CineAsia Online

Bienvenido a la nueva CineAsia online 2.0

2012-01-06T14:19:00.000+01:00

CineAsia online permanecerá abierta a lo largo de este mes de Enero… de forma simultánea con CineAsia online 2.0.

Si nos has acompañado a lo largo de estos dos últimos años, o sencillamente estás interesado en el cine y la cultura asiáticas, no dudes de visitar nuestra nueva casa:

¡Feliz año, cineasiáticos!

Nueva dirección: CineAsia online 2.0

Feliz regalo de Reyes, cineasiáticos

2012-01-06T14:11:00.000+01:00

Hace muchos años que dejé de ser un niño. Pero hay algo que no ha cambiado desde entonces… la noche del 5 al 6 de Enero ha continuado siendo una noche mágica, unas horas en las que la imaginación vencían con creces a la realidad. Después de unos días en los que las noticias que escuchamos en los informativos nos invitan más a la depresión que a la reactivación, en CineAsia no queremos dejar pasar una fecha tan especial, recordemos que se trata de la noche de los Reyes Magos de “Oriente”, para ofreceros a todos un regalo muy especial.

Ayer día 5, disfrutasteis de un anticipo, el estreno en España (en seis ciudades, para ser más exactos: Barcelona, Madrid, Málaga, San Sebastián, Valladolid y Zaragoza) de la película coreana The Yellow Sea. En este caso la distribuidora Mediatres Estudio fue la que obró de rey mago, para traernos esta joya del thriller coreano envuelta en papel de regalo.

Hoy nos toca a nosotros.

El que os ofrecemos es un regalo muy especial, y lo es, en gran media porque en su creación han participado un gran número de personas. Es un regalo compartido y que debemos, como he dicho a muchas, muchísimas personas. Colaboradores, amigos, gente que de una manera u otra ha participado en la puesta en marcha de CineAsia online 2.0.

Desde Rocío (diseñadora de CineAsia) que ha dado los últimos retoques al blog hace tan sólo unos minutos, a Ignasi (web manager de CineAsia desde sus inicios), pasando por Salva (Blog Visual), Jorge Endrino (Asiateca), Victor y Patricia (El Pozo deSadako): en esas reuniones que mantuvimos durante el último Fancine para acabar de pulir el diseño de la nueva CineAsia online. Y sin olvidarnos de todos y cada uno de los que colaboráis activamente con nosotros, que entendéis lo pesados que a veces nos ponemos al pediros los textos (¿verdad Eduard, Jordi, John, Felipe, Francisco, Bea…)

Este es nuestro regalo para hoy: un poco de nosotros mismos, nuestra nueva cara para el 2012, con la que esperamos disfrutar de lo mejor del cine y la cultura asiática junto a todos vosotros.

Felices Reyes, cineasiáticos.

PD: CineAsia online 2.0 emite desde hoy 6 de Enero en período de pruebas. En unas horas (24 para ser exactos) nos vamos a Cuba, donde impartiremos dos talleres de cine asiático en la Escuela Internacional de cine y Televisión de San Antonio de Baños… y el tiempo apremiaba. Cualquier cosa mejorable, no dudéis en comentarla con nosotros para que entre todos podamos hacer una mejor CineAsia.

Vuestro regalo: CineAsia online 2.0

El thriller coreano: un descenso a los infiernos

2011-12-29T08:03:00.002+01:00

Las películas de género en Corea no han sido nunca del gusto del público coreano. El terror, los films de corte fantástico y los thrillers siempre han estado relegados a las últimas posiciones (sólo por encima de las cintas de animación y eróticas) en la tabla de los géneros más vistos en Corea del Sur. En los primeros puestos de la tabla, cómo no, encontramos los melodramas: cintas románticas, dramas lacrimógenos, comedias, etc. Pero según las mediciones y últimos datos del KOFIC (Korean Film Council), los gustos de los coreanos están cambiando y en los, más o menos, últimos cinco años gran variedad de thrillers han sido los que han copado los primeros puestos en la taquilla y en el box office de la cinematografía coreana, así como también han sido todo un revulsivo económico para las distribuidoras coreanas que han visto cómo han aumentado sus ventas internacionales a raíz de la participación de los mismos en festivales internacionales no sólo especializados (sorpresa la nuestra cuando en el Festival de San Sebastián se proyectó un thriller como I Saw the Devil/Encontré al Diablo). Pongamos un ejemplo más claro: en el año 2010, más de 10 thrillers, de entre ellos, No Mercy, Man of Vendetta, The Man from Nowhere, Moss o The Unjust, se estrenaron en los cines de Corea, y su exitosa carrera comercial, así como las buenas críticas recibidas causaron toda una controversia en la escena fílmica del momento. Según la revista Korean Cinema Today, editada por el propio KOFIC, las razones del éxito reciente de los thrillers en Corea han de buscarse en los inquietantes tiempos que vivimos: la oscura visión que se tiene de la actual sociedad coreana es el caldo de cultivo de los temas que plantean la mayoría de los trabajos de género que dominan el mercado de la taquilla coreana hoy en día.

Pero este planteamiento no es nuevo, ya sabíamos que la mayor parte de los cineastas coreanos (sobre todo los que surgieron bajo la acepción del Nuevo Cine Coreano en la década de los 90) no pueden ser inmunes al ambiente social, cultural y político que los envuelve, y todas estas ideas se ven plasmadas en las producciones y en su manera de entender el cine de género. A pesar de que en este tipo de cine, sobre todo el de cariz más fantástico, los espíritus, las tradiciones y leyendas se convirtieron en protagonistas de numerosas historias (sobre todo a partir del éxito de Hideo Nakata, The Ring), a los coreanos les resulta más terrorífico el retrato de la realidad que les envuelve (la maldad humana, la tortura psicológica, la privación de libertad, la venganza, etc). Desde la Guerra Fría entre ambas Coreas (responsable de un buen número de films de ciencia-ficción o política-ficción, como Yesterday o Hanbando), a films basados en hechos reales (los thrillers Voice of Murderer, basado en el secuestro de un niño, o Holiday, centrado en la fuga de una cárcel), o la crítica político-social que puede verse en los films de Bong Joon-ho: Memories of Murder-Crónica de un Asesino en Serie o The Host.

Como consecuencia de esa visión de realidad, muchos de los escenarios más característicos de los films de género, a diferencia de los ultra-sofisticados despachos vistos en los CSI americanos, son los callejones oscuros, las casas (a menudo de una sola habitación) decadentes, hoteles ‘cutres’ y, cómo no, las comisarías de policía: lugares ruidosos donde abundan los golpes y las collejas… y los sótanos. Y por supuesto, consecuencia también de ese acercamiento a la vida real es la ausencia en el cine coreano del héroe hollywodiense (el Bruce Willis de La Jungla de Cristal o el Tom Cruise de Misión Imposible), y éste aparece sustituido por otros personajes más lúgubres, presionados y torturados por un pasado o por la realidad misma que les oprime, y en la que también los policías muestran en muchas ocasiones una descarada falta de ética y profesionalidad. El ejemplo más claro lo tenemos es la película Memories of Murder o bien en The Chaser.

Y es que uno de los directores coreanos más reputados y que fue a su vez Ministro de Cultura, Lee Chang-dong, ya lo dejó bien claro: “Cuando tenía 20 años tenía mis sueños, mis ideales… y eran puros, pero entonces crecí, los perdí, y eso me entristeció. Creo que la dictadura y la matanza de Kwangju, en cierta manera, firmaron la sentencia de muerte para una generación entera. Nos hundimos en la desesperación y nos sentimos traicionados. Así que, en cierta manera, esta traición se convirtió en los cimientos de nuestras vidas”. Estas palabras del realizador revelan por qué muchas veces, el verdadero terror para la sociedad coreana, más allá de los espectros vengativos de larga melena o de la mitología fantástica, haya que buscarlo en la propia realidad. De ahí la fuerza, la violencia y la brutalidad que destilan muchos de los thrillers coreanos, sin duda, emparentados con el universo del terror. Porque si hay una marca de la casa en los thrillers coreanos es la violencia, cuyo despliegue no es difícil de entender si el espectador vuelve la vista hacia la historia reciente de Corea. Pero a diferencia de la violencia contemplada en las producciones de Hong Kong, en el cine coreano la violencia no es estilizada (aquí podríamos hablar de una excepción que confirma la regla y referirnos al magnífico thriller de gangsters de Kim Ji-woon, A Bittersweet Life, realizado en 2005 y que pronto verá su distribución en dvd en tierras españolas… y hasta aquí puedo leer). Es una violencia sucia, que explota entre las manos, difícil de digerir. Para Park Chan-wook, por ejemplo, el mecanismo de la violencia no es simplista, es decir, no es un mero pistoletazo de salida para que se desarrolle la acción del film y captar así la atención del público con algo efectista, sino que su utilización es una suerte de inspiración para explorar los entresijos del alma humana. La violencia que aparece en pantalla es brutal, a la par que imprevisible (puede arrancar desde una secuencia de lo más tranquila). Una de las características es la tendencia a mostrar peleas salvajes con armas básicas (bates de béisbol, palos, navajas), que sorprenden al espectador, mucho más acostumbrado a otro tipo de armas. Véase por ejemplo el travelling donde el protagonista de OldBoy (2003) se enfrenta a un sinfín de adversarios. Park Chan-wook hizo repetir la escena hasta la saciedad, porque buscaba la desesperación del actor, el hecho de tenerlo totalmente agotado… Otro thriller de mafias, A Dirty Carnival (2006), sería un nuevo ejemplo: las peleas entre los gangsters son sucias (palos, bates… cualquier cosa sirve), a diferencia de lo que sucede en la otra película que está siendo rodada durante el transcurso del film (metalenguaje).

Comentábamos que la violencia puede ser imprevisible en los thrillers coreanos, pues bien, esa es una característica más del género en Corea: la imprevisibilidad, la dificultad del espectador por avanzar la acción. A pesar de que las historias que se cuenten sean similares a las que se pueden contar en Occidente, lo importante es el desarrollo: el cómo se cuenta la historia al espectador. Oh Dae-su tiene, en OldBoy (Park Chan-wook, 2003) tan sólo cinco días para descubrir quién ha sido el causante de su encierro de 15 años y el porqué… o sino, Mido (su enamorada) morirá. Así de simple es el argumento que nos propone el director a los quince minutos de iniciada la cinta. La película se convierte desde entonces en una montaña rusa de sensaciones donde el espectador se encuentra descolocado y sorprendido fotograma a fotograma, incapaz de anticipar lo que vendrá a continuación.

Otra de las características más destacables referente a los géneros en la cinematografía coreana es la superposición de los mismos, algo muy ligado con esa necesidad de darle contenido social a las películas (de entroncarlos con la realidad y la sociedad en la que se vive): los thrillers mezclados con las artes marciales, la comedia romántica mezclada con el drama más duro, el terror unido al melodrama… todo esto es totalmente lícito en el cine coreano. Pongamos un ejemplo: la película Happy End (Jung Ji-woo, 1990), en la que el director en el que sería su debut en la realización, ironiza acerca de lo que es un final feliz. Cuando aparecieron las primeras notas de producción, tanto críticos como espectadores imaginaban que se trataría de la típica historia de infidelidades, un drama pasional al uso, de los que tanto abundan en la cartelera coreana. Pero, a pesar de que el director utilice los elementos propios del melodrama, el resultado dista mucho de lo esperado. Happy End, con su secuencia final, es un claro ejemplo de cómo los realizadores coreanos deambulan de un género a otro, emulando a un equilibrista del Circ du Soleil, sin necesidad de una red protectora.

Siguiendo con los porqués del éxito de estas producciones, no sólo en Corea sino también en festivales internacionales, la Korean Cinema Today comenta que otra de las razones de su universalidad es que “estos thrillers, con los logros evidentes que no pueden ser negados, siguen las reglas del género comercial, pero también añaden una profunda reflexión sobre cómo la búsqueda de la codicia y de la venganza puede traicionar el sentido común y cómo la irracionalidad ha arruinado este mundo en el que vivimos hasta límites insospechados”. Pero no sólo los temas universales hacen que los thrillers coreanos puedan ser los más cercanos a las audiencias occidentales. Uno de los aspectos que sorprende al espectador al ver una película coreana contemporánea, es que el tempo narrativo es mucho más cercano al estándar occidental que cuando observamos una película de otra parte de Asia (Japón, Hong Kong o Tailandia). Comparando dos cintas de género, una japonesa y una coreana es fácil comprender este hecho: la japonesa camina a otra velocidad en la presentación de la historia. A pesar de la distancia, nos es más sencillo entender los mecanismos cinematográficos coreanos (montaje, planos, música, etc.). Gran parte de culpa la tiene la influencia americana en el país (recordemos que desde finales de la II Guerra Mundial hay presencia de soldados americanos en territorio surcoreano), amén de la formación en escuelas americanas de los directores que forman parte de la Nueva Ola coreana, y/o sus referentes europeos.

Una década para la historia:

Las primeras de la clase

Tell Me Something, el thriller firmado por Chang Yoon-hyun, con más de 700.000 espectadores, alcanza el tercer puesto de la taquilla coreana en el año 1999. Su premisa de partida es de lo más sugerente: la policía encuentra las partes disgregadas de cuerpos humanos en varias bolsas. Precedida de una importante campaña de promoción, así como de un tráiler de impacto, añadido al carisma de sus dos protagonistas principales, Tell Me Something funciona como un thriller de terror, que persigue a un serial-killer. El film no esconde sus modelos: Seven, una producción de 1995 es fuente de inspiración, o los giallos de Dario Argento. Con reminiscencias de Carretera al Infierno (Dave Meyers, 1986), el coreano Kim Sung-hong realiza Say Yes, un thriller en forma de road movie con todos los ingredientes: una pareja feliz (al menos en apariencia), un psicópata silencioso y un lugar recóndito donde perderse. Y con un parecido más que razonable a El Silencio de los Corderos, (argumentos, fotografía, montaje, escenarios...), llegaba H (Lee Jong-hyuk, 2002), un thriller de suspense, con elementos gore, que sigue los pasos de un asesino en serie entregado a la policía a la espera de sentencia. Utilizando un planteamiento hipnótico y una construcción a modo de puzzle, Spider Forest (Song Il-gon, 2004) apuesta por una estructura de thriller de terror adulto: una película que desengrana la historia sin prisas, y que tiende a complicar su planteamiento, pero que a la vez mantiene la intriga y requiere de la participación del espectador, al que premia cuando encaja cada una de las piezas que el director propone.

La trilogía de la venganza

Park Chan-wook es un nombre que no puede obviarse al hablar del cine de género. Un director que se ha coronado como uno de los realizadores más personales de la cinematografía surcoreana, consiguiendo éxitos comerciales y escandalizando a crítica y público tanto por su temática como por su puesta en escena. Tras el humanismo y sentido del humor que despiertan los personajes en JSA, Park Chan-wook iba a darle un golpe seco a todos los espectadores con expectativas de ver algo similar en la pantalla. De los 7 millones que pasaron por taquilla en JSA, sólo 200.000 se enfrentaron a Sympathy for Mr. Vengeance (el primer film del director que pudo verse en un festival de cine en España). Todo parece haber cambiado de uno a otro film, excepto un detalle: un director que sabe utilizar unos recursos u otros, dependiendo de la historia que quiere contar. En Simpathy for Mr. Vengeance, germen de la que sería su Trilogía de la Venganza, Ryu, engañado y estafado por una organización ilegal de venta de órganos (necesita un riñón urgentemente para su hermana enferma), planea junto a su novia el secuestro de una niña rica. Pero las cosas se tuercen y la casualidad, la fatalidad e incluso lo absurdo y lo grotesco llevan a los personajes al borde de la locura, causando una ola de crímenes, violencia y por supuesto… venganza y horror. La venganza en Sympathy for Mr. Vengeance es la manera más violenta de redimir la ley humana de ‘causa-efecto’. El ser humano se toma la venganza como forma de retomar el sentido racional de su existencia. En OldBoy (2003), la venganza actúa como mecanismo de supervivencia. No habrá perdón ni redención para sus personajes, uno acabará muerto y al otro no le quedará más remedio que borrar sus huellas, dejar al monstruo atrás y perder su memoria, para poder continuar adelante. No es un renacer verdadero sino que es, por así decirlo, una especie de ‘atajo’ para poder continuar viviendo. La trilogía se cerraría con Sympathy for Lady Vengeance (2005), donde se presenta la venganza como vehículo para la redención, como la manera de expiar los pecados. Geum-ja sale de la cárcel después de 13 años en ella con un único propósito, vengarse de aquél por culpa del cual ingresó en prisión a los 18 años. Esta vez la venganza se sirve a través de los ojos de una mujer. Pero en esta ocasión ella no es el arma ejecutora, sino que sólo prepara el terreno y, al final, es una mera espectadora de la venganza que llevan a cabo los padres de los niños asesinados.

Un alumno aventajado

Memories of Murder es, sin duda alguna, una de las películas imprescindibles si hablamos del thriller coreano y fue presentada en 2003 por otro de los jóvenes talentos del cine de la Nueva Ola: Bong Joon-ho, un director que después de trabajar como asistente de dirección del director Park Gi-yong en el film Motel Cactus, comienza su carrera como director de largometrajes. Su segunda realización Memories of Murder-Crónica de un Asesino en Serie, la historia de dos policías muy diferentes investigando los crímenes de un asesino en serie, ambientada en la sociedad coreana de los años 80 y todavía bajo la huella de la dictadura militar, se convirtió en la película más vista por el público coreano el año de su estreno, además de ser laureada en los diferentes festivales por donde se proyectó. Memories of Murder es un thriller, un drama político-social, y a la vez una película de terror. El escenario del film parece un coto de caza, una caza al hombre donde la presa se revela particularmente inalcanzable. Además, los policías son también acosados por la prensa y por la población, quienes están cansados de los abusos de poder por su parte.

Considerada por muchos como un Memories of Murder que acontece en la época Joseon y que bebe de clásicos ya como El Nombre de la Rosa (el papel interpretado por Cha Seung-won es muy similar al que interpretara Sean Connery), Blood Rain (2005) contiene elementos fantásticos (el elemento sobrenatural sobrevuela todas y cada una de las escenas en forma de un fantasma que reclama venganza), de thriller laberíntico (el director introduce los flashbaks dentro de la narración sin necesidad de preavisar al espectador, lo que confiere al conjunto la estructura de un puzzle inacabado), o de género de terror (las imágenes de los asesinatos, así como el clima que se respira en la isla, es de una asfixia creciente). La época Joseon ha sido y es fuente de numerosas producciones de este tipo, como las más recientes Shadows in the Palace (2007), ópera prima de la directora Kim Mee-jeung, o Detective K (2011), segundo trabajo del director Kim Seok-yun.

La nueva ola ‘noir’

¿Hacia dónde se dirige el thriller coreano en estos momentos? ¿Cuáles son las últimas tendencias?

Si bien entre 2006 y finales de 2007 se introducía el elemento melodramático en la mayoría de las producciones de cine negro coreanas (bastantes de ellas entroncadas con el género de gangsters como es el caso de Righteous Ties, Winter Blues, A Dirty Carnaval o Rough Cut, ésta más reciente, presentando unos gangsters que pierden su aureola para transformarse en seres aún más realistas que viven en continua contradicción, a la búsqueda del respeto y de una vuelta hacia la normalidad), en los últimos años lo que impera es el análisis de la violencia, llegando en algunos casos a plasmar en la pantalla una violencia hiperbólica, como es el caso de la última película de Kim Ji-woon, Encontré al Diablo (2010) o la película culpable de este reportaje, The Yellow Sea, segundo trabajo del casi-debutante Na Hong-jin.

Todo empezó en el año 2008 cuando el film The Chaser consigue alcanzar el tercer puesto en la taquilla coreana. Los productores debieron pensar: si al público le gusta, tendríamos que darle más. The Chaser (Na Hong-jin, 2008) es una de las últimas producciones coreanas donde el thriller y el film de terror caminan unidos de la mano. Nos encontramos ante una película dura, muy dura, no sólo por la violencia física que destilan sus imágenes, sino por la violencia de las situaciones y la tensión emocional y el horror a los que el espectador se enfrenta durante su visionado. Inicialmente pudiera parecer que nos encontramos ante un esquema típico de género negro: el juego del gato y el ratón. La cacería o persecución a la que alude el título de la película se produce desde el instante inicial, pero su desarrollo se aleja del ideario fílmico occidental: desde la motivación que lleva al ex policía y actual proxeneta a iniciar la persecución, en un intento por evitar que el negocio pueda verse resentido al creer que le están “levantando” las chicas, hasta la resolución policial, que lleva a la detención del asesino mediada la película, y donde el espectador llega a preguntarse, hacia dónde va a dirigirse la trama.

