque a ellos mismos se les estaba acusando de que Cavite era a su vez un remake de la película Nick of Time y de Cellular, o sea, que entendieron perfectamente la situación, nos dijeron que confiaban plenamente en nosotros. Por otro lado, en un mundo donde hay 6.000 millones de personas, no es raro que a dos personas se les ocurra lo mismo. Además hay que entender un poco la realidad de esa película: Cavite tuvo una producción muy pequeña, muy independiente, una magnitud bastante reducida.

CineAsia: ¿Qué le atrae tanto de las historias que convierten a personas normales en héroes (los llamados “Ordinary Heroes”)? De hecho, Aamir significa literalmente “líder”.

Gupta: Realmente me atrae mucho este tema y siempre me ha parecido interesante. Creo que no hay que ser un superhéroe y tener superpoderes para ser realmente alguien especial. Una persona se define por sus actos y esos actos pueden convertirlo de persona normal a héroe aunque no sea a nivel universal. Los actos que yo haga pueden convertirme en héroe o hacerme sobresalir dentro de mi círculo de amigos o conocidos, al igual que los actos que tú hagas pueden convertirte a ti en alguien especial para los tuyos, esa es la idea principal que me atrae.

CineAsia: Parece que su relación con la productora-distribuidora UTV está consolidada, ¿es así? ¿Qué podría contarnos de sus próximos proyectos con la distribuidora: Ghanchakkar y Rapchik? ¿Ambos guiones son suyos?

Gupta: Es cierto que la relación con UTV es excelente, siempre lo ha sido. Por comentarte el estado en el que están estos nuevos proyectos: el primero, Ghanchakkar, es una comedia negra situada en Mumbai, el guión está acabado y ahora mismo se encuentra en el proceso de selección del reparto; la otra película que has comentado, Rapchik, en todo caso se haría después de acabar Ghanchakkar pero actualmente se está terminando el guión. Ghanchakkar la estoy co-escribiendo junto a un actor y el guión de Rapchik sí que es mío.

CineAsia: ¿Qué le parece que un festival como Cines del Sur permita que el cine de su país se vea fuera de sus fronteras y se conozca fuera de la India?

Gupta: Por supuesto que es fantástico que ocurran estas cosas, no sólo con las películas sino, por ejemplo, con los miembros del jurado. Somos un jurado internacional, cada uno con su cultura, que viene de muchas partes del mundo y esto es algo muy poco usual y por lo tanto es muy recomendable. Me están gustando mucho las películas que estoy viendo, me gusta el lugar y me encantaría volver tantas veces como me invitaran, sin duda alguna. Además el hecho de que haya un público que ve las películas significa que aunque no estemos conectados físicamente, sí que hay un interés por conocer.

Muchísimas gracias Raj Kumar Gupta (“Raj” ya para los amigos) por compartir esos momentos con nosotros.

Por Jorge Endrino y Gloria Fernández

martes, 12 de julio de 2011

Space Battlership Yamato: la espectacular space ópera nipona

Si la semana pasada le tocó el turno a Confessions, esta semana vamos a analizar la segunda película lanzada por Mediatres Estudio en formato doméstico, Space Battleship Yamato, una de las grandes sensaciones del Casa Asia Film Week.

Director: Takashi Yamazaki Intérpretes: Takuya Kimura, Meisa Kuroki,  Naoto Ogata, Tsutomu Yamazaki País: Japón / 2010 Género: Space Opera Duración: 140 minutos
Año 2199. La Tierra está al borde de la destrucción. El fin del mundo parece inminente como consecuencia del ataque extraterrestre perpetrado por los Gamilas, unos avanzados seres cristalinos que irradian radioactividad en la superficie de nuestro planeta para terminar con la vida humana y así poder establecerse como nueva raza dominante. Después de muchos enfrentamientos, la esperanza proviene de Iskandar, un planeta alejado del sistema solar en el que unos alienígenas reportan una posible solución para eliminar la radioactividad. La última esperanza: Yamato, un crucero espacial japonés cuyo nombre hace honor al navío más grande de la Armada Imperial Japonesa y que en la Segunda Guerra Mundial defendió al pueblo nipón, que pondrá rumbo al enigmático planeta, no sin pasar por todo un calvario interplanetario en el que se verá forzado a proseguir su lucha contra sus batalladores enemigos. 