Tal y como nos adelantaba el KOFIC en su revista mensual sobre cine coreano, el año pasado la taquilla de Corea se decantó por dos thrillers: Moss, un muy entretenido ejercicio de suspense donde el entorno rural se muestra de todo menos apacible, cuyo director, Kang Woo-seok, ya conocíamos desde hace algunos años por la cinta bélica Silmido (una de las primeras películas de la Nueva Ola del cine coreano que pudo llegar hasta nosotros); y The Man from Nowhere, sin duda uno de los mejores thrillers filmados en Corea en 2010 y el megahit del año, un thriller oscuro y violento en la línea de la Venganza protagonizada por Liam Neeson o Leon, la cinta de Luc Besson, y por si fuera poco protagonizada por Won Bin (una de las jóvenes estrellas del star system coreano del momento) que con su carisma y la estilizada dirección de Lee Jeong-beom hicieron que un "thriller más" se convierta en todo un fenómeno: la puesta en escena, la fotografía y el trabajo de cámaras es simplemente excepcional, al altísimo nivel al que nos tiene acostumbrados los técnicos surcoreanos, ayudando a crear una ambientación simplemente perfecta, ideal para una historia noir (por cierto, seguimos de suerte y The Man from Nowhere verá la luz en las carteleras de nuestro país en 2012).

Sin embargo, el éxito de público no acompañó al que sin duda es para nosotros el mejor thriller realizado en 2010, I Saw the Devil/Encontré al Diablo, pues la audiencia quedó excesivamente perturbada con la violencia que ofrece el último film de Kim Ji-woon, al que relegó fuera del top ten del box office (recordemos que algunas de las escenas del film original sufrieron algún que otro tijeretazo por parte de la censura coreana). Encontré al Diablo es el ejemplo perfecto de hacia dónde va el thriller coreano en la actualidad: la búsqueda de las raíces del mal, hasta dónde es capaz de llegar el ser humano cuando entra en la espiral de la violencia, dónde están los límites… Y estas preguntas nos llevan inevitablemente a hablar de unos de los thrillers más importantes de este año en Corea. Sin duda alguna nos referimos a The Yellow Sea, el segundo trabajo de Na Hong-jin, estrenado a finales de 2010 en Corea y que llega ahora a nuestras pantallas (recordemos, el 5 de Enero concretamente): la violencia hiperbólica, el drama social de la inmigración, las bandas mafiosas, una infidelidad como elemento melodramático… Todas las características que hemos comentado en estas páginas en una sola película… aunque la taquilla coreana se quedó a medias y poco más de 2 millones de personas acudieron a las salas a verla. Algo mejor le fue a The Unjust de Ryoo Seung-wan, un thriller político que habla de un hecho real acaecido en los estamentos de la justicia y la política en Corea, con cerca de 3 millones de espectadores.

Con un 2011 a punto de finalizar y que nos ha dado muy pocas propuestas en cuanto al género del thriller se refiere (dignas de mencionar, claro está, porque haberlas las ha habido), habrá que esperar al 2012 para ver los trabajos en producción de grandes nombres del género como son Park Chan-wook, Bong Joon-ho y Kim Ji-woon. Los tres trabajando en América… da un poco de miedo, la verdad. Esperemos que los ‘cambios de aire’ no les afecten demasiado en su esencia.

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Gloria Fernández y Enrique Garcelán

Box Office China (Diciembre de 2011): entre las dagas voladoras de Hark y las flores de Yimou

2011-12-28T07:54:00.000+01:00

Ante la avalancha de turrones, mazapanes, mantecados y demás manjares navideños que se avecinan por estas fechas no estaría de más cogerse un avión y plantarse en mitad de Beijing para disfrutar de las jugosas ofertas cinematográficas que se pueden ver estos días por la capital china.

En el lugar más destacado de este top ten con el que cerramos el 2011 encontramos, cómo no, The Flowers of War, el megahit dirigido por Zhang Yimou e interpretado por Christian Bale que tiene visos de arrasar la taquilla durante varias semanas. El director chino que en su día filmó una obra maestra detrás de otra (La Linterna Roja, Vivir, Ni Uno Menos...) acomete los atroces acontecimientos que tuvieron lugar en 1937 durante seis semanas en la ciudad china de Nanking, entonces capital de la República, ocupada por el ejército japonés. Como bien se pudo apreciar en otras dos aproximaciones cinematográficas actuales de igual temàtica, el documental de nacionalidad americana Nanking (2007), dirigido por Bill Guttentag y Dan Sturman, y la más conocida y multipremiada (ganó el Premio a la mejor película en Cannes) producción china Ciudad de Vida y Muerte de Chuan Lu, lo acaecido durante esos días no fue precisamente moco de pavo: violaciones a menores, asesinatos a quemarropa, desmembramiento de civiles y el vandalismo más salvaje compusieron uno de los episodios más tristes de la Historia. Habrá que ver cuál ha sido la aproximación realizada por Yimou a los hechos históricos, aunque las primeras críticas aparecidas tras el estreno ya apuntan a una cierta desdramatización de la trama, que prefiere centrarse más en los actos individuales de heroísmo en general, y en el cambio de actitud de un sacerdote extranjero en particular, para dejar al público con la sensación de que quizás la raza humana no es tan mala después de todo.

Y si sonado está siendo el estreno de este film, no le va a la zaga el que ocupa el número dos de nuestro box office. Nada más y nada menos que la nueva producción de Tsui Hark, The Flying Swords of the Dragon Gate, una nueva versión del film Dragon Inn que el mismo director realizó en 1992, y que a su vez ya era un remake de otro clásico del 1967 de mismo título rodado bajo la batuta de King Hu. Esta nueva versión tiene el honor de ser considerada como la primera película del género wuxia rodada íntegramente en 3D. El elenco actoral es de los que quita el hipo, con Jet Li a la cabeza, acompañado de Fan Siu-wong (a quien veremos en pocos meses compartir cartel con Donnie Yen en The Monkey King) y Zhou Xun (vista en Confucio y True Legend). Tsui no sólo ejerce tareas de dirección sino que también ha escrito el guión y se ha jugado parte de su patrimonio en la producción del que promete ser un espectáculo visual a gran escala.

Estrenada con muy pocos días de diferencia respecto a Hong Kong, la tercera posición del ranking es para Magic to Win, el film familiar de ciencia ficción filmado por Wilson Yip, al que ya nos referimos en nuestro box office hongkonés. Cuarto lugar para White Vengeance, también conocida como Hong Men Yan, otro film de corte épico que centra su trama en el histórico banquete que tuvo lugar en el año 206 a.c. en Hong Gate, un lugar situado a las afueras de Xianyang, la capital de la Dinastía Qin. Protagonizan Leon Lai, Yifei Liu, Zhang Hanyu y en roles un tanto más secundarios los magníficos Anthony Wong y Jordan Chan.

Justo en mitad de nuestro top encontramos el único trabajo foráneo de toda la lista, Sector 7, film coreano que se proyectó recientemente en el Festival de Sitges 2011 y que suscitó opiniones divididas entre prensa y público. Justo después de ella hallamos dos películas con un denominador temático común, el mundo de la velocidad y los coches de carreras. La primera de ellas es Speed Angel, la historia de tres mujeres que harán lo indecible por cumplir su sueño de llegar a ser corredoras profesionales de coches de carreras. ¿Y quiénes son estas tres intrépidas chicas? Pues tres bellezones de la talla de las chinas Rene Liu (A World without Thieves, The Matrimony) y Tang Wei (Wu Xia, Late Autumn), y la japonesa Chie Tanaka (Ping Pong, Initial D). Mientras tanto, la segunda cinta automovilística colocada en la posición octava es Racer Legend, una adrenalínica cinta que mezcla drama y acción a partes iguales, con la presencia del sempiterno Eric Tseng, que en este 2011 que ahora finaliza ha rodado la friolera de seis películas, un auténtico todoterreno.

Los tres últimos emplazamientos de nuestro box office chino de Diciembre los ocupan, respectivamente, A Big Deal, una comedia en la que unos jóvenes emprendedores deciden montar una empresa con todos los obstáculos y quebraderos de cabeza que eso supone; Cold Steel, un film de acción puro y duro donde un cazador decide sumarse a un grupo de francotiradores chinos para luchar en plan escaramuzas contra el ejército japonés (con la presencia de la hija de John Woo, de nombre Angeles) y Dear Enemy, un film romántico protagonizado por la directora y actriz Xu Jinglei (Shinjuku Incident, The Warlords) y el cantante y ocasional actor Stanley Huang (Go Lala, Go, dirigido por la propia Xu Jinglei).

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

La frase semanal: "Matamos a sus seres queridos"...

2011-12-27T08:05:00.000+01:00

“Matamos a sus seres queridos.”

Juan de los Muertos (estreno en España el 4 de Enero)

Mientras los zombies de la Habana, después de triunfar en los festivales de medio mundo, y en nuestro país (tras su pase por los festivales de Sitges, Semana de Terror de San Sebastián y Fancine), prometen desembarcar en las costas españolas a partir del 4 de Enero con un eslogan tan divertido como cierto: “matamos a sus seres queridos… por una módica cifra de dinero, claro”, CineAsia prepara las maletas para marcharse a la isla de Cuba. Sí, la noticia es cierta, no estamos a 28 de Diciembre, los santos inocentes no llegan hasta dentro de unas horas. Cineasiáticos, preparad las maletas que nos marchamos para la Habana.

La Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de losBaños (EICTV), considerada como una de las instituciones más importantes de su tipo en el mundo, fue fundada el 15 de diciembre de 1986 como filial de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano (FNCL), por el escritor y periodista colombiano Gabriel García Márquez, el poeta y cineasta argentino Fernando Birri, y el realizador y teórico cubano Julio García Espinosa. Concebida como una escuela de formación artística, la EICTV puso en práctica una filosofía particular: la de enseñar no a través de maestros profesionales, sino de cineastas activos, capaces de transmitir conocimientos avalados por la práctica, la experiencia en carne viva, una constante actualización.

Coincidiendo el presente año 2011 con la presencia de CineAsia como parte del comité de programación en Cines del Sur - Festival de Granada de Cine, se planteó lo posibilidad de realizar dos talleres de cine asiático en la escuela de cine cubana, una posibilidad que cristalizó a finales del mes de Septiembre.

CineAsia, de esta forma, se traslada durante quince días (del 7 al 21 de Enero) a la escuela donde se graduó Alejandro Brugués (director de la divertidísima Juan de los Muertos) para compartir con los jóvenes estudiantes nuestra pasión por el cine asiático. Una aventura que nos ilusiona en gran manera, y de la que os mantendremos informados.

Próxima parada: San Antonio de los Baños (La Habana, Cuba).

Hablamos con: Na Hong-jin, director de The Yellow Sea

2011-12-22T12:13:00.005+01:00

Como ya hiciera con su anterior y primer film The Chaser, el director coreano Na Hong-jin presentó en el pasado Festival de Sitges su nuevo trabajo: The Yellow Sea, película que para su sorpresa (así nos lo expresó su cara al comentárselo) tiene distribución en España (a cargo de Mediatres Estudio) y además se estrena en nuestro país el 5 de Enero próximo (todo un logro y un motivo de felicidad para el aficionado, a sabidas cuentas de lo que suele pasar con películas asiáticas que, o no llegan, o bien se estrenan o lanzan en dvd al cabo de un año o dos después de su visionado en un festival).

Na Hong-jin regresó a Sitges más maduro... y también menos accesible. Expliquémonos: si comparamos nuestro anterior encuentro con el director años atrás cuando presentó The Chaser en Sitges, donde se mostró abierto, feliz y entregado en las entrevistas (por lo menos en la nuestra), tenemos que decir que este año Na se mostró mucho más cauto, mucho más escueto en sus respuestas, costó mucho llegar a él y que confiara en quien escribe… ¿Fruto quizá de la respuesta del público coreano a su película (no tan exitosa como se esperaba)? ¿De los rumores sobre la producción del film y sus deudas? No nos atrevimos a preguntárselo… Pero aún con todo esto a sus espaldas, Na Hong-jin debería estar contento, ¿por qué? Sencillo: The Yellow Sea es un thriller impactante, un drama social intensísimo, su director ha crecido y nos demuestra que es un portento detrás de la cámara y que lo que vislumbramos en The Chaser no es fruto de la casualidad, la crítica mundial le ha sonreído y las ventas internacionales están funcionando… ¿Qué más puede pedir Na Hong-jin?

Os dejamos con la entrevista que compartimos con nuestros amigos de Asiateca y que hicimos en Octubre a Na Hong-jin para ver si encontráis las respuestas.

CineAsia: La temática de los inmigrantes chino-coreanos es una temática muy difícil, muy complicada de tratar en la sociedad coreana. ¿Como eligió un tema tan delicado?

Na Hong-jin: No he pensado que el tema de los chino-coreanos sea difícil de tratar, no lo he pensado así.

CineAsia: ¿No cree usted entonces que los temas políticamente incorrectos en Corea no son difíciles de tratar?

Na Hong-jin: Aquí también habrá mucho inmigrantes, muchos extranjeros trabajadores, y los chino-coreanos en Corea son trabajadores. Sin embargo, son inmigrantes que no se distinguen por la fisonomía o por el lenguaje, utilizamos el mismo lenguaje y tenemos la misma fisonomía. No creo que este tema sea difícil de tratar porque los considero como el aire o el agua, veo a estas personas diariamente y yo nunca los he considerado como extranjeros. Realmente no pienso que sea un tema difícil y realmente ha sido ahora cuando hay un discurso y polémicas con estos temas porque antes no le interesaba a nadie.

Para preparar esta película fui a China en persona. He visto muchísimos chino-coreanos, quería encontrar el máximo número de ellos posible, y todos ellos eran totalmente inocentes solo que desde hace tiempo han descubierto el valor del dinero, para ellos éste es el máximo valor en la vida y pierden muchas otras cosas para conseguirlo. Realmente me daban muchísima pena, los vi, los escuché y quería hablar sobre ellos.

CA: Sabíamos que había estado rodando en China en Yanbian y en Qiqihar: ¿cómo fue el rodaje allí?

NHJ: El rodaje en China fue muy, muy duro, incluso mi equipo me dijo que no podía estar en el rodaje por lo que casi el 80 o el 90% de las escenas en China son con cámara oculta. Bueno, la verdad no estoy muy seguro de que debiera rebelar este dato (sonrisa).

CA: La estructura de la película se divide en 4 capítulos, ¿por qué? Además a nosotros nos parece que hay 2 partes muy diferenciadas: los 2 primeros capítulos, donde hay una narración mucho más sobria y lineal, y una segunda parte que se llena de acción. ¿Era así como estaba planteado desde el principio? El hecho de que estuviera FOX en la producción le obligo a que esa parte fuera un poco más comercial.

NHJ: La idea original eran 3 capítulos pero se convirtió en 4 en el montaje. Realmente la post-producción la hicimos en tan solo un mes con lo cual estaba como loco (sonrisa). Además, en un principio la primera parte era muy larga y pensé en dividirla. La razón de esta división es que originalmente yo quería hacer solo la persecución del personaje protagonista, pero me di cuenta de esa estructura era demasiado difícil por eso la dividí en 2: una parte antes de la inmigración y otra después, el punto de vista va y luego vuelve.

Sobre el tema del capital americano, pues claro, cuando hay una inversión en mis películas siempre me preocupa el resultado final ya que me dan dinero y tengo que considerar que son inversores, pero sinceramente no me ha influido este hecho a la hora de hacer las escenas de acción. Pero sí que me preocupo mucho por mis inversores sean quienes sean.

CA: A los inmigrantes chino-coreanos se les llama de una forma especial, Joseonjok… ¿Nos puede dar más datos?

NHJ: Ante todo decir que los chino-coreanos realmente me dan muchísima pena. El significado literal de Joseonjok es "la etnia de Joseon", una antigua dinastía de reyes de Corea y actualmente relacionada con la gente de Corea del Norte, porque ellos aún utilizan esa referencia. En China hay muchísimas etnias como es el caso del Tíbet, quizás el más destacable, y los Joseonjok son como la etnia del Tíbet pero en Corea, es la etnia minoritaria. Los chino-coreanos que viven en China saben qué está pasando en Tibet, sin embargo, tienen el mismo punto de vista que cualquier chino original. Eso me llevó a preguntarme qué tipo de identidad tiene esta gente pero no encuentro realmente una respuesta clara sobre este tema.

CA: En otro orden de cosas: ¿tan mala es la policía coreana? ¿Tan ineficaz? Porque tanto en The Chaser como en The Yellow Sea parece trasmitirse esa sensación.

NHJ: Creo que el tema de la ineficacia de la policía sólo es tratado en The Chaser, pero concretamente no se habla de ineficacia de la policía sino más bien del sistema coreano. En Corea hay crímenes muy importantes y por lo general los delincuentes terminan en la cárcel. Si yo cometiera un crimen sabría que iría a la cárcel, por lo tanto solo he retratado el problema del sistema en The Chaser. Pero en The Yellow Sea no era mi intención hablar de esto. Es verdad que hay una escena en que un policía con un perro se cae, pero esto no estaba en el guión, el extra hay un momento en que cae por casualidad, me pareció muy gracioso e incluí esta escena en el montaje (risas).

Cuando hago una película quiero prescindir de todo lo innecesario, quiero que se destaque la esencia, lo demás lo considero desechable. La principal idea de The Yellow Sea es la huida del protagonista y por tanto me daba igual que la policía fuera útil o inútil.

CA: En esta película vuelve a repetir con los actores con los que ya trabajó en The Chaser, Ha Jung-woo y Kim Yun-seok. ¿Se siente cómodo con estos actores?

NHJ: En The Chaser trabajé con muy buenos actores, yo mismo aprendí muchas cosas de ellos. Lo que sucede es que mi experiencia con actores se limita a ellos, ellos son los únicos con los que he trabajado (risas). Por ejemplo, si voy a un restaurante hay comida que ya he probado y otra que no, pero si hay algo que he probado y me gusta mucho entonces elegiré eso antes que otra cosa.

CA: Pero, ¿ellos aceptaron rápidamente trabajar con usted? A veces por agenda es muy difícil. Debe de tratarlos bien.

NHJ: Sí, después de The Chaser entablamos una buena amistad.

CA: 2 películas, 2 thrillers, y thrillers muy contundentes y espectaculares que a nivel internacional han dado mucho que hablar, películas que se van a distribuir en España. ¿Por qué le gusta el thriller? ¿Qué puede explorar con el thriller que no encuentra en otros géneros? ¿Seguirá en la línea actual en el futuro?

NHJ: Cuando empecé a escribir guiones, escribía solo en mi habitación y me venía a la mente la idea de hacer una película taquillera. En Corea la mayoría de las películas taquilleras son románticas y al final hay que llorar un poquito, pero no me importaba escribir un guión de este tipo y realmente llegué a escribir uno, se lo enseñé a un amigo y éste tiró el guión y me dijo: "¿Qué es esto? Tú tienes que seguir tu estilo". Fue entonces cuando empecé de nuevo con el guión y salió The Chaser (sonrisa).

Pues si lo que le sale cuando comienza a escribir los guiones son thrillers, siga así Sr. Na, aquí estaremos encantados de seguir su carrera.

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Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)

Fotos: Mario Herrera

The Yellow Sea: Estreno en España el 5 de Enero de 2012

2011-12-22T11:51:00.001+01:00

Cuando se estrenó The Chaser (2008), la ópera prima de Na Hong-jin, pareció algo más que otro de los buenos thrillers a los que nos tiene acostumbrados la cinematografía surcoreana (quizás sea en este género donde Corea de Sur ha tenido más influencia en el panorama fílmico internacional [1], si bien su idiosincrasia parece difícilmente imitable de manera íntegra en otros contextos culturales y de producción). Más allá de su firme pulso narrativo y brillantez técnica, destacaba por una apuesta estética arriesgada, como es la de no conceder refugio a la audiencia en una obra oscura y furiosa (retrato de un submundo espeluznante en pleno corazón urbano, o sea, civilizatorio), inestabilizando todo asidero moral y negándose a reconfortar en su cierre. Se habló entonces del gran talento de Na; y éste vino a confirmarse dos años después (la película nos llega, para no perder la costumbre, con retraso, pero celebremos que sea relativamente poco ¡y que venga en pantalla grande!). The Yellow Sea sigue en esta línea (roja), además de plantear un tema delicado y olvidado como es el de la precaria situación de los exiliados de Corea del Norte, tanto en la vecina del sur como en China, sus dos destinos habituales.

Durante las dos primeras partes de las cuatro en las que quiere dividirse esta película, se nos cuenta la terrible realidad de un norcoreano residente en China, Gu-nam (Ha Jung-woo), quien después de pedir dinero prestado a unos mafiosos para que su mujer pueda emigrar a Corea del Sur, se encuentra con que ésta no da señales de vida ni le envía el dinero necesario para pagar la deuda, mientras se ve amenazado por los usureros y a punto de perder su trabajo de taxista. Desesperado, acepta una oferta que solventará sus problemas económicos, además de permitirle viajar a Corea donde, tal vez, pueda reencontrar a su esposa; a cambio sólo tiene que hacer una cosa: matar a un hombre. Durante el viaje y la estancia en su media patria, conocerá la patética situación de otros inmigrantes del Norte, condenados a la pobreza, la marginalidad y la explotación. Hasta aquí, la atención de la obra está puesta en el drama humano, y el retrato de personajes y ambientes (sucios y descoloridos a través del tratamiento de la imagen) lleva la voz cantante de la narración. El film, sin embargo, se distingue a simple vista de otras producciones con similar planteamiento temático por medio del estilo. El director actúa, especialmente a través del montaje (elíptico y algo sincopado), sobre el tempo, dotándolo de un dinamismo que es ajeno al cine de raigambre social al uso. La continuidad de esta técnica permite que el film no se rompa cuando, a partir del intento de asesinato por parte de Gu-nam de su objetivo, dé un giro decisivo hacia el género. Un género que viene marcado, además de por el frenesí rítmico, por una violencia que transita de lo crudo a lo cómico conforme se torna hiperbólica. Esta hiperviolencia, que una vez estalla será irrefrenable, sin duda dará que hablar (y ahuyentará a muchos espectadores), como ya sucedió con la de I Saw the Devil (Encontré al Diablo) (2010) de Kim Ji-woon; pero lo lógico sería aceptarla como una figura de estilo de un cineasta, un género y una cinematografía que han convertido el sufrimiento de la carne (y su estilización) en un hecho diferencial.

La cosa tiene su lógica. La crueldad del film plantea un doble reto al espectador del que la película saca provecho en términos de discurso: por un lado cuantifica su aguante ante imágenes agresivas, no solo por su sadismo estremecedoramente explícito, sino también por su proximidad emocional (si bien ya he dicho que hacia el final se aplica cierta distancia irónica que suaviza su impacto), y con ello sigue expandiendo los límites de la representación visual del cine (más o menos) mainstream; y por otro, problematiza la identificación con los hechos y su protagonista, víctima y verdugo a un tiempo, hombre de bajos fondos capaz de sacrificarse pero también de matar (aunque sea a regañadientes) para sobrevivir. Hay que decir que esto, que ya ocurriera con The Chaser (si bien Joong-ho (Kim Yun-seok), el personaje principal de aquélla, exhibía una moralidad aún más cuestionable), no es patrimonio exclusivo de las cintas de Na Hong-jin, sino una característica habitual de los más perfectos ejemplos del thriller surcoreano contemporáneo, con la conocida Memories of Murder (Bong Joon-ho, 2003) a la cabeza. Como escribiera Roberto Cueto, desde Corea se ha recuperado “esa ambigüedad perdida para el género en un Occidente obsesionado por la corrección política, [poniendo] en un brete a los espectadores acostumbrados a ser manipulados en la dirección adecuada” [2].

The Yellow Sea, pues, es un desafío. Un film que si no inventa nada, sí que lleva al límite propuestas formales atrevidas. Y, salvo algún que otro desajuste de la trama, lo hace a través de un dominio absoluto de la expresividad del lenguaje (fílmico).

Lo mejor: Son dos películas en una pero no se nota.

Lo peor: Algún agujero negro del argumento.

Por nuestro colaborador Jordi Codó

[1] Spike Lee está trabajando en un remake de Oldboy (Park Chan-wook, 2003) (!)

[2] “Un nuevo cine para una nueva realidad (… o las películas coreanas que los coreanos quieren ver)”, en Elena, Alberto (ed.): Seul Express. La renovación del cine coreano (1997-2004). Madrid: T & B Editores, 2004, pg. 40

Box Office Hong Kong (09-11 de Diciembre de 2011): Wilson Yip planta cara a Tintín

2011-12-21T06:36:00.000+01:00

Cinco películas autóctonas, una india, una coproducción húngaro-británica y cuatro americanas conforman la cartelera hongkonesa correspondiente a esta segunda semana de Diciembre.

El top se lo lleva en esta ocasión la muy animada Las Aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio, otra máquina de hacer dinero del tándem Steven Spielberg-Peter Jackson que está arrasando en todos los países donde se proyecta. A causa del furor desatado por esta adaptación del famoso cómic de Hergé un film como Magic to Win, de Wilson Yip, que en otras circunstancias sería candidato claro al número uno, dado que el director cuenta sus trabajos por auténticos acontecimientos en China, se tiene que conformar en esta ocasión con ocupar una muy meritoria segunda plaza. Después del rotundo éxito de crítica y público cosechado con su anterior trabajo, Ip Man, Yip se decanta en esta ocasión por la comedia de acción más familiar. Basada en la famosa serie de películas Happy Ghost de finales de los 80, Magic to Win nos cuenta la historia de una chica cuya vida cambia de manera radical cuando hereda los superpoderes de su padre. Gracias a ellos empieza a vivir de manera más cómoda e incluso los utiliza para sobresalir en el mundo del deporte. El abuso de sus poderes acaba por atraer a un acérrimo enemigo de su padre, quien lleva años tramando una cruel venganza. Protagonizan la cinta Louis Koo (Triple Tap, Don’t Go Breaking my Heart), Chun Wu (14 Blades, My Kingdom) y la guapísima debutante Karena Ng (ojito con ella, porque promete y mucho).

Recién estrenada y cerrando ya las posiciones de podio encontramos White Vengeance, también conocida bajo el título de Hong Men Yan, un film que centra su trama en el histórico banquete que tuvo lugar en el año 206 a.c. en Hong Gate, un lugar situado a las afueras de Xianyang, la capital de la Dinastía Qin. Las principales partes implicadas en tan singular ágape fueron Liu Bang y Xiang Yu, dos prominentes líderes de las fuerzas insurgentes que llegaron a rebelarse contra esta Dinastía, llegando el primero de ellos a fundar la Dinastía Han. Entre el nutrido elenco actoral que participa en el film hay que destacar la presencia del siempre efectivo Anthony Wong (Vengeance, Exiled) junto a otros actores menos conocidos para el gran público como los emergentes Leon Lai (Bodyguards and Assassins, The Matrimony) y Yifei Liu (A Chinese Fairy Tale). Dirige Daniel Lee, todo un especialista en rodar films épicos, con títulos como los recientes Three Kingdoms o 14 Blades.

En cuarto lugar un film taiwanés que ya va por su segundo mes en cartelera. Se trata de You Are the Apple of my Eye, una comedia con tintes melodramáticos que nos cuenta de manera harto nostálgica y divertida la vida de un adolescente taiwanés en tres etapas: sus años de instituto, de universidad y su llegada a la edad adulta. Todo un exitazo en su país y seguramente uno de los “sleepers” de la temporada. Y si longeva está resultando la andadura de You Are the Apple of my Eye, qué decir del film indio 3 Idiots, un auténtico bombazo en taquilla que lleva la friolera de quince semanas instalado en nuestro top diez. Esta comedia de 2009 dirigida por Rajkumar Hirani nos cuenta el periplo de dos amigos que buscan a otro compañero perdido. En este viaje se encontrarán con una apuesta perdida, una boda y un funeral fuera de control.

Sexta y séptima posición, respectivamente, para la nueva apuesta animada de la Aardman para estas Navidades, Arthur Christmas y el nuevo e incomprendido film protagonizado por Johnny Deep, The Rum Diary, propuestas internacionales que se completan con el Cascanueces en 3D dirigido por Andrei Konchalovskiy, colocada en penúltima posición, y las dos partes en las que se ha dividido la megaproducción de 275 minutos Warriors on the Rainbow: Seediq Bale, cinta épica basada en el “Wushe Incident”, que tuvo lugar en 1930: un incidente que acabó con una rebelión de los aborígenes taiwaneses contra las fuerzas coloniales japonesas. Dividida en dos fragmentos dada su larga duración, el último de ellos ocupa el octavo lugar de nuestra lista mientras que el primero cierra el top de esta semana.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

CineAsia premiada en ImaginaMálaga 2011

2011-12-21T06:32:00.000+01:00

A finales del pasado mes de Septiembre tuvo lugar el Salón del Manga de Málaga (ImaginaMálaga 2011). Nada más acceder al recinto nos recibía Raúl, de la organización, y nos mostraba donde estaba cada cosa (salón de actos, stands, lugar de actuaciones,…) y el mural de esta edición 2011.

El ambiente no podía ser mejor, muchos jóvenes lucían sus elaborados cosplay, había multitud de puestos con artículos relacionados con el cómic, manga y merchandising de lo más variado. Además durante todo el evento se celebraron actuaciones, concursos, conferencias y presentaciones de libros.

Desde aquí queremos hacer llegar nuestro más sincero agradecimiento a toda la organización de ImaginaMálaga por haber pensado en nosotros, pues CineAsia recibió el “Premio a la difusión de la cultura oriental”. En todo momento nos sentimos muy arropados y la entrega de premios fue una locura, en el buen sentido de la palabra. El presentador, muy simpático y además, seguidor confeso de Star Trek: como podéis imaginar estaba atacado pensando que tenía que dar un premio a la Oficial Klingon Spice Williams, que por allí andaba haciendo gala de su buen estar y simpatía. El resto de premiados y asistentes, entre los que se encontraban las chicas de Xian nu Studio (Bakemono), no paraban de aplaudir a todo aquel que subía a recibir su galardón. Menos mal que no nos tocó cantar nada en japonés –nos libramos por los pelos, pues desde que Emanuela Lupacchino celebró su premio cantando “una rosa es una rosa” de Mecano, parecía que todos íbamos a tener que mostrar nuestras dotes artísticas. Para rematar, como guinda del pastel, tuvimos oportunidad de disfrutar de un pequeño show de Curt Savoy (sí, el más famoso silbador de las películas del oeste).

La verdad es que pasamos una tarde-noche muy agradable y que no olvidaremos fácilmente. ¡Muchas gracias Málaga!

Por nuestros colaboradores Salva Navarro y Rocío Vázquez

¿Quieres una edición en dvd de El Arpa Birmana del japonés Kon Ichikawa?

2011-12-16T07:52:00.003+01:00

Año 1945. En las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, los japoneses están a punto de firmar la paz en Birmania. Un soldado nipón que toca el arpa queda horrorizado por la muerte y destrucción que lo rodean. Terminado el conflicto, decide regresar al lugar convertido en un monje con el firme propósito de dar sepultura a los fallecidos.

A Contracorriente Films acaba de editar en España por primera vez El Arpa Birmana, maravilloso alegato antibelicista que constituye uno de los mejores títulos en la historia del cine japonés. Candidato al Oscar®, en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa, Kon Ichikawa firmó este poderoso film de referencia convertido en un clásico de gran valor universal. El film ha sido fuente de inspiración para muchos directores, entre ellos, Terrence Malick y su film La Delgada Línea Roja.

La edición en DVD (que ya está disponible a la venta) incluye entrevistas realizadas en 2007 al director Kon Ichikawa (un año antes de su muerte) y al actor Rentarô Mikuni. La película se ofrece con un master restaurado a partir de un nuevo transfer digital en alta definición. La edición también incluye un libreto de 16 páginas con el comentario crítico exclusivo de Carlos Aguilar.

Desde CineAsia online queremos participar de este lanzamiento con el regalo de varias ediciones de la película a los aficionados. Para participar, sólo tenéis que dejar vuestra opinión sobre la película, o la novela en la que está basada de Michio Takeyama, o bien decirnos tres películas dirigidas por el maestro del cine japonés Kon Ichikawa. Con el conjunto de respuestas realizaremos el sorteo de cinco unidades de la película. El sorteo se celebrará en la víspera de Reyes, el 5 de Enero, y el 6 conoceréis a los ganadores.

Podéis dejar vuestros comentarios: en el blog (respuesta a esta entrada), en facebook, en twitter, o en esta dirección de correo electrónico. Muchas gracias a todos por participar.

Para más información visita la web de A Contracorriente

Wu Xia (China, 2011)

2011-12-14T06:58:00.002+01:00

Año: 2011

País: Hong Kong, China.

Director: Peter Chan.

Duración: 115 m.

Género: Artes marciales.

Protagonistas: Donnie Yen, Takeshi Kaneshiro,

Wei Tang, Wang Yu, Kara Hui.

Sinopsis: Durante la Dinastía Qing (1917), en la cúspide de la transición de China de la monarquía a una república, Liu (Donnie Yen), es un fabricante de papel que vive de forma apacible con su esposa Ayu (Tang Wei) y sus dos hijos. A su remota aldea llega el detective Xu (Takeshi Kaneshiro), quien está investigando la muerte de dos bandidos durante un robo. Su tenaz investigación le llevará a concluir que Liu esconde más de un horrible secreto que acabará por amenazar a la aldea y a su familia.

Crítica: No es esta una película al uso que vayan a disfrutar los aficionados más acérrimos a las piruetas de Donnie Yen. Aquí las escenas de acción, que con todo y con eso las hay y muy buenas (con un dinamismo excelente en los combates y muy bien coreografiadas por el propio Donnie Yen), quedan minimizadas por la potente historia y el estilo visual empleado por Peter Chan, un auténtico maestro a la hora de trasladar a la gran pantalla el espíritu y el alma de los wuxia clásicos, como ya demostró hace unos años en la magnífica The Warlords: los señores de la guerra. Moviéndose de nuevo con un elenco actoral que quita el hipo: Donnie Yen (siete películas en tres años y no te cansas de verlo), Takeshi Kaneshiro (actor fetiche del director) y la guapísima Tang Wei (inolvidable desde aquella maravillosa interpretación en Deseo, Peligro, de Ang Lee), Chan logra fusionar de manera meritoria los elementos que atraen al público internacional con algunas de las sensibilidades autóctonas de las artes marciales. El film gana en originalidad cuando se nos presentan algunas escenas en planos generales y al cabo de un tiempo se vuelven a mostrar esas mismas secuencias desde primeros planos y planos medios. Es lo que ocurre, por ejemplo, en el enfrentamiento que tiene lugar entre Liu y los dos ladrones que se dedican a agredir impunemente al tendero del pueblo. Cuando el detective Xu pida a Liu que vuelva a relatar de manera pormenorizada cómo ocurrió la refriega, se nos volverán a mostrar las mismas imágenes, pero con una diferencia sustancial que enriquece y de qué manera el conjunto (no desvelaremos nada, aunque diremos que es un fragmento digno del mejor de los episodios de cualquier CSI). Liu es el centro de todo lo que acontece; su escondite perfecto se verá dinamitado cuando los viejos fantasmas familiares en forma de setenta y dos demonios aparezcan para reclamar lo que es suyo. Aunque la trama del hombre con un pasado teñido de violencia que busca la paz y el sosiego cobijándose en una nueva identidad se haya tratado una y mil veces en el cine (citaríamos dos ejemplos, uno de cine clásico: Llega un Pistolero, con Glenn Ford; y otro de cine moderno: Una Historia de Violencia, de David Cronemberg), la importancia de los personajes en el peso de la trama (tanto Yen como Kaneshiro están espléndidos en sus respectivos roles), sus motivaciones y el dramón familiar que se nos explica, hacen de ésta una propuesta realmente recomendable. La intriga está muy bien llevada, y las soluciones a los diversos enigmas se nos irán administrando a cuentagotas, aunque quizás algunos momentos están explicados de manera un tanto torpe.

A destacar también la hermosa escenografía, cuidada hasta el último de los detalles, y que recuerda por su rusticidad a films clásicos como Tierra Amarilla de Chen Kaige; y la cuidada banda sonora de Peter Kam, quien ya trabajara a las órdenes de Peter Chan en la ya citada con anterioridad Warlords. Se agradece también que en las escenas físicas no se haya abusado ni de las cuerdas ni de los efectos digitales, lo que dota al conjunto de un dinamismo y un realismo bastante conseguido, lejos de esas propuestas tan fantásticas como poco creíbles que provocan el rechazo de quien las mira. En definitiva, un curioso acercamiento a un género que parece revitalizarse por momentos (Reign of Assassins sería otro título a tener muy en cuenta) uniendo espectáculo con momentos de gran belleza espiritual. Tiene alma, tiene mensaje y es una delicia.

Lo mejor: Su apuesta por redefinir el género al que da nombre el film.

Lo peor: Su resolución puede decepcionar por no seguir las pautas establecidas en este tipo de films.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

Ciclo de cine chino en la Semana Cultural china "Ni Hao Telefónica"

2011-12-13T18:44:00.000+01:00

El Secretario General Técnico de la Presidencia de Telefónica, Luis Abril, ha inaugurado en Madrid la Semana Cultural China ‘Ni Hao Telefónica’ con el objetivo de acercar a los empleados de la compañía la idiosincrasia cultural de China, un país que ha logrado cambiar el escenario económico internacional, en el que ahora juega un papel protagonista, y con el que Telefónica mantiene una estrecha relación a través de su alianza con China Unicom.

Telefónica tratará de hacer llegar a los más de 12.000 empleados que trabajan en su sede de Madrid, así como al resto de empleados en España vía web, un mayor conocimiento de las costumbres chinas, de su historia y del momento actual por el que atraviesa el país. Al acto de inauguración, celebrado ayer lunes día 12 de diciembre en Madrid, han asistido el embajador de China en España, Zhu Bangzao, y el director general de Casa Asia, Juan José Herrera de la Muela.

Las actividades que conforman “Ni Hao Telefónica” se agrupan en tres grandes niveles de aproximación a la realidad china. Bajo el epígrafe ¿Cómo Pensamos? se ofrecen mesas redondas y coloquios, demostraciones de tecnología y cursos de caligrafía; bajo el denominado ¿Cómo Actuamos? los empleados de Telefónica podrán asistir a clases de taichi o de chino, conocer el ritual del te o presenciar desfiles de moda; y, por último, bajo el título ¿Cómo Sentimos?, se ofrece un festival de cine chino y está igualmente prevista una exposición fotográfica y una feria de Artes Chinas.

La Embajada de la República Popular China en España apoya el evento cultural con una selección de cinco películas que se proyectarán a lo largo de esta semana en Madrid:

Warriors of Heaven and Earth (Ping He, 2003)

Guerreros del cielo y de la tierra narra en clave épico-fantástica las vicisitudes de un emisario imperial, de nacionalidad japonesa, que para poder volver a su patria ha de matar a un conocido criminal, desertor del ejército. Dicho criminal ha tenido a bien aceptar como trabajo el escoltar una misteriosa caravana a través del desierto del Gobi, defendiéndola del asedio de los turcos y de delincuentes chinos, muy interesados todos en ella.

Jasmine Women (Hou Yong, 2004)

Basada en la novela de Su Tong, quien colaboró también en la realización del guión, Jasmine Women, narra la vida de tres generaciones de mujeres de una misma familia que se ven abocadas al sufrimiento por sus historias de amor y desengaño. Ópera prima de Hou Yong, graduado en la Academia de Cine de Beijing y que compartió estudios con Zhang Yimou, Tian Zhuangzhuang y Chen Kaige, con quienes más tarde colaboró como director de fotografía en varias de sus películas.

Kekexili (Lu Chuan, 2004)

En 1985, situada en una estepa virgen del Tíbet conocida como KeKeXiLi, existía una población de más de un millón de ejemplares del antílope tibetano, también llamado Chiru. En la actualidad, debido a matanzas indiscriminadas por parte de cazadores que codician su preciada piel lanosa, no quedan más de 10.000 animales de dicha especie. Una fábula ecologista rodada en unos espectaculares escenarios naturales del Tíbet, escogida en el 2004 como representante de China a competir por el Oscar a mejor película extranjera.

Riding Alone for Thousands of Miles (Zhang Yimou, 2005)

Para esta película realizada entre las superproducciones La Casa de las Dagas Voladoras y La Maldición de la Flor Dorada, Yimou compone un bellísimo trabajo que se adentra de nuevo en su faceta mas intimista, emparentada directamente con sus primeras obras o las geniales El Camino a Casa, o Ni Uno Menos.

The Knot (Yin Li, 2006)

Un profesor de ingles y estudiante de medicina y la hermana de uno de sus alumnos, se enamoran casi instantáneamente, pero las revueltas sociales en wl Taiwán de los años 40 les separa…. Pasan 60 años sin saber nada del otro…pero el destino les tiene deparada una sorpresa.

Y los DVD de El Camino del Guerrero son para...

2011-12-13T08:32:00.002+01:00

Un asesino imbatible (Jang Dong-gun) ha jurado matar al último superviviente del clan enemigo pero descubre que se trata de una niña indefensa. Conmovido por su inocencia, decide dejar las armas, empezar una nueva vida y criar al bebé en el viejo Oeste. En un pueblo polvoriento y destartalado, conoce a una mujer temperamental (Kate Bosworth) y lleva una vida tranquila hasta que una banda de bandoleros obliga a nuestro héroe a matar de nuevo. En el enfrentamiento final, un encuentro letal entre Oriente y Occidente, participan un famoso pistolero (Geoffrey Rush), el sádico jefe de una banda (Danny Huston), el clan de asesinos que fue traicionado y el pueblo entero. Se combate con pistolas y espadas, con los puños y desde luego, con furia. Las técnicas del kung-fu se combinan con las del salvaje oeste americano para crear acción, violencia y emoción.

Con unos días de retraso, aprovechando que es martes y 13 de Diciembre (por aquello de desmitificar el día de la mala suerte), hemos elegido hoy para comunicaros el resultado del concurso que hemos realizado en Cineasia online. Desde aquí queremos agradecer una vez más a la distribuidora, Sony Pictures Home Entertainment su apuesta por el cine asiático de calidad, y a todos los aficionados que habeis participado en este concurso.

DVD "El Camino del Guerrero":

Daniela Zabaleta

Juan Carlos (Madrid Free)

Mary Lyn (ppp)

Luis Romo Cuadrado

Cristina Ruiz Velasco

El Camino del Guerrero (ya disponible en DVD y BLU-RAY) tiene una duración de 96 minutos y no está recomendada para menores de 7 años. El precio y características de las plataformas digitales de El Camino del Guerrero pueden variar según el proveedor de servicios.