Ûchu Senkan Yamato fue una de las series japonesas que tuvo el privilegio de inaugurar el subgénero de la ciencia ficción galáctica conocido como space opera, un término que en el caso de Leiji Matsumoto (co-creador de la serie original) está plenamente integrado en su refinado gusto musical por la ópera clásica (sobretodo por la obra de Wagner, tal y como demostró al concebir su posterior obra de culto Capitan Harlock). Pero volvamos a la serie original, pues esta obsesión por los buques espaciales, tomando prestado los modelos verídicos de la flota japonesa cuando aún disponía de un sólido ejército, se tradujo en esta apasionante historia marcial entre un reducto de héroes que arriesgan sus vidas para intentar proteger la vida de nuestro planeta de la amenaza de una desconocida raza alienígena. Unos alienígenas que no responden a los estereotipos de los clásicos aliens vistos en la ciencia ficción norteamericana, lo que supuso una revolución en el campo de la sci-fi con respecto al diseño conceptual de los  invasores. Toda una proeza que queda constatada en esta versión fílmica que supera con creces al manga original. Pero ojo, pues el concepto del serial fue creado en 1974 por Yoshinobu Nishizaki junto con Matsumoto, y fue lanzado al mismo tiempo tanto en anime como en manga (publicado por Akita Shoten y luego recopilado en 3 volúmenes).

Podemos hablar pues de un manga-eiga atípico, pues si de las páginas de Matsumoto (con su ausencia de tramas, su sentido de la verticalidad en las batallas y una clara vocación por imprimir una fuerte personalidad a sus personajes) se desprendía una cierta sensación de estatismo permanente, donde las batallas prácticamente quedaban relegadas a segundo plano, en el filme que ha rodado Takashi Yamazaki se opta por modernizar el producto original, rellenando su abultado metraje con espectaculares enfrentamientos complementados por una brillante puesta en escena y delimitando muy bien la personalidad de los clásicos personajes (Susumu Kodai, Yuki Mori, el alcohólico doctor Sado reconvertido en una atractiva fémina, etc.), sin profundizar demasiado en sus traumáticos pasados, con tal de mantener el excelente sentido del ritmo que fluye hasta el final. En este aspecto, Yamazaki ha hecho un esfuerzo de planificación secuencial envidiable, y sabe perfectamente qué esperaban los productores: un largometraje ocioso, que respetase la esencia de Yamato, pero que se impusiera a esos cánones clásicos de la ciencia ficción japonesa espacial que desde finales de los 70 han permanecido prácticamente inalterables (y me viene a la mente una serie de títulos que podrían emparentarse, como la ascética Odin o Legend of the Heroes of the Galaxy del estudio Madhouse).

Si hay algún elemento más a destacar que ayude a definir la grandeza de este blockbuster es su banda sonora, que de forma orquestal da un impulso definitivo al tempo que imprime Yamazaki, lo que hace que pase por nuestras retinas de forma tan veloz como esa aceleración espacio-temporal “warp” que permite a la nave desplazarse de forma inminente por los confines del espacio.

Contando las producciones animadas que se han realizado a lo largo de la historia de esta mini-saga espacial (destaco Final Yamato de 1983, con una duración épica de 163 minutos), Space Battleship Yamato es la octava película, sirviendo de coda, pues a esta serie de culto que ha sido interpretada por muchos aficionados como una lucha personal del hombre para defender sus libertades individuales (en sí toda la obra de Matsumoto va enfocada hacia esa línea) y una advertencia con respecto a los males que inflingimos a nuestro planeta. Ahora podemos disfrutarla con total libertad a través de una cuidada edición (gentileza de Mediatres, que nos ofrece un master perfecto en audio e imagen), que servirá para revivir la proeza de unos voluntariosos japoneses que pretenden sacrificarse para salvar el bien más preciado que tenemos: la Tierra. ¡Larga vida a Yamato!  

Lo mejor: El ritmo trepidante, su banda sonora (gentileza de Naoki Sato) y los CGI.
Lo peor: La previsible resolución de la opereta galáctica se precipita en el clímax final, sin dejar margen a una explicación posterior de cómo finalmente se consigue repoblar la flora del planeta Tierra.  

Por nuestro colaborador Eduard Terrades Vicens