Para más información visita la web de Sony Pictures Home Entertainment

Adiós, cineasiático

2011-12-11T19:56:00.000+01:00

El pasado viernes 9 de Diciembre, cuando el día despuntaba, dijimos adiós a mi cineasiático más querido.

Después de 92 años, no era la suya una cinematografía en la que abundaran las películas orientales. En parte, por el poco tiempo que dedicó a lo largo de su vida a "estar encerrado en una sala de cine" (como solía decirme, cuando cada fin de semana le pedía dinero para ver el programa doble que daban en el cine del barrio).

Evidentemente, no coincidimos en el cine muchas veces, y la que recuerdo con mayor cariño, allá por el año 1976 (yo tenía cerca de 12 años) poco o nada tiene que ver con la cinematografía asiática. A ver, reparto de tortas en la película sí lo había, pero no era ni por asomo una cinta de artes marciales interpretada por Bruce Lee, sino una película de boxeo, americana, en la que Sylvester Stallone daba vida al púgil Rocky Balboa. La vimos en el cine Tívoli (hoy en día reconvertido en teatro) y disfrutamos lo nuestro.

Pero lo que son las cosas, sin José Antonio, mi cineasiático más querido, CineAsia, como la entendéis hoy, no hubiera existido.

Sólo un cineasiático entiende lo que es ser españolista (al Español le cuesta ganar, lo mismo que a una película asiática le cuesta ser estrenada en nuestro país). Y José Antonio, aunque a veces lo disimulaba bien, siempre ha sido del Español.

Sólo una persona sencilla como lo era él, pudo entender lo que un mocoso le dijo hace ya un tiempo, instantes antes de dejar la carrera de Medicina, con la peregrina idea de iniciar una aventura en el mundo de la cultura y para más inri, que tenía que ver con el cine. Y José Antonio lo entendió, a pesar de que casi le da un infarto después de escuchar la revelación.

Sólo una persona con espíritu aventurero es capaz de llegar a conocer otras culturas. Una persona a la que le gusta viajar, desplazarse de un lugar a otro. A José Antonio le hicieron viajar mucho durante los años de la Guerra Civil, seguro que por ello no le importó dejar a un lado lo de viajar durante las vacaciones a lo largo de su vida laboral. A pesar de ello, y de no haber subido a un avión en su vida, conoció Japón, Corea, Hong Kong, China, Taiwán y hasta Tailandia, la India y Vietnam. Sin salir de casa y sin necesidad de utilizar la wikipedia. Cuando nos visitaba, a José Antonio, le bastaba sentarse y ver a nuestro lado todas aquellas películas "tan raras" que veíamos.

Hasta siempre, papá; mi cineasiático más querido.

Inauguración Biblioteca "Window on Korea" en la UMA

2011-12-06T09:16:00.000+01:00

Mañana miércoles 7 de diciembre a las 12:00 h se celebra el Acto de Inauguración de la Colección "Window on Korea" que tendrá lugar en la Universidad de Málaga, en la Facultad de Estudios Sociales y del Trabajo (Francisco Trujillo Villanueva -Teatinos) en Málaga. El acto estará presidido por el Decano de la Facultad de Estudios Sociales y del Trabajo, el Sr. D. Francisco Manuel Montalbán y el director de la Biblioteca Nacional de Corea, el Sr. D. Jin Yung Woo.

La Biblioteca Nacional de Corea ha hecho una donación de más de 2.500 libros por un valor superior a 50.000 euros. El acto se enmarca dentro de las acciones que la Biblioteca Nacional de Corea ha desarrollado para la promoción de la cultura coreana en las mejores bibliotecas universitarias del mundo y dentro del plan de internacionalización del Campus de Excelencia Internacional de Andalucía TECH. Esta donación será de gran ayuda para el desarrollo del nuevo grado de excelencia de Estudios de Asia Oriental que se ha iniciado este Curso Académico 2.011-2.012. Al acto acudirá el Sr. D. Francisco Manuel Montalbán, Decano de la Facultad de Estudios Sociales y del Trabajo, el Asesor de la Rectora para el Campus de Excelencia Internacional, el Sr. D. Víctor Fernández Muñoz y el Director de la oficina de la Universidad de Incheon, el Sr. D. Antonio Domenech.

El acto finalizará con el corte de cinta y un breve recorrido por la cultura coreana a través de los fondos donados.

Para más información: Darío R. Gutiérrez - Responsable de Comunicación- Oficina de la Universidad de Incheon en Málaga: 951.952.772/773

La frase de la semana: Osamu Tezuka cierra el Japan Cult Cinema IV

2011-12-05T12:08:00.002+01:00

“Al principio los manga situaban al lector como si estuvieran ante un escenario. Esto anulaba casi cualquier efecto dramático o psicológico, por eso empecé a utilizar técnicas cinematográficas. Inspirado por películas europeas que vi de niño, el resultado fue un tipo de manga mucho más largo de lo que se había visto hasta entonces, También pensé que, además de hacer reír, los mangas podrían transmitir otros sentimientos: odio, desesperación, afán de venganza… En suma, me planteé una narración como un viaje cuyo final no tenía por qué ser forzosamente feliz.”

Osamu Tezuka (dibujante de manga y animador japonés)

Se estima que durante sus treinta y cinco años de profesión, Osamu Tezuka, conocido universalmente como Manga no Kamisama (Dios del Manga) llegó a escribir y dibujar unos 700 títulos de casi todos los géneros, mientras que intervino en la producción de unos setenta títulos para la pantalla. Sin lugar a duda, él fue quien puso los cimientos del manga y el anime a lo largo de su carrera.

En un país copado por miles de comics, con un mercado editorial envidiable, cuyas series más famosas venden millones de ejemplares y las leen tanto adultos como niños, es totalmente lógico pensar que exista una asociación entre manga e industria cinematográfica. Eso es lo que ha pasado en este último lustro: el manga (el cómic japonés) ha sido una gran fuente de inspiración para la gran pantalla (y no sólo japonesa) y miles de adaptaciones de exitosas historias plasmadas en blanco y negro en las viñetas han sido llevadas al cine. Lo cierto es que, desde que el padre del manga, Osamu Tezuka, plasmara su primer esbozo de Astroboy, muchos habían sido los intentos para trasladar esos mangas que triunfaban en aquella época a la pantalla grande.

Tezuka daría un giro profundo a su carrera con la culminación de la serie Mw (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas. Y con Osamu Tezuka hemos querido clausurar el ciclo “Japan Cult Cinema IV: del manga al cine” que se ha proyectado a lo largo de estos dos últimos meses en Casa Asia Barcelona. Con la proyección el próximo sábado día 10 de Diciembre a las 19:30 Mw, el film en imagen real basado en uno de los mangas más oscuros del que ha sido y será el padre del manga.

Mw · Dir.: Hitoshi Iwamoto. Thriller/Acción. (2009. 129’. VOSE)

Thriller basado en uno de los mangas más oscuros y tenebrosos de Osamu Tezuka iniciado en 1976 (y publicado en España) que, a su vez, se basó en algunos escándalos de corrupción que asolaron la sociedad japonesa a principios de los años setenta, para plasmarlos en sus viñetas. La película narra la odisea de dos chicos que escapan de un accidente provocado por un gas letal con el que está experimentando el ejército americano en suelo japonés. Nadie puede quedar vivo para contar lo ocurrido en la isla, así que los dos supervivientes deberán correr, escapar, pelear y vengarse. Uno de los thrillers de acción más interesantes de la última hornada de producción nipona.

Para más información: Casa Asia

¿Qué ver en Fancine hoy domingo 27 de Noviembre?

2011-11-27T11:43:00.000+01:00

Llegó el gran día. Aficionados al cine fantástico hoy no tenéis excusas: el R.Madrid y el Barcelona ya han jugado sus respectivos partidos, Nadal y Ferrer se despidieron del Masters, a lo máximo que puede aspirar Fernando Alonso, es a un segundo puesto en el Mundial de Fórmula 1, y para acabar de redondear el día el equipo de la ciudad, el Málaga, juega mañana lunes contra el Villareal, en un gesto hacia los aficionados al cine… Hoy hay que acudir en masa al Albéniz, Teatro Cervantes, Vicerectorado y Paraninfo…

¿Por qué? Hay tenéis cinco buenas razones:

Concierto de Bandas Sonoras de cine en el Teatro Cervantes. A las 19:00 horas. Si eres amante de la música, es esta una cita que no te puedes perder. Por error en el programa de mano el concierto aparecía programado media hora más tarde, pero en la página web de Fancine ya han apuntado el horario real. El programa del concierto es de auténtico lujo, y en concreto, para los aficionados al mundo de los superhéroes, una cita ineludible.

Hoy vais a permitirme que barra para casa, ya que las cuatro recomendaciones siguientes tienen mucho que ver con el cine asiático.

Ra.One (Ciclo Superhéroes). Si todavía no habéis disfrutado de ninguna película procedente de la India, yo no dejaría escapar esta oportunidad. Un film que se estrenó hace tan solo unos días en la India y que se ha convertido en una de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. Efectos especiales de primera línea, números musicales deslumbrantes y la fuerza visual de Shah Rukh Khan y Kareena Kapoor. Dejar atrás los prejuicios, dejaros seducir por la música y por las emociones… y si os viene de gusto, poneros a bailar en la sala: al estilo en el que lo hacen los espectadores en las salas de Mumbai.

Midnight FM (Oficial a concurso). La coreana Midnight FM nos sorprendió gratamente cuando tuvimos oportunidad de verla en el Mercado de cine de Berlín. No llega a la altura de thrillers como The Chaser o The Man From Nohwere, pero no le falta tanto. La historia que acontece a lo largo de una noche, tiene como protagonista a una locutora de radio y a un concienzudo piscópata (da gusto ver a Yo Ji-tae en este tipo de papeles, le sientan tan bien). El juego del gato y el ratón se ha iniciado. Y el espectador no va a tener tregua hasta el final. Nosotros tampoco, no probamos un bocado de la comida que entramos en la sala.

Bedevilled (Informativa). ¿Estáis dispuestos a viajar a una isla inshóspita donde se suceden las situaciones más inversosímiles? El debut en la dirección de Jang Cheol-soo, quien fuera ayudante de dirección de Kim Ki-duk, es una sólida y sórdida película que levantará ampollas con su tratamiento de la violencia, tanto física como psíquica en el entorno rural de Corea.

The Chaser (Ciclo Corea Fantástica). Comentaros a los que queráis apuntaros a esta sesión, que el Campus de El Ejido está abierto por su parte posterior –la rampa al lado del parking de coches- (contraria a la entrada que se suele utilizar). No os sorprendáis porque la entrada principal está cerrada. Dicho esto comentaros que The Chaser es uno de los debuts en la dirección más estimulantes de los últimos tiempos (la película se alzó con el Premio Casa Asia en el Festival de Sitges). A la espera del estreno el próximo 6 de Enero en las pantallas españolas de su siguiente película The Yellow Sea, The Chaser cuenta la historia de Eom Joong-ho, un ex detective metido a proxeneta que empieza a ver cómo las chicas que trabajan para él desaparecen poco a poco sin dejar rastro. Convencido de que es alguien de la competencia que le está robando a sus mujeres, intenta tenderle una trampa. Una trama sencilla que da lugar a uno de los más vibrantes y emocionantes thrillers de los últimos tiempos.

A disfrutar de Fancine y del cine fantástico.

¿Qué ver en Fancine hoy sábado 26 de Noviembre?

2011-11-26T11:24:00.000+01:00

Con los ojos todavía afectados después de la proyección de Child’s Eye (Hong Kong, 2010) ayer por la noche en el cine Albéniz, iniciamos una nueva jornada sin quitarnos las gafas 3D. Hay que ver la capacidad que tienen los hermanos Pang de repetir una historia y conseguir asustar al espectador, alargando el suspense hasta límites insospechados para tu brazo (especialmente recomendado a aquellos que tengan novia/o asustadiza/o, que se pongan un buen jersey antes de entrar en la sala).

Hoy es sábado, la mayoría de los malagueños tienen el día por delante y se pueden preguntar: ¿y hoy qué vemos en Fancine? Aquí van nuestras cinco recomendaciones:

Un Puente Hacia Terabithia (El Fantástico en Familia). Si tienes niños, o bien si todavía te consideras uno de ellos, desayuna pronto y dirige tus pasos hasta el cine Albéniz en sesión matinal. La propuesta es un cuento fantástico que te transportará a un mundo plagado por gigantes, ogros y otras criaturas. Una excelente manera de introducir a los más jóvenes en el cine fantástico.

Troll Hunter (Sección Informativa) Los países nórdicos están apostando fuerte por el género. Sin ir más lejos, el año pasado la película que triunfó en el Festival de Sitges fue Rare Exports, un maquiavélico cuento de Navidad. Este año la apuesta de muchos festivales especializados desde su pase en Berlín es un film que cámara en mano (al estilo de Rec) invita al espectador a cazar trolls. Porque, evidentemente, los trolls existen…

Haunters (Oficial a Competición). Siempre es bueno que un director te sorprenda. Pero aún es más importante si te sorprende con su primera película. Haunters es la respuesta coreana al imaginario de los superhéroes. Lo mejor: que no te expliquen nada de su argumento.

Red State (Premieres). Aquéllos que busquen al Kevin Smith de Clerks o Chasing Amy (películas que por otra parte adoramos los seguidores de este director), mejor que las recuperen en dvd. Kevin Smith deja a un lado su alter ego indy para explorar nuevas temáticas en este impactante largometraje que describe la sinrazón de las sectas, de la policía… en otras palabras, de la sociedad en la que vivimos. Triunfadora en el Festival de Sitges, Red State es un golpe bajo para el espectador.

2 Hermanas (Corea Fantástica) Una obra maestra del cine de terror que se estrenó en el 2003. Si por casualidad no la habéis visto, no dejéis escapar la oportunidad de introduciros en el universo de dos hermanas y su madrastra. Kim Jee-woon (reconocidísimo ya director coreano, autor de maravillas como A Bittersweet Life o I Saw the Devil o lo que es lo mismo Encontré al Diablo) nos traslada con 2 Hermanas al mundo de los cuentos y leyendas del folclore de Corea: dos pequeñas que regresan a la casa familiar, una mansión que esconce más de un secreto y una madrastra de esas que quitan el hipo.

¡Disfrutad del cine fantástico!

Fancine da la bienvenida a su 21ª edición

2011-11-25T09:09:00.001+01:00

Con un Teatro Cervantes repleto, Fancine daba ayer, algo pasadas las ocho y media de la tarde, la bienvenida a su 21ª edición. Una excelente noticia, el hecho de que un festival organizado por una Universidad pública, mantenga tras veintiún años de existencia, las señas de identidad, la ilusión y la exquisitez a la hora de preparar la gala inaugural, dirigida por Carlos Durán.

Una gala inaugural puede realizarse desde la excelencia “de medios”, o bien, como la que vimos ayer por la noche, desde la excelencia “de las ideas y del trabajo”. Una coreografía repleta de texturas y de contenido (esa revisitación al mundo de los superhéroes desde una perspectiva más social, a la búsqueda del héroe anónimo al que le ha tocado sobrevivir en la sociedad actual), complementada por el buen hacer de un grupo de jóvenes procedentes de distintos ámbitos universitarios (danza, comunicación audiovisual, derecho, psicología…) que desde los primeros compases en los que un saxo recordaba las notas de Blade Runner, cautivaron a la audiencia.

En la gala se rindió homenaje a dos actores del cine español: a la juventud, encarnada en Jimmy Barnatán (un rostro conocido desde su intervención en la serie de Los Serrano, pero que ya tiene unas cuantas películas en su haber, entre las que se encuentran: El Día de la Bestia, Torrente, El Corazón del Guerrero…) y por otra parte a la madurez de toda una carrera, a un Simón Andreu (uno de nuestros rostros más internacionales, que ha trabajado con directores de la talla de Milos Forman, Fernando Fernán Gomez, o Paul Verhoeven) que expresó su admiración ante el hecho de que una Universidad pública cuente con un festival como el que le rendía homenaje esta noche.

La gala se clausuraba con la proyección del cortometraje Matar a un Niño (una historia rodada en blanco y negro, con una técnica narrativa muy depurada y un guión sencillo pero contundente: Es domingo. El despertar de un día desgraciado. A las diez en punto un niño feliz, va a morir...). Para completar el programa se proyectaba el largometraje Wrecked (Michael Greenspan, 2011). Con un leit motiv que recuerda a Buried, pero en este caso con la acción que tiene lugar en el interior de un vehículo accidentado, y en el que el único superviviente, Adrien Brody, tendrá que ingeniárselas para poder sobrevivir y saber cómo llegó hasta allí.

¿Y tras la gala… qué? Tras la gala nos aguardan ocho días de una más que interesante programación que visita todas y cada una de las manifestaciones del cine fantástico. donde los espectadores podrán encontrar desde el gore de propuestas como Monster Brawl, o Inbred, al humor y la parodia de los zombies cubanos de Juan de los Muertos, pasando por el fantástico más real, el que a veces nos hace temblar más que los monstruos que se esconden bajo la cama, que desprenden títulos como Red State o The Chaser.

Una recomendación: que vayáis al cine… Disfrutad de la semana que os aguarda por delante. Y, eso sí, no os perdáis la premiere de la cinta india Ra.One… Porque los superhéroes... también bailan. Un film que promete emociones no vistas antes en una pantalla malagueña. ¡Feliz Fancine!

La película taiwanesa Colorful Mind, mención especial en el FICI 2011 de Madrid

2011-11-23T08:00:00.001+01:00

La película brasileña Las Mejores Cosas del Mundo dirigida por Lais Bodanzky ha recibido el Premio a la Mejor Película que otorga el Jurado Internacional del Festival Internacional de cine para la Infancia y la Juventud de Madrid, que se ha celebrado entre el 14 y 19 de noviembre en los Cines Dreams del Palacio de Hielo de Madrid, está organizado por la Asociación Tambor de Hojalata y patrocinado por el Ministerio de Cultura, la AECID, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid.

Por otro lado, el Jurado Juvenil Internacional, ha concedido el Premio a la Mejor Película al filme Mañana será un buen día por el “intenso e impactante retrato fidedigno de la realidad” que se muestra en la cinta polaca. Asimismo han decidido premiar con una Mención Especial a la película taiwanesa Colorful Mind (Los Colores de la Imaginación), del director Kun Hao Chen. La película se desarrolla durante los años 70 y empieza con la llegada del nuevo e idealista profesor de arte Yuntian Guo. Guo llega de la gran ciudad a un pueblo perdido. Ante la sorpresa de todo el mundo, Guo piensa que uno de sus estudiantes que había estado suspendiendo en clase de arte, tiene un don...

Para más información: FICI 2011

La frase de la semana: El terror de 2 Hermanas en el ciclo Corea Fantástica

2011-11-22T06:49:00.003+01:00

“Cuando era joven vi Topaz, de Alfred Hitchcock. Me impresionó una escena en la que una mujer era asesinada. Fue una sensación muy extraña en la que pude experimentar miedo y belleza al mismo tiempo. Quizás la impresión que recibí con esa imagen me provocó la idea de hacer cine de terror y el poder plasmarlo en Dos Hermanas”.

Kim Jee-woon (director de Dos Hermanas)

Apenas quedan dos días para el inicio de Fancine – Festival de cine Fantástico de la Universidad de Málaga, el último de los grandes festivales de cine fantástico que se celebran en el calendario español, y hemos querido que la frase semanal recogiera, en parte, la esencia del Ciclo “Corea Fantástica” que podréis ver dentro de la programación del Festival. Y para ello hemos escogido a uno de los grandes, Kim Jee-woon, y una de las frases que nos comentaba en la entrevista que le realizamos en el año 2004, cuando presentó su película, 2 Hermanas, en nuestro país.

Con motivo de la inauguración del Grado en Estudios de Asia Oriental: Mención Corea, en la Universidad de Málaga, Fancine ha querido sumarse a la fiesta programando el ciclo: “Corea Fantástica”, una pincelada entre las diferentes concepciones del género fantástico en el cine del país coreano. Desde los fantasmas de larga melena, a los thrillers impregnados de esa violencia “sucia” Made in Corea, pasando por la fantasía heroica, la ciencia-ficción y la recuperación de uno de los clásicos modernos del fantástico coreano: The Housemaid, realizada por el denominado padre del terror coreano, el realizador Kim Ki-young. Seis films que podrán verse en el Paraninfo de la UMA (Campus El Ejido), y que se complementarán con una introducción a cada uno de los films (20 minutos) y un post-screening, en el que se debatirán los aspectos más destacados de la proyección.

Quedan tan solo dos días… ¿estáis dispuestos a disfrutar del fantástico? Os esperamos en Málaga del 24 de Noviembre al 1 de Diciembre.

Box Office Japón: 5-6 Noviembre. La Toho a la cabeza

2011-11-22T06:24:00.000+01:00

Tras un paréntesis debido a nuestras obligaciones festivaleras volvemos a retomar el box office japonés a principios de este mes de Noviembre, una fecha en la que dos producciones autóctonas de la distribuidora Toho tienen el privilegio de encabezar una lista que además incluye otras tres películas japonesas, una china y cinco producciones americanas. A Ghost of a Chance (Sutekina kanashibari, 2011) mantiene la primera posición después de llevar tan sólo dos semanas en cartel. Esta comedia nos presenta a Emi Hosho, un abogado al que todavía no le ha sonreído la fortuna del éxito profesional y al que se le presenta un nuevo caso bastante inusual: su cliente está acusado de asesinar a su acaudalada esposa y su única coartada es la de que en el momento del suceso se hospedaba en un albergue mientras sufría una especie de parálisis conocida como “kanashibar” (Kanashibari es una criatura de la mitología japonesa que castiga a los ingratos visitándolos en su dormitorio y causándoles un estado de bloqueo físico cuando se despiertan). El problema se acrecienta cuando resulta que el único testigo que puede corroborar su historia es el comandante militar Rokubei Sarashina, un fantasma de más de 500 años que se mantuvo sentado sobre el pecho del acusado durante toda la noche. Participan en esta rocambolesca historia actores y actrices de la talla de Eri Fukatsu (The Magic Hour, 2008), Toshiyuki Nishida (Space Battleship Yamato, 2010) e Hiroshi Abe (Still Walking/Caminando, 2008).

El segundo lugar de nuestro top es para el drama de acción que se estrena esta semana Kaiji 2 (2011), dirigido por Toya Sato (Gokusen: the Movie, 2009). Estamos ante la continuación de uno de los bombazos del año pasado en Japón. Basado en el popular manga de Nobuyuki Fukumoto, se nos explica la adrenalítica vida que lleva Kaiji, al que da vida Tatsuya Fujiwara (The Incite Mill, 2010), un perdedor que se ha acostumbrado a cursar grandes apuestas a cambio de su propia vida. En esta su segunda aventura serán las máquinas de pachinko y la posibilidad de apañarlas las que llevarán a nuestro protagonista por la calle de la amargura. Una apuesta fascinante que demuestra que la moda de los Live Action va viento en popa. El puesto que cierra el podio de esta quincena es para el film yankee en tres dimensiones Los 3 Mosqueteros, colocado justo antes de Suite Precure the Movie: Take it Back! The Miraculous Melody that Connects Hearts (Eiga Suito Purikyua: Toromidose! Kokoro ga Tsunagu Kiseki no Merodi, 2011), la película sobre la octava temporada del anime Futari wa Pretty Cure de la Toei Animation y que nos cuenta nuevas aventuras de las amigas Hibiki y Kanade y su conexión por la música.

Saltamos un par de propuestas norteamericanas que, por cierto, están funcionando muy bien en cuanto a público y crítica se refiere allá donde se están proyectando: El Origen del Planeta de los Simios y Paranormal Activity 3 y atendemos en la posición número siete a la producción china 1911, el último trabajo de Jackie Chan (y el que hace el número cien en cuanto a sus películas se refiere) que ya se estrenó con éxito arrollador el pasado Septiembre en las pantallas chinas y hongkonesas y que nos muestra la historia de la Fundación de la República de China. El puesto número ocho es para Código Fuente, el impactante thriller de ciencia ficción dirigido por Duncan Jones y protagonizado por Jake Gyllenhaal, mientras que la penúltima plaza es para la comedia Love Strikes! (Moteki, 2011), film basado en una conocida serie de televisión donde un trabajador temporal que nunca ha tenido suerte con las mujeres comienza a recibir invitaciones de varias mujeres hermosas, periodo conocido como Moteki (un tramo de vida en el que una persona es muy popular y atractiva para los demás). Cierra nuestro box office esta semana el estreno de Warai (Sarariman neo Gekijouban, 2011), comedia de enredo que se mueve en el mundo de los negocios y más concretamente en el de las empresas cerveceras.

Por nuestro colaborador Francisco Nieto

¿Quieres una edición en dvd de El Camino del Guerrero del coreano Lee Sngmoo?

2011-11-16T17:20:00.003+01:00

Un asesino imbatible (Jang Dong-gun) ha jurado matar al último superviviente del clan enemigo pero descubre que se trata de una niña indefensa. Conmovido por su inocencia, decide dejar las armas, empezar una nueva vida y criar al bebé en el viejo Oeste. En un pueblo polvoriento y destartalado, conoce a una mujer temperamental (Kate Bosworth) y lleva una vida tranquila hasta que una banda de bandoleros obliga a nuestro héroe a matar de nuevo. En el enfrentamiento final, un encuentro letal entre Oriente y Occidente, participan un famoso pistolero (Geoffrey Rush), el sádico jefe de una banda (Danny Huston), el clan de asesinos que fue traicionado y el pueblo entero. Se combate con pistolas y espadas, con los puños y desde luego, con furia. Las técnicas del kung-fu se combinan con las del salvaje oeste americano para crear acción, violencia y emoción.

El ganador del Oscar Geoffrey Rush (Shine) y la actriz protagonista de Superman Returns, Kate Bosworth, protagonizan junto al actor coreano Jang Dong-gun (Lazos de Guerra), una emocionante historia de venganza que enfrenta a vaqueros y ninjas en un letal encuentro. El Camino del Guerrero ya está disponible en BLU-RAY™, DVD y Plataforma Digital, de la mano de Sony Pictures Home Entertainment.

Contenido extra del DVD y BLU-RAY™:

• Cortometraje.

• Escenas eliminadas: "El camino del guerrero: entre bastidores".

El Camino del Guerrero (ya disponible en DVD y BLU-RAY) tiene una duración de 96 minutos y no está recomendada para menores de 7 años. El precio y características de las plataformas digitales de El Camino del Guerrero pueden variar según el proveedor de servicios.

Desde CineAsia online queremos participar de este lanzamiento con el regalo de varias ediciones de la película a los aficionados. Para participar, sólo tenéis que dejar vuestra opinión sobre la película, si la habéis visto, o bien decirnos tres películas en las que figure su actor protagonista, Jang Dong-gun. Con el conjunto de respuestas realizaremos el sorteo de cinco unidades de la película. El sorteo se celebrará el próximo 2 de Diciembre, por lo que el lunes 5 conoceréis los nombres de los afortunados ganadores.

Podéis dejar vuestros comentarios: en el blog (respuesta a esta entrada), en facebook, en twitter, o en esta dirección de correo electrónico. Muchas gracias a todos por participar.

Para más información visita la web de Sony Pictures Home Entertainment

5 motivos para no perderse Fancine 2011 - Festival de cine Fantástico Universidad de Málaga

2011-11-16T07:41:00.004+01:00

Llevamos varios días comentando tanto en facebook, como en twitter y en el blog el inminente arranque de la 21ª edición de Fancine – Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga. Más de una cincuentena de largometrajes, conferencias, presentaciones de libros, exposiciones, proyecto pedagógico para educación primaria y secundaria… Todo esto y mucho más forma parte de la oferta que Málaga tiene preparada para todos los aficionados al cine y a la cultura que se den cita a lo largo de estos días en las diferentes sedes del Festival.

Sí, eso está muy bien, puede que te digas. Pero… ¿podrías darme 5 motivos para no perderme esta edición de Fancine? Ahí van 5 de las razones por las que espero verte dentro de unos días por tierras malagueñas:

En primer lugar… Porque adoro a los animalitos. Ha salido a flote el lado “oscuro” de CineAsia, el de defensor de los animales. Y es que desde la pasada edición en la que Maneki-neko se convirtiera en la mascota de Fancine (ese lindo gatito de la buena suerte que repartía puñaladas hasta la saciedad en un bazar de todo a cien: para más datos ver las pruebas que incautó la policía el pasado año), Fancine parece haber rejuvenecido. Y en la presente edición, que rinde homenaje a los superhéroes, Maneki-neko no se ha querido mantener al margen, sino que se ha quedado como una parte más del imaginario fantástico del Festival. Un Festival organizado por la UMA, miembro adherido de la Federación Europea de Festivales Fantásticos (entre los que se encuentran Sitges, Espoo, Neuchatel o la Semana de Terror de San Sebastián). Único en su especie, al ser un festival gestionado y organizado por una universidad, que busca a través del cine, y más en concreto, a través del cine fantástico, aunar cultura, educación y entretenimiento. ¡Miau, miau!... confirma Maneki-neko.

En segundo lugar…, porque soy amante de la dieta mediterránea. En Málaga lo de la gastronomía se lo toman al pie de la letra: berenjenas rebozadas con miel, cazón a la plancha, navajas frescas y un buen pitufo de tomate para el desayuno. ¿Alguien puede resistirse a esto? Visto lo visto, Fancine ofrece una programación en la que impera la variedad: Una sección a competición en la que podremos disfrutar de cintas procedentes de Colombia, Corea del Sur, Estados Unidos, Australia, Italia y Francia; que promete una compleja deliberación para llegar a la cinta que se lleve el (Maneki-neko) al agua. Pero no se queda ahí la cosa, ya que en la Sección Fantástico de culto, el espectador tendrá la oportunidad de redescubrir a dos clásicos: El Beso Mortal (Robert Aldrich, 1965) y la versión restaurada de la gran Metrópolis (Fritz Lang, 1927). Además de disfrutar en familia con Un Puente hacia Terabithia (Gabor Csupo, 2007), y trasladarse a Oriente con dieciséis títulos que harán las delicias de cualquier cineasiático.

Siguiendo con los motivos, ahí va el tercero. No te puedes perder Fancine porque… mi nombre es… Batman. Batman, el murciélago. Este año el Festival malagueño rinde homenaje a la figura del superhéroe (ver spot del Festival), algo muy en la línea de lo que está haciendo no sólo la cinematografía americana (The Green Hornet, Thor, Capitán América, X-men: Primera Generación…), la asiática (Invasion of Alien Bikini, Haunters, Red Eagle…) y también la europea (Largo Winch, El Capitán Trueno…). Una de las películas más esperadas de la edición de este año de Fancine no es otra que la india Ra.One (una de las primeras muestras del cine de Bolywwod que podrá verse en el Festival). Un film que se estrenó hace tan solo unos días en la India y que se ha convertido en una de las cinco películas más taquilleras de toda la historia. Efectos especiales de primera línea, números musicales deslumbrantes y la fuerza visual de Shah Rukh Khan y Kareena Kapoor. ¡Todo el Cine Albéniz bailando… !

En cuarto lugar… porque como coreano que soy, ¡adoro el kimchi! Si la máxima española en verano es: “si no hay casera… nos vamos” en Fancine la máxima es “si no hay cine coreano, nos quedamos en casa”. Este año con motivo de la inauguración del Grado en Estudios de Asia Oriental: Mención Corea, en la Universidad de Málaga, Fancine ha querido sumarse a la fiesta programando el ciclo: “Corea Fantástica”, una pincelada entre las diferentes concepciones del género fantástico en el cine del país coreano. Desde los fantasmas de larga melena, a los thrillers impregnados de esa violencia “sucia” Made in Corea, pasando por la fantasía heroica, la ciencia-ficción y la recuperación de uno de los clásicos modernos del fantástico coreano: The Housemaid, realizada por el denominado padre del terror coreano, el realizador Kim Ki-young. Seis films que podrán verse en el Paraninfo de la UMA (Campus El Ejido), y que se complementarán con una introducción a cada uno de los films (20 minutos) y un post-screening, en el que se debatirán los aspectos más destacados de la proyección.

Y en quinto y último lugar, porque como español que soy… a mí también me afecta la crisis. Y qué mejor que el cine fantástico para ponerle un paréntesis a la situación en la que nos ha tocado vivir. Eso, unido a que la mayoría de las actividades programadas por el Festival son gratuitas (el Ciclo Corea Fantástica, el seguimiento del programa radiofónico La Rosa de los Vientos, por poner dos ejemplos), y al precio de las entradas para las sesiones del Cine Albéniz: 2 € (o 1 €, en el caso de que se presente el carnet universitario), son una excelente noticia para cualquier bolsillo. Comentaros que las entradas estarán disponibles de forma anticipada desde el viernes 18 de Noviembre en la taquilla del Cine Albéniz (desde las 16:30 h) y también en internet (Unientradas).

Para más información:

Fancine - página web oficial

Ciclo Corea Fantástica

Entrevista a Ching Siu-tung: coreografiando las artes marciales (Sitges, 2011)

2011-11-15T07:30:00.001+01:00

La verdad es que para los aficionados al cine asiático, y al cine de Hong Kong en particular (amantes de las artes marciales), que una figura como la de Ching Siu-Tung venga a recoger un premio (en este caso La Máquina del Tiempo) a tierras españolas, es como un sueño: la oportunidad de ver y compartir unos momentos con una leyenda viva del cine de acción hongkonés es un auténtico lujo, y más cuando se mostró amabilísimo, contestando a todas nuestras preguntas, firmando autógrafos y dejándose fotografiar sin problemas…

Nuestros compañeros de Asiateca y nosotros mismos nos trasladamos durante cerca de una hora, el tiempo que pudimos compartir con Ching Siu-Tung, al mundo de los estudios de la Shaw Brothers, de las artes marciales y de tierras chinas (y eso que la terraza del Hotel Melià de Sitges no se parece en nada… en fin).

A pesar de las dificultades del “lost in traslation” (no por el buen hacer del traductor sino por lo complicado que es la adaptación de nombres del inglés al mandarín sobre todo de películas o nombres de directores y actores), creemos que disfrutaréis de la entrevista que os ofrecemos, en la que las primeras preguntas estaban relacionadas con la película que el director venía a presentar en Sitges, The Sorcerer and the White Snake.

CineAsia: La leyenda de la que habla la película The Sorcerer and the White Snake ha sido llevada al cine en varias ocasiones, ¿por qué hacer una nueva versión? ¿Por qué elegir otra vez esta historia?

Ching Siu-Tung: Esta historia la elegimos, además de por ser un cuento muy tradicional, porque encaja bien en el momento actual de tendencia hacia cines mágicos y épicos, como El Señor de los Anillos o Harry Potter. Quería hacer una película con un tema propicio para producciones orientales, y que pudiera demostrar que el cine oriental también está preparado para realizar este tipo de películas. Además, la última versión cinematográfica de esta historia es de hace más de 10 años y ya era un buen momento para hacer una nueva versión destinada sobre todo al público más joven.

CineAsia: ¿De ahí la colección de “animalitos parlantes” que aparecen en la película?

Ching Siu-Tung: Sí, esta es una película apta para todas las edades. Si os fijáis, en la película no se derrama ni una gota de sangre ni hay ningún muerto, lo cual permite que sea más accesible y familiar. Para todos los públicos, incluso para los niños.

CA: ¿Tenía usted clara desde el principio la participación de Jet Li en el proyecto?

CST: Sí, el papel de Jet Li estaba decidido desde el principio aunque no se sacó a la luz.

CA: Usted nunca ha rodado con tantos efectos digitales (CGI) y pantallas de croma: ¿cómo es trabajar con ellos? ¿Se complican las coreografías?

CST: Para mí también es un reto haber realizado esta película, aunque tampoco es tan extraño esta mezcla ya que siempre se ha combinado de una manera u otra, desde las artes marciales hasta los nuevos efectos digitales. Antes también utilizábamos muchos efectos especiales, quizás no informáticos pero sí de otros muchos tipos, con lo cual estoy bastante familiarizado con ellos.

CineAsia: Desde su punto de vista, como coreógrafo de acción, ¿cómo cree que ha evolucionado o cambiado el concepto de ‘acción’ (por ejemplo desde “Duel to the Death” hasta ahora)?

CST: La evolución básicamente pasa desde unas acciones y coreografías más puramente físicas hasta la incorporación de efectos especiales y ahora los efectos digitales. Hay dos puntos de vista contrapuestos, al principio parece más artificial pero en realidad las acciones físicas quizás son más naturales comparadas con mis primeras películas en las que parecen más artificiales. Es decir, ahora con los efectos especiales la película puede parecer un poco más artificial, pero las acciones más puramente físicas son más naturales que antes. Parece una contradicción pero así lo veo yo.

CineAsia: Y ya que hemos mencionado a “Duel to the Death”: ¿cómo fue ese paso de coreógrafo de acción a director, con una película tan contundente y espectacular?

CST: Realmente a mí siempre me ha gustado mucho más estar detrás de la pantalla que actuando delante de ella. Antes de dirigir Duel to the Death ya había trabajado mucho como director de acción y entonces la productora me ofreció dirigir la película y yo acepte. Como director creo que ahora tengo más control sobre la producción saliéndome de esferas más puramente técnicas para influir en aspectos mucho más amplios de mis películas.

CineAsia: ¿Podría explicarnos cómo fueron sus inicios en la Shaw Brothers con su padre y un director tan mítico como King Hu?

CST: La Shaw Brothers era como mi propia familia ya que cuando mi padre era guionista de la Shaw vivíamos en el complejo, en los estudios que tenía de la productora, y crecí en ese ambiente. Desde que era muy pequeño ya me acercaba a los platós para ver cómo se rodaban las películas, así que es como si hubiera crecido dentro del propio estudio de rodaje. Para mí King Hu es como si fuese un tío, ya que era muy amigo de mi padre e incluso he trabajado como secundario en algunas películas suyas.

CineAsia: Hablando de usted como actor: una de las pocas películas que protagonizó fue “Monkey Kung Fu”, ¿cómo se le ocurrió la idea de hacer ese “mono borracho” tan diferente de como lo había coreografiado Yuen Woo-Ping poco antes?

CST: En esa época Jackie Chan había producido una serie de películas donde aparecía haciendo el ‘mono borracho’ y la verdad es que decidí hacerlo de esa manera en Monkey Kung Fu un poco para hacerle la competencia (risas). Mi paso por la actuación fue realmente un capricho del momento y un poco por compromiso con la productora, pero después volví a mi trabajo como director de acción.

CineAsia: Ha trabajado con directores muy conocidos internacionalmente como Stephen Chow, Tsui Hark o Zhang Yimou… ¿podría definirnos a cada un con una frase?

CST: Stephen Chow es muy inteligente y muy original, muy humorístico. Hemos colaborado en 6 u 8 películas, primero como actor y luego como director de acción en comedias, sobre todo. Tsui Hark es muy polifacético, es director, productor, coreógrafo... para mí es de los mejores de China ya que tiene ideas muy maduras y claras.

CineAsia: Entonces, ¿se lleva bien con Tsui Hark? Existe una especie de leyenda negra acerca de que trabajar con él es bastante difícil…

CST: La verdad es que pasamos una temporada sin colaborar juntos ni vernos, pero eso no quiere decir que nos llevemos mal. Además, hace poco hemos estado comiendo juntos. Quizás dentro de no mucho colaboremos en una nueva producción.

CineAsia: ¿Y sobre Zhang Yimou?

CST: Zhang Yimou está al mismo nivel que Tsui Hark, pero al ser un director autóctono chino conoce mejor los gustos del público local, lo cual hace que quizás Tsui Hark sea más completo, ya que Yimou se centra más en el público chino. Desde luego ambos son de los mejores de China.

CineAsia: ¿Es muy diferente coreografiar para una comedia como “Shaolin Soccer” o para un wuxia tan serio como es “Hero”?

CST: Para mí no representa una diferencia de estilo ya que tampoco yo me defino estilísticamente hablando por una cosa en concreto. Colaboro con diferentes directores y depende de lo que exige cada película, cada director, plasmo mis ideas en las acciones, ya sea humor o películas más serias, pero para mí no es que sea un choque frontal o una frontera que deba traspasar. Empecé como actor de niño, a los 8 años, y ahora tengo cerca de 60, así que llevo más de 50 años trabajando en el mundo del cine, desde películas en blanco y negro hasta la actualidad, entonces para mí es ‘casi todo’ normal, ya he visto de todo (risas). Lo que no quiero es tener un estilo propio ya que todo estilo muy marcado será sobrepasado con el tiempo, por eso me gusta ir evolucionando. Quiero que en cada una de mis películas se vean elementos nuevos, no me importa realmente que no se identifique a primera vista con mi trabajo anterior, la cuestión es evolucionar.

CineAsia: Ha trabajado detrás de las cámaras como director, ha sido coreógrafo de acción y ocasionalmente ha hecho de actor, ¿qué le gusta más?

CST: Sin duda ser director. Para mí hacer las veces de director de acción ya es como una especie de relax, no me preocupo tanto. Entre película y película como director intercalo algunos trabajos en donde solo actuó como director de acción a modo de descanso.

CineAsia: Ha coqueteado también con la industria de Bollywood en India, donde coreografió las escenas de acción de “Krrish” con Hrithik Roshan, ¿cómo fue la experiencia?

CST: Pues mira, fue también que en Noviembre viajaré otra vez a la India para trabajar en la segunda parte de Krrish. Esta película en India fue todo un éxito, ha ganado premios y demás, y en Diciembre comenzaremos el rodaje de la segunda parte. En principio acudí sólo en calidad de director de acción, pero realmente me pidieron muchos consejos durante la producción y en muchas escenas ejercí directamente como director. Pero en esta segunda parte, para descansar un poquito, he pedido hacer solo el papel de director de acción. De todos modos, aunque vaya a ejercer este rol, realmente siempre se acaba interviniendo más allá de él, ya que te piden consejos y acabas actuando como director en algunas escenas, no tengo tampoco una mentalidad muy rígida a este respecto.

Por ejemplo, una cosa que mucha gente no sabe: en la ceremonia de las Olimpiadas de Pekín, la parte de la antorcha, fue idea mía. El director general de la ceremonia fue Zhang Yimou y me consultó cuál podría ser una manera de llevar la antorcha y se me ocurrió esto.

CineAsia: ¡Vaya, toda una sorpresa! Ya no hay tiempo para más (viendo las señas del coordinador de entrevistas del festival). Muchísimas gracias por concedernos parte de su tiempo y muy felices de haber podido charlar con usted.

CST: Muchas gracias por su entrevista, porque demuestra que ustedes saben de lo que hablan y no han venido aquí a preguntar bobadas.

Colorados (literalmente) y gratamente ‘emocionados’ después de estas palabras, nos hicimos unas cuantas fotos con Ching Siu-Tung y nos despedimos… hasta siempre maestro…

Por Gloria Fernández (CineAsia) y Jorge Endrino (Asiateca)

Box Office Tailandia (21-23 de Octubre de 2011): Tailandia a la cabeza del ranking

2011-11-15T07:24:00.005+01:00

Por fin nos llevamos una pequeña alegría con la taquilla tailandesa puesto que dos films autóctonos ocupan los dos primeros lugares en la lista. Y eso que son los únicos que hay, aunque otras dos películas asiáticas figuran en el Top Ten.

La primera de las películas tailandesas es Top Secret (Wai Roon Pan Lan), un drama basado en hechos reales sobre un joven que se dedica a pasar el tiempo jugando online y acaba siendo millonario. La película está dirigida por Songyos Sugmakanan (Dorm, 2006) y se encuentra en su primera semana en cartelera. Segunda se coloca, en su segunda semana precisamente, 30+ (Single on Sale), una comedia romántica dirigida por Puttipong Promsaka Na Sakolnakorn.

En los puestos del 3 al 7, copados por productos europeo-estadounidenses, tenemos la adaptación a imagen real de Los Pitufos, con dos semanas en cartel. Las películas de terror Detrás de las Paredes y Paranormal Activity 3, de estreno; y, en su segunda semana, la cuarta parte de la serie Spy Kids. Cierra este paréntesis Los Tres Mosqueteros, una de las más longevas de las películas en cartel, con cuatro semanas. En octava y novena posición tenemos a la japonesa Paranormal Activity - Tokyo Night, secuela nipona del bombazo estadounidense que se estrena en Tailandia, y en su tercera semana, The Sorcerer and the White Snake, co-producción entre la China continental y Hong Kong, con Jet Li a la cabeza del reparto y Ching Siu-Tung a los mandos. Para cerrar la lista tenemos Cars 2, que aguanta cuatro semanas a todo gas.

Por nuestro colaborador John Prskalo

La frase de la semana: Fancine 2011: un gran poder conlleva un gran festival

2011-11-14T07:17:00.001+01:00

“Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”

Spiderman (Sam Raimi, 2002)

La cuenta atrás se ha iniciado. Faltan sólo diez días para el arranque de Fancine 2011- Festival de cine Fantástico Universidad de Málaga que este año celebra su vigésimo primera edición, bajo el eslogan: “Le damos un repaso a los superhéroes”.

Del 24 de Noviembre al 1 de Diciembre el festival rendirá homenaje al universo de los superhéroes (con charlas, conferencias, la publicación del libro: “Les damos un repaso a los superhéroes: Un análisis interdisciplinar”, y una retrospectiva dedicada al mundo de los superhéroes). Además Fancine, el único festival de cine español organizado por una Universidad, cuenta en su programación con una excelente programación asiática (tanto en la Sección Oficial a Competición, como en el resto de secciones, incluyendo un focus Corea titulado: “Corea Fantástica” donde se hace un repaso por las principales producciones fantásticas y de terror que el cine coreano ha presentado en los últimos años.

A lo largo de esta semana iremos publicando información tanto de la programación asiática, del ciclo “Corea Fantástica” y de las diferentes actividades paralelas que podréis disfrutar en Málaga. De momento os recomiendo el spot presentación de Fancine, y el cuadrante con la programación día a día, para que podáis ir haciendo vuestra agenda.

Nos vemos en unos días en Málaga, cineasiáticos.

Fancine 2011: le damos un repaso a los superhéroes

2011-11-14T07:11:00.001+01:00

Fancine, el Festival de cine Fantástico Universidad de Málaga alcanza este año su vigésimo primera edición. Dentro de unos días las calles de Málaga albergarán, a lo largo de ocho días, del 24 de Noviembre al 1 de Diciembre, un universo fantástico que rinde homenaje al mundo de los superhéroes, y en el que no faltará el componente asiático.

Muchas son las webs y blogs que han hecho referencia a la programación de Fancine: os anoto las que han realizado el seguimiento dando una mayor relevancia a la programación asiátca: Asiateca, El Pozo de Sadako, o Blogvisual. En ellos podréis encontrar las diferentes propuestas orientales que el festival presenta en sus diferentes secciones, que a continuación enumero.

Programación asiática Fancine:

Sección Oficial: Midnight FM, Haunters

Informativa: Romantic Heaven, Bedevilled

Sesiones especiales: Karate Robo Zaborgar,

Superhéroes: Ra.One, Red Eagle, Invasion of Alien Bikini.

3 en 3D: Harakiri: Death of a Samurai, Child’s Eye

Ciclo: “Corea Fantástica”: The Housemaid, Dos Hermanas, The Chaser, Chaw, Woochi, Il Mare. (programado por CineAsia)

Además el festival cuenta con numerosas actividades paralelas:

Concierto de Bandas sonoras el día 27 de noviembre de 2011 a las 19:30 h en el Teatro Municipal Miguel de Cervantes.
Proyecto pedagógico adaptado a la educación secundaria y al bachillerato: Días 17, 18, 21, 22 y 23 de noviembre de 2011 en el Paraninfo de la Universidad de Málaga. Proyección de la película X-men: Primera Generación de Mathew Vaughn (Estados Unidos, 2011) seguida de actividades didácticas en la sala.

Proyecto pedagógico adaptado a la educación primaria: Días 15 y 16 de noviembre de 2011 en el Paraninfo de la Universidad de Málaga. Proyección de la película Rango de Gore Verbinski (Estados Unidos, 2011) seguida de actividades didácticas en la sala y un concierto a cargo de la Fundación Musical de Málaga.
Radio en directo: La Rosa de los Vientos: Días 26 y 27 de noviembre de 2011 de 01:00 a 4:00 h de la madrugada en el Rectorado de la Universidad de Málaga. Emisión en directo de este programa radiofónico dedicado a la historia, la cultura, la ciencia y lo paranormal.
Conferencias y charlas: Conferencia Superhéroes españoles. Día 28 de noviembre de 2011 a las 20:30 h en el Rectorado de la Universidad de Málaga. Conferencia a cargo de Francisco Pérez Navarro, guionista de cómics (Superlópez, Mortadelo y Filemón, El botones Sacarino…) Colabora: Aula de Cultura del Diario Sur.

Fancine es uno de los festivales más interesantes del panorama español, único en su categoría (de ser organizado por una Universidad). En unos días estaremos con todos vosotros en Málaga.

Para más información:

Fancine

Ciclo Corea Fantástica

Ciclo "Corea Fantástica" en la 21 edición de Fancine: Del 24 de Noviembre al 1 de Diciembre

2011-11-11T07:43:00.002+01:00

Es una realidad que la evolución del cine en Corea del Sur, y en particular del género fantástico y de terror, no es ajena al contexto político en que se desarrolló, nunca lo es, pero, en Corea forma parte de la esencia de la propia evolución. Dentro de la programación de la 21 edición de Fancine, CineAsia presenta el ciclo “Corea Fantástica: entre la fantasía y la realidad”, donde tendrán cabida directores como Kim Ki-young, Na Hong-jin, o Kim Ji-woon, fundamentales tanto en el resurgir del cine fantástico coreano, como para confirmar la presencia de la cinematografía coreana en los foros internacionales.

A la hora de realizar la selección de las seis películas que conforman este ciclo hemos primado el realizar un barrido entre las diferentes concepciones del género fantástico en Corea, antes que centrarnos en uno solo de sus subgéneros: así, de la misma manera que contaremos con los fantasmas de larga melena, no hemos querido descuidarnos de los thrillers, de los films fantáticos, o de dos de las características más comunes a un film coreano: la mezcla de géneros (con el humor como uno de sus ingredientes principales) y el toque romántico (incluso en sus films de terror).

La proyección de las películas irá precedida de una introducción a la temática que representa cada una de ellas y a la película en cuestión. (15-20 minutos). Y tras la proyección: Post Screening (cine-forum entre los asistentes a la proyección y un especialista en el género, donde se analizarán aquellas cuestiones más interesantes que haya despertado el film).

Corea Fantástica: entre la fantasía y la realidad.

1. El clásico:

Nacido en Seúl en 1922, Kim Ki-young es uno de los padres del cine coreano actual, una de las raíces para muchos de los jóvenes realizadores coreanos de hoy en día. Perfeccionista y minucioso, Kim Ki-young trabajó durante una época difícil, económica y políticamente para su país, y se atrevió con temas que muchas veces le costaron la censura y desconfianza de las autoridades. Trabajó de forma independiente, costeando sus producciones, algo que le permitió asumir un estilo personal y crudo, que muchas veces le costó el calificativo de director de serie B hasta que en 1997 vio relanzada su carrera gracias a una retrospectiva organizada por el Festival Internacional de Busan. Desde entonces ha sido considerado como el padre del cine de terror coreano.

Película: The Housemaid (1960, Kim Ki-young. 126 min.) La tranquilidad y la paz de una familia de clase media que con esfuerzos por fin ha conseguido el sueño de tener una casa de dos pisos, se ven amenazadas con la entrada de una sirvienta, una aparentemente ‘inocente’ chica de campo que viene a echar una mano a la dueña de la casa en los trabajos del hogar. La recién llegada pronto empieza a mostrar un comportamiento un tanto excéntrico y se convertirá en una verdadera fuente de problemas cuando comience a exigir para sí las atenciones del hombre de la casa. ¿Accederá la familia a los chantajes de la criada?

Proyección: Viernes 25 de Noviembre. 18:00 horas. Paraninfo de la Universidad de Málaga (proyecciones y actividades paralelas). Calle de El Ejido s/n, 29013. Málaga.

2. Las historias de fantasmas: mitos y leyendas coreanos

Dentro de las leyendas (incorporadas tanto verbalmente como a través del lenguaje escrito y bajo las influencias geográficas propias de Corea), aquéllas que tienen que ver con el mundo sobrenatural, alimentan la mayor parte de las propuestas cinematográficas del terror coreano. Tenía que suceder. Si el mundo entero tiembla frente a la cinta maldita ideada por Hideo Nakata, Corea no puede permanecer ajena a este hecho. Basándose, como la cinta original, en la novela de Koji Suzuki, Kim Dong-bin adapta la historia al público coreano, jugando con una estética más fría, envuelta en tonos azulados, aunque ni la supera, ni cambia el eslogan original: “Una semana después de haber visto la cinta, morirás”. A partir de The Ring Virus, la cinematografía coreana nos ofrece un sin fin de títulos en los que los espíritus de larga melena inundan la pantalla.

Película: A Tale of Two Sisters (2003, Kim Ji-woon. 115 min.) Su-mi y Su-Yeon son dos hermanas que regresan a su hogar, después de someterse a una larga terapia mental. Ahora deberán adaptarse al contorno rural, al carácter de su padre, y a las exigencias de Eun-joo, su madrastra. Su-mi intenta proteger a Su-yeon, pero algo va mal en la casa, cuyas paredes esconden verdades camufladas de aparente felicidad que al final serán reveladas, para poner en evidencia las maldades de Eun-joo. De todas las películas de terror estrenadas en Corea del Sur, Dos Hermanas es la más importante e interesante de todas; anticipándose además (se estrenó el 13 de Junio) a la invasión que ese verano sufrieron los cines en cuanto a películas de género terrorífico.

Proyección: Sábado 26 de Noviembre. 18:00 horas. Paraninfo de la Universidad de Málaga (proyecciones y actividades paralelas). Calle de El Ejido s/n, 29013. Málaga.

3. El thriller de terror coreano: un descenso a los infiernos:

Solo con echar una mirada a la historia del pueblo coreano (Guerra de Corea, invasiones, de China y Japón separación Norte-Sur) podemos darnos cuenta de que el verdadero terror para la sociedad coreana, más allá de los espectros vengativos de larga melena o de la mitología fantástica, haya que buscarlo en la propia realidad, De ahí la fuerza, la violencia y la brutalidad que destilan muchos de los thrillers coreanos, sin duda, emparentados con el universo del terror.

Película: The Chaser (2008, Na Hong-jin). 125 min. A la espera del estreno el próximo 6 de Enero en las pantallas españolas de The Yellow Sea, The Chaser (excelente debut del realizador) cuenta la historia de Eom Joong-ho, un ex detective metido a proxeneta que empieza a ver como las chicas que trabajan para él desaparecen poco a poco sin dejar rastro. Un día, para atender a un cliente, envía a la única chica que le queda, que está enferma, y descubre que el cliente es el último que visitaron las chicas desaparecidas. Convencido de que es alguien de la competencia que le está robando a sus mujeres, intenta tenderle una trampa, adentrándose sin querer en un juego de caza de un asesino en serie. Una trama sencilla que da lugar a uno de los más vibrantes y emocionantes thrillers de los últimos tiempos.

Proyección: Domingo 27 de Noviembre. 18:00 horas. Paraninfo de la Universidad de Málaga (proyecciones y actividades paralelas). Calle de El Ejido s/n, 29013. Málaga.

4. Películas de monstruos: Del kaiju eiga de los años sesenta a The Host:

De igual manera que Japón había desarrollado a los largo de los años cincuenta el género del kaiju eiga, una vez finalizada la ocupación norteamericana, como símbolo patriótico y pacifista, Corea se adentra en su particular kaigu eiga. Películas como The Iron-Eating Monster (Kim Myeong-je, 1962), ambientada en la dinastía Koryo, darán paso a Pulgasari (Shin Shang-ok, 1985), que se convierte en el primer monstruo del proletariado: una bestia que se alimenta de acero, con unos cuernos enormes y un apetito insaciable. Monstruos gigantes al estilo Godzilla, lagartos gigantes con cornamenta, monstruos moldeados con pasta de arroz, dragones legendarios… En el imaginario coreano faltaba la presencia de un jabalí. Algo que se iba a encargar de solucionar el realizador Chin Jeong-won en el año 2009 con Chaw.

Película: Chaw (2009, Chin jeon-won. 121 min.) Con un presupuesto de 5 millones de dólares, el film cuenta con una de las empresas líderes en el sector de los efectos digitales y en creación de criaturas como es Polygon Entertainment, compañía americana responsable de los efectos especiales de producciones tales como el Episodio 1 de la saga Star Wars, Señales o Sky Captain y el Mundo del Mañana. Con un argumento y planteamientos deudores y que homenajean a Tiburón (Steven Spielberg, 1975), la acción se sitúa en Sammae-ri, un apacible pueblo situado en el Parque Nacional de Jirison en Corea del Sur, donde acontecen una oleada de misteriosas muertes sin explicación aparente, entre ellas la nieta del cazador profesional Cheon Il-man. La policía local no tiene pistas, así que proveniente de Seúl llegará el oficial Kim, que descubrirá que el asesino en jaque es, ni más ni menos, un jabalí salvaje.

Proyección: Lunes 28 de Noviembre. 18:00 horas. Paraninfo de la Universidad de Málaga (proyecciones y actividades paralelas). Calle de El Ejido s/n, 29013. Málaga.

5. La fantasía heróica coreana.

De igual modo que el imaginario fantástico japonés cuenta con un nutrido grupo de películas épicas, con componentes heróicos-fantásticos, de la misma manera que la mitología europea ha dado héroes cinematográficos de la envergadura de Conan, la cinematografía coreana también ha buceado, con mayor o menor éxito, en este tipo de producciones, deudoras de las leyendas populares de antiguos reinos, de la soberanía mágico-religiosa y la figura del héroe o de los valores de la superación.

Película: Woochi (2009, Choi Dong-hun. 136 min.) Vagamente inspirada en leyendas folklóricas, Woochi cuenta la lucha del aprendiz de mago Jeon Woochi –un antihéroe socarrón y mujeriego– contra los monstruosos duendes que habitan el mundo, y su afán por conquistar el corazón de una bella mujer. Ambas batallas se libran a través del tiempo, desde un pasado remoto hasta la actualidad con lo que el film mezcla en la justa medida The Restless (Jo Dong-oh, 2006) con Arahan (Ryoo Seung-wan, 2004).Tercera película coreana más exitosa del año 2009, Woochi llegó a competir con fuerza en la cartelera ni más ni menos que con Avatar de James Cameron.

Proyección: Martes 29 de Noviembre. 18:00 horas. Paraninfo de la Universidad de Málaga (proyecciones y actividades paralelas). Calle de El Ejido s/n, 29013. Málaga.

6. El otro cine fantástico: la comedia romántica viaja a través del tiempo.

Echando una mirada a la cartelera coreana, uno entiende que el género que goza del mayor beneplácito del público: la comedia romántica y junto al melodrama, tenga su hueco cuando nos referimos al fantástico coreano. Dos han sido los argumentos más utilizados por el fantástico coreano como excusa para iniciar un viaje en el tiempo. Por un lado la de provocar la separación/encuentro entre una pareja, convirtiendo así el elemento fantástico en una pieza más del melodrama o comedia romántica, y por otro lado, el de conseguir cambiar el rumbo de la historia, sirviéndose así del género como una reflexión de la idiosincrasia personal del pueblo surcoreano, un país que ha madurado hasta una efectiva democracia en un corto período de tiempo, pero que todavía arrastra las cicatrices de ese proceso largo y difícil.

Película: Il Mare (2000, (Lee Hyung-seung. 105 min.) Evidentemente antes de La Casa del Lago, donde Alejandro Agresti proponía un amor imposible entre Keneau Reeves y Sandra Bullock, fue el original coreano, que poca gente conoce. Estrenada el mismo año que Ditto (otra de las comedias románticas que utiliza el viaje en el tiempo como telón de fondo) con tan sólo unas semanas de diferencia encontramos Il Mare, donde los protagonistas, separados en el tiempo, comparten un mismo espacio, una casa, pero en dos épocas diferentes, iniciando una relación a través de cartas que van dejando en el buzón, y que de una forma misteriosa logran cruzar la barrera del tiempo. Lo que hace de Il Mare una película tan interesante es la historia de amor construida de una forma inteligente. Sin caer en los peligros del melodrama gratuito, el director Lee Hyun-seung narra la crónica del romance que florece entre sus dos protagonistas y cómo sus errores del pasado acaban por separarlos.

Proyección: Miércoles 30 de Noviembre. 18:00 horas. Paraninfo de la Universidad de Málaga (proyecciones y actividades paralelas). Calle de El Ejido s/n, 29013. Málaga.

Para más información: Fancine

Sitges 2011: Tormented 3D (Japón, 2011)

2011-11-10T07:24:00.000+01:00

País: Japón

Año: 2011

Director: Takashi Shimizu

Con: Teruyuki Kagawa, Hikari Mitsushima,

Tamaki Ogawa, Nao Ohmori

Género: Terror

Debo reconocer que he ido con mucha reticencia a esta proyección, pues el último experimento 3D de Shimizu, Shock Laberynth Extreme, resultó muy fallido. Como decíamos en la pasada edición del Festival de Sitges, ni fue un "shock", ni tenía "laberynth", y mucho menos era "extreme". Pero en esta ocasión ha salvado un poco el desaguisado anterior.

No voy a decir que pasé miedo, pero si un niño de entre 8 y 14 años ve este film, estoy seguro de que lo pasará mal, e incluso el conejo de peluche, que para mí resulta casi absurdo todo el tiempo, le causará un trauma. Es decir, quizá no esté dentro del target de esta película, pero le reconozco aspectos positivos y atmósferas resultonas.

En casi todo lo positivo que le atribuyo a Tormented, y diría que tiene mucho que ver con Christopher Doyle, el director de fotografía, que cuenta en su currículum ni más ni menos que con Deseando Amar y 2046 de Wong Kar-Wai, y Hero de Zhang Yimou. Doyle, además de ser un gran fotógrafo, ha sabido jugar con las tres dimensiones y ha hecho de ellas un punto a favor, no como el resto de títulos 3D que hemos visto durante el Festival de Sitges de este año, que finalmente he terminado viendo incluso sin gafas (Twixt de Coppola, o Hara Kiri de Miike, por ejemplo).

Ya sabemos qué tipo de terror le va a Takashi Shimizu, y es que casi nos hizo aborrecerlo con tantas versiones de Ju-on, La Maldición, El Grito... un terror psicológico y de fantasmas que funcionó muy bien hasta que se pasó de moda, e hizo que el terrorífico efecto que causó en todos nosotros Sadako en The Ring, pasara a no afectarnos. Pero afortunadamente, ya ha dejado atrás esa tendencia y ahora se ha obsesionado por el mundo de la imaginación, de las alucinaciones y de los traumas que generan trastornos psiquiátricos. Todo esto flota en Tormented, y sin querer pasarse de dramático juega bien algunas bazas del terror, que aunque por momentos sea algo infantil, cuenta también con secuencias efectivas y consigue el aprobado.

Lo mejor: Por fin se aprovecha un poco el 3D, aunque sea estéticamente.

Lo peor: Siendo un niño la hubiera disfrutado mucho más.

Por nuestro colaborador Óscar Sueiro

Sitges 2011: Sector 7 (Corea del Sur, 2011)

2011-11-10T07:19:00.000+01:00

País: Corea del Sur

Año: 2011

Director: Kim Ji-hun

Con: Ha Ji-won, Ahn Sung-kee,

Oh Ji-ho, Cha Ae-ryeon.

Género: Acción-Terror

"Es como Alien, pero en una plataforma petrolífera en Corea." Parece probable que esta frase haya servido para vender el proyecto de Sector 7 a lo largo de las diferentes fases de su producción, desde los pitchings iniciales hasta la comunicación con el espectador. Lo que no resulta tan claro es si quienes la hayan pronunciado y escuchado han sido conscientes de lo reduccionista y engañoso de semejante exposición. Porque, efectivamente, Sector 7 mantiene un parecido razonable con aquel clásico moderno de la sci-fi en lo que a su argumento se refiere: un grupo de individuos se hayan atrapados y aislados en un recinto mientras son acechados por un monstruo maligno. Pero no olvidemos que la trama de Alien era, quizás, el aspecto más flojo de su conjunto, y desde luego no el que le dio fama, pues constituía básicamente una recuperación (casi un plagio) de los clichés del cine de terror y ciencia-ficción de los años 50 (Carlos Aguilar dixit). La cinta dirigida por Ridley Scott, en cambio, sobresalía por su capacidad para generar tensión a través de la atmósfera y la dosificación de los momentos de impacto, así como limitando la visualización de los elementos terroríficos (por no hablar de su genial diseño de producción y efectos especiales).

Nada de ello se atisba en Sector 7, una película burda que su director Kim Ji-hun (responsable de la más sustanciosa pero igual de artificial May 18) es incapaz de rescatar de las garras de un guión banal y por momentos ridículo. Incluso sus costosos efectos digitales desmerecen, por sus pobres texturas y falta de viveza, al lado de la fisicidad casi tangible de la criatura creada por H.G. Giger. Sin embargo, podrá ser recordada por tratarse de la primera producción en 3D coreana (si es que eso le va a importar a alguien dentro de unos años), y por otorgar el protagonismo de una historia de acción y supervivencia a una mujer (dudoso honor que recae en Ha Ji-won, quien ya se moviera al ritmo de las artes marciales en Duelist), algo a lo que estábamos acostumbrados en el caso de las cinematografías china y japonesa, por ejemplo, pero no de la coreana.

Por nuestro colaborador Jordi Codó

Nosolocine: I Exposición Artistas coreanas en España-Kowin

2011-11-09T07:17:00.000+01:00

El Centro Cultural Coreano de Madrid presentará a partir del viernes 18 de noviembre de 2011, a las 20:00 horas la primera exposición colectiva de Artistas Coreanas en España- Kowin (Red Internacional de Mujeres Coreanas en España) en la Sala Multiusos del Centro Cultural Coreano. La exposición estará presidida por la Sra. Lee Seung-Mi, y por el director del Centro Cultural Coreano y Agregado de Cultura y Prensa, el Sr. Jang-Jin sang .

Las experiencias vividas por las artistas en España durante los últimos años, se ponen de manifiesto a través de las distintas técnicas plásticas utilizadas, en las que se muestra una interrelación entre ambas culturas. La escena artística expositiva reúne las diferentes técnicas plásticas como son el aguafuerte, óleo, tintas sobre papel de arroz, cerámica, esmaltes y bronces reunidas en forma escultórica, pictórica y obra sobre papel.

Las trayectorias de las artistas seleccionadas Hea-Kyun Shin, Heon-Suk Hong, Hye-Shin Park, Jin-Hee Kim, Kay Woo, Mun-Jung Chang y Teresa Oh reúnen hoy la tradición vivida en Corea con la modernidad de España, intensifican y reúnen los vivos colores del lugar de residencia con la filosofía oriental.

Las heterogeneidad artística de las múltiples obras podrán visitarse a partir del 18 de noviembre hasta el día 2 de diciembre.

Para más información: Centro Cultural Coreano de Madrid

Sitges 2011: Shaolin (China, 2011)

2011-11-09T06:59:00.000+01:00

Año: 2011

País: Hong Kong - China

Director: Benny Chan

Duración: 131 minutos

Género: artes marciales

Interpretes: Andy Lau, Nicholas Tse,

Jackie Chan, Fan Bingbing y Jacky Wu

Olvidaos de la trilogía de Shaolin Temple protagonizada por Jet li y sus múltiples subproductos, falsas continuaciones y sucedáneos varios, pues esta nueva representación fílmica entorno a las enseñazas y hábitos de los monjes del templo budista más popular de la China, ha sido dirigida por uno de los mejores especialistas en cine de acción contemporáneo que la máquina de sueños de la ex-colonia británica tiene hoy en día entre sus afiliados: Benny Chan, un amante del blockbuster de consumo ocioso que en sí mismo podría aglutinar el dinamismo talentoso de Michael Bay y la visión corporativa de Jerry Bruckheimer. Pero Chan no disponía del presupuesto que estos dos mandamases de Hollywood consiguen en un abrir y cerrar de ojos, por lo que se tuvieron que buscar inversores chinos con el fin de conseguir los 29 millones de dólares presupuestados inicialmente (formando un régimen de co-producción establecido desde hace un lustro con la Maindland): Emperor Motion Picture, China Film Group, los Huayi Brothers (los de Detective Dee de Tsui Hark) y hasta el propio departamento cultural del Sagrado Templo de Shaolin contribuyeron a la causa; pusieron toda la carne en el asador para poder conseguir el capital suficiente para poner en marcha la compleja logística que implicaba un ambicioso filme de estas características. Y es que con respecto al reparto tampoco quisieron quedarse cortos: Andy Lau, Nicholas Tse, Jackie Chan (en un rol muy secundario, de cocinero marcial), Fan Bingbing (modelo de la marca Renault) y Jacky Wu (actor marcial algo infravalorado, visto en Legendary Assassin o la reivindicable y defenestrada al pozo del olvido Fatal Contact). Todo un elenco de estrellitas algo veteranas participan en este impactante filme de artes marciales puro y duro, en el que destaca por encima de todo las impresionantes labores de recreación del templo original.

Pero, ¿qué puede ofrecernos esta enésima reconstrucción de las tortuosas sesiones de entrenamiento de los monjes que no hayamos visto con anterioridad en los últimos 30 años? ¿Más demostraciones de wu shu y kung fu rodadas en planos estáticos mientras intentamos diferenciar a los personajes centrales que, por culpa de los mismos peinados, se parecen unos a los otros? ¿Acaso un biopic realista de las sabidurías marciales que se practican en las distintas instalaciones de este consagrado templo, que en el año 2010 fue considerado Patrimonio de la Humanidad? La respuesta la encontraréis en las dos horas y pico que ha necesitado Benny Chan para mostrar un poco la trayectoria del templo desde que se consolidó como respetado centro marcial, aunque ya avanzamos que no se trata de un filme convencional de artes marciales, pues para aportar algo de novedad al conjunto, ha introducido algunos elementos históricos externos (poco familiares para los espectadores de ultramar) y reforzar así una trama que se focaliza principalmente en ese período de entreguerras en las que se disputaban ciudades a blandazos y se unificaban territorios a golpe de bayoneta. Unos acontecimientos históricos que se dan por entendidos y que para el público foráneo pueden resultar complicados de relacionar (razón de más para aventurarnos a leer novela histórica china traducida al español, que de títulos abundan).

En todo caso, Chan se sirve de la historia milenaria de su país para ofrecer un thriller marcial que arranca cuando el general Hou Jie (Andy Lau desbocado) invade las instalaciones del templo mientras persigue a un enemigo del que no se apiada ni delante de los monjes. Su despotismo no tiene freno ni con los suyos, y al surgir discrepancias con su hermano (¿por qué va tan de cool Nicholas Tse?) por la manera de comerciar con los bárbaros extranjeros que empiezan a poner los pies en los territorios interiores de la China profunda, abre un conflicto familiar que termina con la conspiración de su hermano contra él, el asesinato de su hija pequeña y el exilio y posterior confinamiento obligado al templo Shaolin. Allí, y como un protegido más, decide dar un tumbo a su vida, poniéndose al servicio de un rígido instructor marcial (inmenso Jacky Wu) para intentar encontrar una vía de escape a su resentimiento. Pero pronto su hermano de guerras hallará su paradero, iniciando junto con los invasores extranjeros una guerra para conquistar toda la zona anexada a Shaolin. Armas de fuego contra sabiduría y fe budista. Varios serán los combates épicos que culminarán en un choque de fuerzas desestabilizadoras del ying y el yang.

Un gran evento para visionar en pantalla grande, esto empieza a quedar evidenciado. Y lo es porque detrás de las cámaras hay un gran hombre que sabe lo que quieren los productores y lo que les puede ofrecer. Dicho en otras palabras, Chan siempre utiliza la misma narración porque desde el primer día en que tomó una cámara y afrontó él solito una producción a sus espaldas le ha funcionado (consideremos como tal la imprescindible A Moment of Romance). Esto se resume en: una prolongada introducción en la que, además de presentar a los personajes centrales, ya los utiliza para situarlos en algún meollo con el que sorprender el espectador (arranque en mitad de un conflicto bélico, presentación de los poderes fácticos que dominan al pueblo y primeras reyertas entre compañeros de guerras); un consistente nudo en el que plantea varios caminos o soluciones a los conflictos que estamos presenciando (indicio de conspiración, despojamiento de todos los bienes del general, huida al templo y redención); y finalmente dos clímax finales (en este caso asalto nocturno y secuestro del respetado maestro unido a su rescate en la inmediata secuencia posterior y batalla final). Una fórmula apreciable en otros filmes de su autor (sí, digámoslo ya, aunque no ruede largometrajes ascéticos en los que no sucede nada, es un autor porque ha firmado siete libretos), como la adrenalínica Invisible Target (2007).

Hay muchas escenas y secuencias que por sí solas pagan, y que unidas conforman esta epopeya marcial en mayúsculas. Y es que contiene momentos impagables, por ejemplo, cuando el personaje que interpreta Andy Lau acepta que lo ha perdido todo y, para no renunciar a su dignidad, decide afrontar la redención rapándose al cero e ingresando a las órdenes de los shaolines. Tal vez éste sea el momento clave del filme, el momento que cierra la primera parte: se abandona la parte más bélica para centrarse a destilar de forma ligera la filosofía que aguarda en los confines del templo. Pero también hay otros momentos de pura acción que merecen ser destacados, como la huida nocturna en carro por unas montañas rocosas (y de la que no podemos desvelar nada más) o la traición cruzada en la cena donde se forja el conflicto entre los tres grandes soberanos de la región. E incluso podemos mencionar algún que otro plano concreto cómico como el que protagoniza un Jackie Chan cocinero y en el que usando sus habilidades ‘culinarias’ inserta a un enemigo en un gran wok. Y todo esto no sería posible si entre bambalinas Benny Chan no hubiera contado con un increíble equipo artístico: entre los pesos pesados, Alan Yuen (uno de sus guionistas con los que colabora asiduamente y encargado de la puesta en escena), el respetado Corey Yuen (en tareas de coordinación de los stunts) y Anthony Pun (encargado de la fotografía, como en otros filmes de Chan).

En definitiva, que si el año pasado Teddy Chan nos sorprendía con Bodyguards and Assassins por su elaboradísima reconstrucción de los conflictos que asolaron el Hong Kong de principio del siglo XX, parece que ahora Shaolin toma el relevo del blockbuster perfeccionista para rescatar el templo más famoso de China, magnificándolo si cabe aún más en una superproducción Maindland que contentará a los seguidores del género y a los que hasta ahora han dado la espalda a una de las cinematografías más importantes del mundo.

LO MEJOR: Atrezzo, las piruetas marciales y la secuencia situada en el segundo clímax final justo al momento que empieza a desmoronarse parte del templo.

LO PEOR: La banda sonora de Nicolas Errera, repleta de clichés y sonoridades recicladas de otros soundtracks, no reafirman la acción en su justa medida.

Por nuestro colaborador Eduard Terrades Vicens

Noche-Nit del Manga 8 de Vic; 11-12 de Noviembre

2011-11-08T07:07:00.000+01:00

Organizado por la web Japanzone, en colaboración con el área de Juventud del Ayuntamiento de Vic, Espacio ETC, Cine Club Vic, Món de Còmic, Otaku no Tamashi, y Zoo, entre otros, la 8 Noche-Nit del Manga de Vic se celebrará este año la noche del sábado 12 de Noviembre en el recién inaugurado ETC, antiguo Centre Cívic Remei-Estadi.

Durante la velada se proyectarán diversos capítulos de conocidas series de animación japonesa. Una hora antes de la sesión, se pasarán clips de J-Pop y tráilers. Además, el viernes 11 tendrá lugar la presentación del libro: “Japan”: Japó en 181 imatges, en la librería Muntanya de Llibres (C/ Verdaguer 31, Vic).

Programa:

Viernes 11 de Noviembre: A las 20:00h: Presentación del libro.

“Japan: Japón en 181 imatges”

A cargo de Tina Bagué y Toru Morimoto, fotógrafos que presentarán el libro, resultado del “The Japan Photo Project”, la experiencia de viajar en autocaravana durante un año por Japón.

Entrada gratuito. Plazas limitadas.

Lugar: librería Muntanya de Llibres (C/ Verdaguer 31, Vic).

Sábado 12 de Noviembre: A partir de las 22:00h y hasta las 02:00 aproximadamente:

Proyecciones Nit del Manga

-Videoclips J-pop

-Proyección episodios de las series Dr. Slump (episodio 1), Escaflowne (episodio 1), Cinturón Negro (episodio 1),

- Intermedi, sorteig exclusiu de còmics i DVD’s.

-Proyección de Blood, el Último vampiro (película) + serie Sorpresa (se anunciará en sábado en la web).

Precio: Entrada gratuita. Ticket de 2 € para participar en el sorteo.

Para más información: Japanzone

Japan Madness-Sitges 2011: Tomie: Unlimited (Japón, 2011)

2011-11-08T06:36:00.000+01:00

Año: 2011

País: Japón

Director: Noboru Iguchi

Duración: 83 minutos

Género: terror descafeinado

Interpretes: Moe Arai, Maiko Kawakami,

Miu Nakamura, Kôichi Ôhori

Junji Ito nunca podría imaginarse que uno de sus mangas más famosos se convertiría en una rentable saga cinematográfica que abarca hasta nueve producciones de dudosa calidad artística. Y es que el cómic original tampoco es ninguna maravilla, por lo tanto sus adaptaciones fílmicas en general siempre han sido algo mediocres (con la excepción de Tomie: Re-birth, dirigida por Takashi Shimizu, y aunque parezca mentira también cuenta con muchos detractores). Ahora Noboru Iguchi, el énfant terrible del gore japonés en su variante más gamberra, nos presenta una nueva vuelta de tuerca al inmortal personaje femenino de extraña belleza anoréxica, y en la que no escatima ni en hemoglobina barata ni en momentos desagradables que pueden provocar las náuseas al más desprevenido. Pero conociendo al realizador, a uno no le extraña según qué actitudes sangrientas, ni tampoco debería sorprender algún que otro momento hentai (y es que la cara de pervertido de Iguchi ya paga). Pero centrándonos en el personaje en cuestión: si a estas alturas aún no conocéis el poder maquiavélico de Tomie, os diremos que se trata de una adolescente de cuerpo estilizado que escampa el odio por divertimento, provocando la muerte y la destrucción a su alrededor mediante insinuaciones sexuales o métodos hipnotizadores. La peculiaridad básica es que siempre termina troceada por alguien que no ha podido soportar sus maniqueos juegos o que termina poseído por su infernal influjo homicida. Pero imitando a Jason Voorhees siempre vuelve a la vida para seguir inflingiendo dolor a aquellos que la han repudiado. Vamos, la chica con la que no te recomendamos que ni te cases ni te embarques.

Para la ocasión, y siguiendo un poco la línea temporal del manga original, figura que es la hermana de una muchacha que tiene ciertos favoritismos familiares, y éstos aumentan cuando Tomie muere en un trágico accidente al desprenderse unas vigas de las obras contiguas al instituto en el que estudian. Pero cuando la familia celebra el primer año sin su presencia, ésta regresa con intenciones hostiles: maltrata a su hermana, distanciándola de un posible ligue, sodomiza a sus padres y posee literalmente a su mejor amiga. Y todo porque pretende unirse físicamente y mentalmente a su hermana. Obviamente esta obsesión enfermiza dejará en su paso una procesión de cadáveres de la que seremos testigos de forma continuada. Además veremos cómo el cuerpo de Tomie muta a distintas formas peculiares (como la maceta Tomie o los makis con lengua asesina). Una función ‘granguiñolesca’ en la que Iguchi ejerce como maestro de pista, y que a pesar de sus impactantes efectos visuales artesanales (con alguna que otra ayuda de los digitales), termina provocando más la carcajada que no el terror de por ejemplo las versiones que en el pasado ofreció Ataru Oikawa sobre el personaje. Eso no quita algún que otro momento de mal rollo provocado por la asquerosidad del bicho amorfo al que se enfrenta la protagonista. En este aspecto, destaca la persecución por los pasillos del instituto, unos pasillos oscuros en los que la sufridora protagonista debe combatir a una monstruosa malformación perpetrada por Tomie en el cuerpo de su mejor amiga, y cuya risa en forma de chillidos extremadamente agudos terminan poniendo nervioso al pobre espectador. Si superáis esta secuencia extremadamente prolongada sin devolver las palomitas que os habéis estado zampando para sufragar el tedio generalizado que provocan los primeros 40 minutos de metraje, seréis capaces de aguantar hasta el repeloso clímax final situado en los interiores de la vivienda familiar (no recomendable para los que tengan fobia a los bichitos e insectos con múltiples patas).

Es evidente que no podemos dar el beneplácito a esta nueva incursión al macabro mundo de Tomie, pues parece que Iguchi no se tome en serio el material original. Pero también es cierto que el personaje está más que explotado: intentar proseguir con sus traperías sanguinolentas es como pretender persistir en la extinta saga de Ju-on. Tomie es un personaje que no puede reinventarse porque las aventuras originales ya de por sí eran muy limitadas. Y es que de las poco más de 400 páginas de las que consta el cómic se han realizado ya nueve adaptaciones entre cine, televisión y V-Cinema (y esperaros, que coming soon: los productores atacarán con la décima…).

Aún siendo consciente de que el terror nipón minimalista ha gastado sus últimos cartuchos, Iguchi ha sido valiente al combinar el horror puro y duro con la comedia más tosca, pero por desgracia no ha sabido mezclar la fórmula de forma equilibrada, siendo el resultado final un largometraje muy irregular en su conjunto y del que difícilmente volveremos a darle una segunda oportunidad. Una lástima, pues los fans del fantástico que fliparon con The Machine Girl se llevarán una desagradable sorpresa. Y es que Tomie ya no tiene fuerzas para resucitar, sus últimos suspiros deberían quedar enterrados en esta desvergonzada producción destinada a destrozarla, como ella hace con todas sus víctimas y por ende con todos nosotros.

LO MEJOR: Que dure menos de 90 minutos y ver troceada a una de las insoportables idols de la banda de chicas AKB48.

LO PEOR: La mala combinación entre comedia y terror.

Por nuestro colaborador Eduard Terrades Vicens

Japan Madness-Sitges 2011: Yakuza Weapon (Japón, 2011)

2011-11-08T06:31:00.000+01:00

Dirección: Tak Sakaguchi

y Yudai Yamaguchi

País: Japón

Año: 2011

Después de haber visto varios títulos de la productora Sushi Typhon, tengo claro que es un sello a seguir y una constante del Festival de Sitges, ya que nos ofrece en cada película todo lo que podemos pedir (sobre todo por las noches): acción, humor, historias delirantes y un ‘poco’ de gore. Y si sigue la evolución que ha tenido hasta ahora, cada año nos dará mayores alegrías.

Yakuza Weapon, es quizás, el film más completo de la joven pero prolífica productora. Sin perder ese punto desquiciado que los caracteriza, pulen su estilo, su planificación, sus efectos especiales y su humor con cada nuevo film. Y el que nos ocupa tiene un poco de todo lo mencionado. Además, cuenta delante y detrás de las cámaras con el carismático Tak Sakaguchi, que se dio a conocer a lo grande con Versus, de Riuhei Kitamura. En esta ocasión encarna al yakuza más chulo y descarado de la historia, que cómo no, es una máquina de matar, ya sea con armas o con sus puños.

Hasta aquí podría tratarse de cualquier película nipona, pero si os digo que al protagonista, después de ser acribillado, le sustituyen un brazo por una ametralladora, y que puede abrir su rodilla para lanzar misiles, ya cambia la cosa, ahora sí que estamos ante una locura más de la Suhi Typhon.

Lo mejor del caso, es que además de que funciona como película de acción trepidante y absolutamente loca e inverosímil, funciona como comedia. Al menos yo me lo pasé en grande. Bueno, y diría que el resto de los asistentes a la maratón Japan Madness también, que aguantaron como campeones hasta las 8:00h de la mañana.

En fin, no sólo una más, sino una de las mejores, sino la mejor de la factoría japonesa.

Lo mejor: Tak Sakaguchi, me declaro fan.

Lo peor: Diría que en España no las veremos editadas ni por asomo.

Por nuestro colaborador Óscar Sueiro

Japan Madness-Sitges 2011: Ninja Kids!!! (Japón, 2011)

2011-11-07T13:08:00.002+01:00

Año: 2011

País: Japón.

Director: Takashi Miike

Duración: 100 m.

Género: Comedia

Protagonistas: Seishiro Kato, Futa Kimura,

Roi Hayashi, Mikijiro Hira, Arata Furuta, Koji

Más información:

http://www.imdb.com/title/tt1644655/

Sinopsis: Rantaro es un niño de 8 años que ha nacido en una familia ninja de clase baja. Sus padres esperan que un día se convierta en un ninja de élite para poder sentirse orgullosos, por lo que lo matriculan en una escuela de ninjas jóvenes. Mientras está allí se hace amigo de Shibe, el hijo de un rico comerciante y de Kirimaru, un huérfano que perdió a sus padres durante la guerra. Juntos, Rantaro y sus compañeros, quienes son llamados los "Huevos Ninja" se verán envueltos en varias desventuras involucrando a profesores, estudiantes de más edad y ninjas rivales del Castillo Dokutake, con los que se medirán en una competición en la que el primero que gane una carrera alcanzará el máximo honor.

Crítica:

La vasta filmografía del hasta ahora considerado “enfant terrible” del cine japonés le ha llevado a intentar satisfacer a públicos de todas las edades, y así, mientras colmaba las expectativas adultas con trabajos ultraviolentos como Ichi the Killer o Crows Zero, a su vez contentaba a los más tiernos infantes con títulos como La Gran Guerra Yokai o la más reciente Yatterman, vista en el Festival de Cine de Sitges hace un par de años. Este 2011, para no ser menos, Miike ha estrenado Hara-Kiri: Death of a Samurai, su primera película rodada en tres dimensiones que presentó con críticas divididas en el pasado Festival de Cannes, y el film infantil Ninja Kids. Mientras el primer título representa el paso a la madurez de un realizador que parece haber abandonado su vertiente más radical en pos de un cine más autoral, el segundo supone un auténtico desparrame kitsch donde adapta a la gran pantalla el conocido anime de Sobel Amako Ninja Boy Rantaro (Rakudol Ninja Rantaro), serie que en su día fue emitida en España en algunas televisiones autonómicas.

El héroe de la función es un niño con gafas de culo de botella que ingresa en el primer curso de la academia ninja para aprender las distintas artes de estos valerosos guerreros. La trama, bastante insustancial, se vertebra en las continuas lecciones sobre supervivencia y técnicas especiales impartidas por los profesores más variopintos y disparatados, las relaciones que se establecen entre los alumnos de todos los cursos, ataviados con kimonos de colores a cual más chillón, y la rivalidad existente con otro grupo de ninjas (los malvados de la película), a los que podríamos definir como profesionales, con los que mediará una descacharrante competición en forma de carrera que enfrentará a veteranos y noveles en pos de conseguir el mayor reconocimiento. El humor surrealista, difícil de descifrar por los menos avezados en la materia, campa a sus anchas unido a cierto afán por el chiste escatológico y el gag visual. Hay momentos afortunados que invitan a la carcajada más atronadora, sobre todo aquéllos que tienen como protagonista a un maestro que aparece en escena rompiendo literalmente los decorados de la película, para explicarnos de manera harto ilustrada las posibilidades de cada una de las armas que se están empleando en la acción. En el debe del film indicar que el conjunto se resiente de una alarmante falta de ritmo y de un trabajo de maquillaje demasiado rudimentario (esas pelotas que quieren parecer chichones). Con todo, el film divierte, es un canto a la amistad (los personajes de Shimbei y Kirimaru, amigos inseparables del protagonista son irresistibles) y los niños japoneses se lo tienen que haber pasado bomba viendo las peripecias de estos críos metidos a aprendices de guerreros. No hay que perderse los títulos de crédito finales, con imágenes del rodaje del film y una pegadiza canción del grupo NYC Boys.

Lo mejor: La etapa de aprendizaje hasta que llegan las vacaciones de verano.

Lo peor: Que en el film no aparezca Hem-Hem, el perro del director de la Academia.

De nuestro colaborador Francisco Nieto

La frase de la semana: Ryo Seung-wan en la IV Muestra de cine coreano de Madrid

2011-11-07T07:26:00.000+01:00

“Cuando era un adolescente, las críticas de cine de Park Chan-wook me influyeron mucho. Siempre pensé que si quería ser alguien dentro de mi profesión, lo primero que tenía que hacer era conocerlo… Y así lo hice.”

Ryo Seung-wan (director de cine coreano)

De esta manera definía el realizador coreano Ryo seung-wan la relación que mantenía con uno de los realizadores de cine más reconocidos del panorama internacional, Park Chan-wook. Una relación alumno-profesor, que tan bien pudimos definir cuando conocimos a Ryo en Sitges en el año 2006, durante la presentación de City Of Violence, y que coincidió con la visita de Park Chan-wook que presentaba Soy un Cyborg.

Cinco años más tarde el alumno ha crecido y ha regresado a Sitges como miembro del jurado Oficial Fantástico, a la vez que presentaba su film más adulto: una trama de corrupción política, periodística, y judicial que se alzaría con el Premio Casa Asia a la mejor película asiática, The Unjust. Cinco años separan las dos fotografías que ilustran esta entrada: en la primera vemos a un Ryo que nos muestra su lado más "rebelde", donde se zampa de un bocado la revista de CineAsia con Park Chan-wook en portada... La segunda fotografía, realizada el presente año en idéntico escenario (Hotel Meliá de Sitges) nos revela la impresión que se llevó el propio Ryo al ver la fotografía que le habíamos hecho años atrás... Evidentemente se la quedó de recuerdo.

Como colofón a la presencia de Ryo Seung-wan en España, a lo largo de esta semana podéis contemplar una de sus primeras películas, programadas dentro de la IV Muestra de cine coreano en Madrid (que se celebra en la Filmoteca Española). No Blood no Tears es una excelente manera de iniciarse en la filmografía de este director. Primera película que pudo verse de este director dentro de la sección Orient Express en el Festival de Sitges: una adrenalínica historia de dos mujeres (que puede recordar a la excelente Telma & Louise de Ridley Scott) que luchan por su libertad dentro de un mundo manejado por hombres.

CineAsia

IV Muestra de cine coreano en Madrid: 2-13 Noviembre

2011-11-07T07:02:00.000+01:00

Hace unos días os anunciábamos via twitter y facebook de la inauguración de la IV Muestra de cine Coreano en Madrid, organizada por el Centro Cultural Coreano en Madrid en colaboración con la Filmoteca Española. La muestra integra seis títulos de diferentes directores del cine contemporáneo coreano y abarca todos los géneros, principalmente el drama. Esta nueva edición de cine coreano quiere favorecer el intercambio cultural entre cineastas y cinéfilos de ambos países.

La inauguración de la muestra tuvo lugar el pasado miércoles, 2 de noviembre a las 19.30 horas en el Cine Doré (Calle Santa Isabel, 3) con la proyección de la película Rough Cut de Jang Hun, (el que fuera asistente en la dirección de Kim Ki-duk en El Arco, debutaba con esta película a la que seguirían Secret Reunion y The Front Line) y que cuenta con guión del propio Kim Ki-duk. La gala inaugural contó con la presencia del embajador de Corea en Espala, Oh Dae-sung.

Las películas se proyectarán en su versión original con subtítulos en castellano.

Programación:

Miércoles, 2 de noviembre de 2011, a las 19.30h, sala 1 de Cine Doré

Rough Cut / Dir.: Jang Hun / 2008 / Drama, Acción / 112m / VOSE

Soo-ta es una gran estrella de cine conocido por su mal genio, tanto dentro como fuera de la cámara, lo que le lleva a tener problemas con muchos actores. En el rodaje de su última producción, una película de gángsters él le da una paliza a su co-protagonista, con lo que consigue que ningún otro actor quiera trabajar con él. Ante esto su única opción es buscar a un gangster de la vida real, llamado Gang Pae que conoció en el pub y proponerle que trabaje con él en la película.

Gang acepta con una condición...

Jueves, 3 de noviembre de 2011, a las 22.00h, sala 1 de Cine Doré

Viernes, 11 de noviembre de 2011, a las 17.30h, sala 1 de Cine Doré

Dance Town / Dir.:Jeon Kyu-hwan / 2010 / Drama / 95m / VOSE

Ri Jeong-lim, ex-jugadora profesional de tenis de mesa norcoreana huye de Corea del Norte al Sur tras producirse el arresto de su marido. El gobierno, que cuenta con agentes para espiarla, le proporciona una vivienda, al tiempo que le asigna una guardaespadas, Kim Soung-heui, quien está a cargo de los nuevos residentes de la zona. Ri comienza a sentirse sola y alienada, lo que le lleva a buscar citas a ciegas que no conducen a ninguna parte. Su nuevo trabajo en una lavandería le lleva a entablar amistad con Oh, un policía local con dificultades para llegar a fin de mes, que le invita a salir...

Viernes, 4 de noviembre de 2011, a las 19.30h, sala 1 de Cine Doré

Sábado, 12 de noviembre de 2011, a las 22.00h, sala 1 de Cine Doré

No Blood, no Tears / Dir.: Ryoo Seung-wan / Drama, Acción / 120m / VOSE

Kyeong-seon es una taxista con un turbio pasado y mal caracter que debe rendir cuentas a unos mafiosos locales por las deudas de su desaparecido marido. Sun-ji es la amante de Bulldog, un mafioso que trabaja organizando peleas de perros y que la maltrata constantemente a pesar de su pasado juntos.

Ambas mujeres se conocen al tener un accidente y pronto surgirá una curiosa relación que las conducirá al intento de robo de la recaudación de una pelea de perros fraudulenta...

Sábado, 5 de noviembre de 2011, a las 19.30h, sala 1 de Cine Doré

Jueves, 10 de noviembre de 2011, a las 20.00h, sala 2 de Cine Doré

The Housemaid / Dir.: Im Sang-soo / 2010 / Suspense / 108m / VOSE

Remake de una de las mejores películas surcoreanas de la historia, ¨The Housemaid¨ dirigida por Kim Ki-young en 1960. Eun-yi, una inocente joven cree encontrar una gran oportunidad cuando le ofrecen trabajar como niñera de Goh Hoon, un riquísimo hombre de negocios. La mujer encaja con suerte en el gélido hogar, logrando la amistad de la pequeña y un trato correcto con los padres. La situación cambia de manera irrevocable cuando, el marido viaja y visita a la criada, que acepta someterse a sus deseos. La relación continúa a espaldas de la esposa, hasta que se descubre que Eun-yi está embarazada...

Domingo, 6 de noviembre de 2011, a las 20.00h, sala 2 de Cine Doré

My Mother, the Mermaid / Dir.: Park Heung-sik / 2004 / Drama / 110m / VOSE

Na-young es una joven que trabaja en una oficina de correos, tras tener que abandonar sus estudios antes de ir a la universidad, debido a los problemas económicos familiares. Es por ello que odia a sus padres, especialmente a su madre. Un día, el padre de Na-young desaparece sin dejar ningún mensaje, por lo que ella decide dejar todo para ir en su búsqueda. En ese momento, la película salta al mundo de la fantasía, un mundo en el que Na-young se encuentra con su madre, que tiene 20 años y es una buceadora en la Isla de Jeju...

Martes, 8 de noviembre de 2011, a las 22.00h, sala 1 de Cine Doré

Domingo, 13 de noviembre de 2011, a las 19.30h, sala 1 de Cine Doré

Hahaha / Dir.: Hong Sang-soo / 2010 / Drama / 116m / VOSE

Mun-kyung, director de cine, planea abandonar Seúl para irse a Canadá. Unos días antes de su partida, se reúne con su amigo íntimo Bang Jung-shik, crítico cinematográfico. Durante este encuentro, los dos amigos descubren por azar que recientemente han visitado la misma pequeña ciudad a orillas del mar, Tong-yong. Deciden contarse su viaje con la única condición de revelar solamente los momentos agradables. Sin darse cuenta de que los dos se encontraban allí en el mismo instante, frecuentando a las mismas personas...

Para más información: Centro cultural coreano en España

Entradas: Filmoteca Española (Madrid)

Japan Madness-Sitges 2011: Karate Robo Zaborgar (Japón, 2011)

2011-11-07T06:39:00.001+01:00

Director: Noboru Iguchi

Protagonizada por: Itsuji Itao, Asami,

Akira Emoto.

País: Japón. Año: 2011

Género: Acción, Comedia, Ciencia Ficción.

Duración: 101 minutos.

Viniendo de la mano de Noboru Iguchi y la productora Sushi Typhon (Mutant Girls Squad, RoboGeisha…), lo primero que me pregunté fue: ¿dónde se han dejado el gore?, pero en pocos minutos me di cuenta de que en esta ocasión habían adoptado un tono mucho más blanco. Eso sí, el delirio y el ritmo loco que los caracteriza siguen estando ahí. Karate Robo Zaborgar no es exactamente un remake, pero está basado en una serie de televisión de 1974: Denjin Zaboga. Para los que no hayáis visto ni el tráiler, haceos una idea pensando en cómo sería mezclar a los Power Rangers, con Godzilla y con Sargento Kabukiman de la Troma. Todo ello en tono de comedia slapstick.

Viendo imágenes de la serie televisiva original, me sorprende mucho, y para bien, la fidelidad que le han tenido en cuanto a la dirección artística, el vestuario, el diseño de personajes, etc. Me parece fantástico el trabajo de adaptación que pasa inevitablemente por el uso de los efectos digitales, pero que aún así conserva gran parte del romanticismo de los años setenta y ochenta. Lo que no entiendo muy bien, es por qué aún siendo cutres e ingenuas, les tengo ese aprecio… No hace falta ser muy mayor para darse cuenta de que los Power Rangers eran lamentables, creo que de niños en su día éramos conscientes de ello, pero de todos modos, algo de ese mundillo, el mundo del tokusatsu japonés, me roba el corazón.

Algo que considero muy destacable es la música. Consiguen transmitir épica, aventuras y emoción que casi me obligan a comprar la banda sonora. Está lejos de las composiciones del mainstream hollywoodiense, pero si habéis seguido siempre el cine, las series y anime nipón, os pondrá los pelos de punta.

Para finalizar, y siguiendo con mi manía de no contar sinopsis ni destripar absolutamente nada del desarrollo del film, solamente recomendaré que la veáis en una maratón nocturna, la proyección será una fiesta.

Lo mejor: La liga de la risa (ya lo veréis).

Lo peor: Estas propuestas locas rara vez llegan a nuestro país.

Por nuestro colaborador Óscar Sueiro

Día 4 en el Salón del Manga. Martes 1 de Noviembre. El Largo Adiós

2011-11-04T07:44:00.000+01:00

48 horas después de la finalización del XVI Salón del Manga uno va tomando conciencia de lo que representa un evento de estas características que convierten a Barcelona en el centro neurálgico del mundo otaku y por extensión de la cultura japonesa y asiática. Tras dos días de descanso todo parece algo más lejano, aunque todavía recuerdo las colas de la primera jornada, cuando gente de diferentes puntos de la geografía se reunían para disfrutar de los primeros minutos del grupo coreano JYJ en Barcelona. Un grupo que a lo que se ve a quedado muy satisfecho de su paso por la ciudad condal: “la gente en Barcelona es muy respetuosa en la calle, tenemos muchas ganas de regresar”.

Con un par de kilos menos que cuando iniciamos el Salón, y con la primera gripe de la temporada, el balance desde CineAsia es positivo. Las cifras de visitantes, según datos de la organización de Ficomic han rondado las 65.000 personas (una cifra muy similar a la alcanzada en la pasada edición), a pesar de que la sensación es de que la gente ha concentrado sus visitas al salón durante los dos primeros días (sábado y domingo), para bajar en gran medida la asistencia los dos restantes (lunes y martes).

Desde el Salón del Manga, y de todo el equipo de FICOMIC, se agradeció a la ciudad de L´Hospitalet, a su consistorio, a La Farga y a su personal todo el cariño y apoyo, que han contribuido a que esta cita se convierta en el referente mundial que es hoy en día. En estos 17 años, 14 de los cuales se han vivido en L’Hospitalet, la feria ha crecido de forma exponencial. La próxima edición se celebrará en el pabellón número 8 de Fira de Barcelona donde se contará con una superficie de 20.000 metros cuadrados (8.000 más de los que se disponían hasta ahora). El XVIII Salón del Manga se celebrará del jueves 1 al domingo 4 de noviembre de 2012.

¿Y qué ha pasado con el box office final de CineAsia, os preguntaréis? No ha habido muchas sorpresas en la última jornada, pero sí tenemos unos pequeños pero significativos cambios en el cómputo global. Como era de esperar Gantz lidera la lista de éxitos (ha sido el dvd del Salón), lo que abre unas grandes expectativas ante la salida de la segunda parte Gantz: Perfect Answer, el 29 de Noviembre. El film de Takashi Miike, 13 Asesinos ha alcanzado la segunda posición de una forma sólida. El homenaje del realizador nipón al chambara ha estado en sintonía con este salón, dedicado en gran medida a la figura de los samuráis. Para Miike también ha sido la tercera posición con los incombustibles Crows, todavía demandados por los aficionados y la octava con el pack de Dead or Alive (que está a punto de desaparecer del mercado).

Yamato, adaptación del anime homónimo de los años 70, firmado por Takashi Yamazaki (Returner) logra una más que meritoria cuarta plaza, reivindicando su lugar en el ideario otaku. Dos films de animación se han colado por la puerta grande en el box office final: la maravillosa creación del Estudio Ghilbi El Viaje de Chihiro (que reaparecía en el Salón tras unos años de ausencia), y el poderío visual de Summer Wars, que aún sin encontrar distribución en España, cierra la lista. Como anécdota la presencia de una película no asiática en el top ten: La Horda demuestra que los zombies, hoy en día, puedes encontrarlos en cualquier platea.

El box office general de los cuatro días de Salón ha quedado así:

1. Gantz (rescatamos el tótem finalmente, tras una dura pugna con unas fans de Nanomiya). 2. 13 Asesinos (versión Bluray + DVD). 3. Crows (I y II). 4. Yamato. 5. El Viaje de Chihiro. 6. Soy un Cyborg. 7. 20th Century Boys. 8. Pack Dead or Alive (Miike). 9. La Horda. 10. Summer Wars.

Gracias a todos por vuestra simpatía, en especial a El Pozo de Sadako y Eduard Terrades, por vuestra incondicional ayuda. Un abrazo para todos… y nos vemos en una próxima edición.

Día 2 y 3 en el Salón del Manga. Domingo 30-Lunes 31: Escribir o dormir… esa es la cuestión.

2011-11-01T07:57:00.001+01:00

Hola cineasiáticos. Escribo esta pequeña entrada a las 7:24 de la mañana del martes 1 de Noviembre (último día de Salón, y post noche de Halloween para la mayoría de los humanos y zombies que habitan el planeta). El Salón toca a su fin, y mi máxima estos días ha sido: “escribo o duermo”. Finalmente la segunda opción es la que más éxito ha tenido, más que nada porque tras unas diez horas en el Salón, la sensación de cansancio se va acumulando, día a día. Resumen: al llegar a casa le daba reset a mi cerebro con una única orden: a la cama.

Domingo y lunes han sido días de intensa actividad en el Salón. Para los que no habéis tenido la suerte de venir, podéis haceros una idea muy aproximada en El Pozo de Sadako o Asian Club (si lo que os interesa es el K-pop coreano). Muchas caras conocidas (de Sitges y de otros salones) han pasado por el stand de CineAsia: y las charlas sobre cine asiático no han faltado: en este caso centradas en The Raid (a ver cuándo sale editada en dvd), o Gantz: Perfect Answer (¿cuándo se edita, finalmente?), o Time Traveller (la versión live action de La Chica que Saltaba en el Tiempo)…

En cuanto al box office, como decía en una entrada de twitter, ya no se cuestiona que dvd liderará la taquilla final en el stand, sino cuántas copias de Gantz se llevarán los aficionados. El live action de Gantz (como el año pasado le ocurriera a 20th Century Boys) se ha convertido en la estrella indiscutible. En el campo de los sleepers podemos hablar de dos: uno más esperado: los 13 Asesinos de Takashi Miike, que han ido remontando posiciones día a día, despuntando en su versión Bluray, y El Viaje de Chihiro, (una de las películas más maravillosas del Estudio Ghibli).

El resumen del Box office (Domingo-Lunes):

1. Gantz (el tótem a estas horas está amarrado al stand con un candado). 2. 13 Asesinos (versión Bluray + DVD). 3. Crows (I y II). 4. Yamato. 5. El Viaje de Chihiro. 6. Soy Un Cyborg (Rain lucha por arrebatarle el quinto puesto a Ghibli). 7. The Chaser. 8. Pack Dead or Alive (Miike). 9. La Horda. 10. Yatterman.

La compra de la jornada: Dos películas minoritarias para el gran público, pero que me apasionan: Poesía y Secret Sunshine, del realizador coreano Lee Chang-dong, que vendimos a una pareja. Él americano, ella coreana. Dios los crea, y ellos se juntan.

En unas horas nos vemos en el Salón.

Disfrutad del último día.

CineAsia